Wenn ihr diesen Artikel lieber hören als lesen wollt, schaut euch Episode 9 des Charlie’s Music Production Lessons Podcasts an.
Da ich mich immer mehr mit dem Schreiben von Videospielmusik beschäftige und viele Spieleentwickler auf der Suche nach einem Chiptune-Synthesizer-Sound der alten Schule sind, dachte ich mir, ich sollte die authentische Art und Weise lernen, wie man sie macht: mit einem Musik-Tracker.
Wenn du noch nie einen Tracker gesehen hast, sieht er eher aus wie ein Computercode als ein moderner Musiksequenzer. Anstatt Wellenformen zu sehen, sieht man eine Liste mit allen Noten, wie „A4“ und „C#3“, zusammen mit Zahlen, die die Lautstärke, die Effekte usw. darstellen.
Auf den ersten Blick etwas einschüchternd.
Ich dachte, ich probiere es mal aus und habe mir einen kostenlosen Tracker für den Mac namens MilkyTracker heruntergeladen. Ich war wirklich begeistert, nachdem ich mir Tutorials angesehen und gesehen hatte, dass es nicht so entmutigend war, wie ich dachte.
Aber dann habe ich versucht, einen Song zu erstellen, und es erschien mir sehr mühsam. Es fühlte sich wirklich klobig an, als ich meine normale Methode des Komponierens und Aufnehmens im laufenden Betrieb ausprobierte, wie ich es in Ableton Live mache. Ich beschloss, dass ich wahrscheinlich aufgeben würde.
Aber nach einer kleinen Pause begann sich meine Perspektive zu ändern. Mir wurde klar, dass ich mit dem Tracker viel besser zurechtkommen würde, wenn ich die Melodien und Akkorde schon im Kopf hätte, bevor ich anfange, Note für Note einzutippen.
Betrachte es wie Pixelkunst…
Wenn du Pixel für Pixel zeichnest, ohne eine Vorstellung von der endgültigen Zeichnung zu haben, wird daraus vielleicht etwas Cooles und Unerwartetes, aber es geht viel schneller und ist wahrscheinlich befriedigender, wenn du dir das ganze Bild vorstellen kannst, bevor du anfängst.
Auch würde dein erster Versuch mit Pixelkunst wahrscheinlich ein winziger Avatar oder ein Sprite sein, keine riesige Pixelkunstversion der Mona Lisa. Das ist ein weiterer Punkt, der mich anfangs entmutigt hat. Ich wollte gleich das musikalische Äquivalent der Mona Lisa machen, obwohl ich meinen ersten Chiptune-Song wie ein kleines Bild hätte zeichnen sollen.
Ich dachte auch, ich müsste mit einer riesigen musikalischen Farbpalette beginnen, indem ich einige komplizierte Sound-Samples erstellte. Aber als ich wieder einmal über die Bedeutung von Beschränkungen in der Kunst nachdachte, wurde mir klar, dass ich einfach sehen sollte, was ich mit den grundlegenden Klängen machen kann – Sinuswelle, Dreieckswelle, Rechteckwelle, Sägezahnwelle und Rauschen.
Mein Song
Bei meinem zweiten Versuch, einen Chiptune-Track zu erstellen, wartete ich also, bis mir eine Melodie in den Sinn kam. Ich nahm ein einfaches Demo auf, in dem ich die Melodie sang und die Basslinie auf dem Klavier spielte (Anmerkung: mein Ziel war es, einen Chiptune-Jingle für meinen Composer Quest-Paten Rob Waite zu erstellen – darum geht es in diesem Text).
Dann begann ich, die Noten eine nach der anderen in MilkyTracker einzugeben. Zuerst habe ich einen schnellen Bass-Sound erstellt, der im Grunde eine Sinuswelle ist, aber ich habe ihn von Hand gezeichnet, damit er ein bisschen mehr Biss hat.
Ich dachte mir, dass dieser Sound auch für den Melodie-Teil funktionieren würde.
Die Drums sind einfach rosa Rausch-Samples, die mit verschiedenen Frequenzen gespielt werden, um einen etwas anderen Sound für Kick, Snare und Hihats zu bekommen.
Ich hörte mir an, was ich bisher hatte, und fing an, eine Gegenmelodie zu hören, die ich mit einer Dreieckswelle hinzufügte.
Um den Enden meiner Phrasen etwas Leben einzuhauchen, fügte ich einen Soloteil mit einem knackigen Synthesizer hinzu. Ich habe einfach zufällige Noten in der Tonart G angeschlagen und dann ein paar von ihnen bearbeitet.
Für den Höhepunkt des Songs wollte ich die Textur mit einem sanften High-Pitch-Pad auffüllen…
…und einem grungigen Bass-Synthesizer.
Bis dahin war ich ziemlich zufrieden mit meinem instrumentalen Chiptune-Track:
Bonus: Vocoding Chiptune Vocals
Da ich diesen Song mit der Absicht gemacht habe, ihn als Jingle für meinen Composer Quest-Paten Rob Waite zu verwenden, musste ich irgendwie meinen Text hinzufügen, ohne dass er zu aufgesetzt in dieser ansonsten authentischen Chiptune-Produktion klingt. Ich beschloss, dass es am besten wäre, einen Vocoder-Effekt in Ableton Live zu verwenden und eine leicht geglättete Sägezahnwelle von MilkyTracker als Trägersound einzuspeisen.
Wenn du nicht weißt, wie Vocoder funktionieren, filterst du im Grunde einen Sound mit dem Frequenzspektrum eines anderen Sounds. Meine Stimme, komplett durch eine Sägezahnwelle gefiltert, hört sich also so an:
Das einzige Problem ist, dass der Text immer noch etwas schwer zu verstehen ist, vor allem mit der Hintergrundmusik. Also habe ich den Vocoder-Effekt auf etwa die Hälfte der Stärke heruntergedreht, so dass meine ursprüngliche Gesangsaufnahme mit den Konsonanten dort durchkommt, wo sie für die Klarheit benötigt werden.
Als Nebenbemerkung habe ich bemerkt, dass man, wenn man einen Vocoder mit Gesang verwendet, einen Trägersound mit viel Körnung (d.h. einem breiten Frequenzband) haben möchte, damit alle höheren Frequenzen der Stimme durchkommen und den Text verständlicher machen. Eine Sinus- oder Dreieckswelle würde zum Beispiel nicht so gut funktionieren wie eine Rechteck- oder Sägezahnwelle.
Jetzt funktioniert der Gesang viel besser im Mix:
MilkyTracker Ressourcen
Hier sind einige großartige Ressourcen, die Ihnen helfen, MilkyTracker zu erlernen:
MilkyTracker Guide – hilft Ihnen, die Oberfläche zu verstehen.
MilkyTracker Offizielles Handbuch
MilkyTracker Tutorial – nicht das beste Englisch, aber ein hilfreiches Schritt-für-Schritt-Tutorial.
Simon Wessels Video-Tutorial – mundgerechte MilkyTracker-Lektionen (oder sollte ich sagen: mundgerecht?).
Brandon Walsh’s Video-Tutorial – ausführliche Videos von einem erfahrenen Chiptune-Entwickler.