Die Bildhauerin Edmonia Lewis sprengte die Erwartungen an Geschlecht und Rasse im Amerika des 19. Jahrhunderts

Edmonia Lewis, eine begabte Künstlerin mit afrikanischen und indianischen Vorfahren, wurde entführt, geschlagen und dem Tod überlassen und weigerte sich, ihre Träume aufzugeben. Im Winter 1862 wurde sie von einem weißen Mob angegriffen, weil man ihr vorwarf, zwei Kommilitonen am Oberlin College vergiftet zu haben, indem sie deren Wein mit „Spanischer Fliege“ versetzte. Geschlagen und mit schweren Verletzungen kämpfend, ging sie vor Gericht und erstritt einen Freispruch.

Auch wenn diese Details offenbar wahr sind, hat Lewis, nachdem sie eine international bekannte Bildhauerin geworden war, Fäden der Wahrheit und der Fantasie verwendet, um ihre Lebensgeschichte zu sticken, und so ihren Ruf als einzigartige Person und als Bildhauerin, die sich weigerte, sich von den engen Erwartungen ihrer Zeitgenossen einschränken zu lassen, kunstvoll ergänzt.

In den Sammlungen des Smithsonian American Art Museum befinden sich mehrere Werke von Lewis, und ihr bedeutendstes Werk, The Death of Cleopatra, begrüßt die Besucher, die den dritten Stock des Museums im Luce Foundation Center erklimmen. Viele von Lewis‘ Werken verschwanden aus der Kunstwelt, aber ihr Bild der Kleopatra fand nach einem jahrzehntelangen Aufenthalt, der seine eigene seltsame Geschichte von Ruhm und verlorenem Vermögen mit sich brachte, den Weg zurück aus der Dunkelheit.

Lewis erschütterte die Erwartungen an das, was Künstlerinnen und Minderheiten erreichen konnten. „Es war eine Männerwelt“, sagt die Kuratorin des Museums, Karen Lemmey. Lewis, sagt sie, „hat wirklich alle Hindernisse überwunden, und es ist immer noch bemerkenswert wenig über sie bekannt. . . Erst vor kurzem sind der Ort und das Jahr ihres Todes ans Licht gekommen – 1907 London.“

Die Künstlerin erwies sich als besonders geschickt darin, Anhänger in der Presse und in der Kunstwelt zu gewinnen, indem sie ihre Lebensgeschichte ihrem Publikum anpasste. „Alles, was wir über sie wissen, muss mit Vorsicht genossen werden, und zwar mit sehr viel Vorsicht, denn zu ihrer Zeit war sie eine Meisterin ihrer eigenen Biografie“, sagt Lemmey. Lewis veränderte ihre autobiografische Geschichte, um Unterstützung zu gewinnen, aber sie begrüßte keine Reaktionen des Mitleids oder der Herablassung.

„Einige loben mich, weil ich ein farbiges Mädchen bin, und ich will diese Art von Lob nicht“, sagte sie. „Mir wäre es lieber, ihr würdet mich auf meine Fehler hinweisen, denn das würde mich etwas lehren.“

Lewis‘ Leben war zutiefst ungewöhnlich. Bei ihrer Geburt erhielt sie den Namen Wildfire und hatte offenbar eine Mutter, die zum Teil von den Chippewa abstammte, und einen Vater aus Haiti. Lewis behauptete, ihre Mutter sei eine vollblütige Chippewa gewesen, aber darüber herrscht Uneinigkeit. Diese Abstammung hob sie von anderen ab und trug zu ihrem „exotischen“ Image bei. Ihr Vater arbeitete als Diener eines Gentleman, während ihre Mutter indianische Souvenirs für den Verkauf an Touristen herstellte.

Nachdem beide Elternteile starben, als sie noch jung war, wurde Lewis von Tanten mütterlicherseits im Bundesstaat New York aufgezogen. Sie hatte einen Halbbruder, der während des Goldrausches nach Westen reiste und genug Geld verdiente, um ihre Ausbildung zu finanzieren – eine seltene Gelegenheit für eine Frau oder eine Minderheit im 19. 1859 wurde sie am fortschrittlichen Oberlin College aufgenommen, aber ihre Zeit dort war nicht einfach. Selbst nachdem sie vom Vorwurf der Vergiftung freigesprochen worden war, konnte Lewis ihr letztes Semester in Oberlin nicht beenden, nachdem ihr vorgeworfen wurde, Farben, Pinsel und einen Bilderrahmen gestohlen zu haben. Obwohl die Diebstahlsvorwürfe abgewiesen wurden, forderte das College sie auf, das College zu verlassen, ohne die Chance, ihre Ausbildung abzuschließen und ihren Abschluss zu erhalten.

Sie zog nach Boston, wiederum mit finanzieller Unterstützung ihres Halbbruders. Dort lernte sie mehrere Abolitionisten wie William Lloyd Garrison kennen, die ihre Arbeit unterstützten.

Im Gegensatz zu weißen männlichen Bildhauern konnte sie ihre Arbeit nicht mit dem Studium der Anatomie begründen. Derartige Kurse waren traditionell weißen Männern vorbehalten; einige wenige weiße Frauen bezahlten jedoch, um eine Ausbildung in diesem Fach zu erhalten. Lewis konnte sich diese Kurse nicht leisten und übte ihr Handwerk ohne die Ausbildung aus, die ihre Kolleginnen hatten. Der Bildhauer Edward Brackett fungierte als ihr Mentor und half ihr, ein eigenes Atelier einzurichten.

Ihren ersten Erfolg als Künstlerin hatte sie mit dem Verkauf von Medaillons, die sie aus Ton und Gips herstellte. Diese Porträts zeigten Abbildungen bekannter Abolitionisten, darunter Garrison, John Brown und Wendell Phillips, der sich für die amerikanischen Ureinwohner einsetzte. Ihren ersten wirklichen finanziellen Erfolg hatte sie jedoch 1864, als sie eine Büste des Bürgerkriegsoberst Robert Shaw schuf, eines weißen Offiziers, der die aus afroamerikanischen Soldaten bestehende 54th Massachusetts Infantry befehligt hatte. Massachusetts-Infanterie befehligt hatte, die aus afroamerikanischen Soldaten bestand. Shaw war in der zweiten Schlacht von Fort Wagner gefallen, und verächtliche konföderierte Truppen hatten die Leichen von Shaw und seinen Truppen in einem Massengrab verscharrt. Die Kopien der Büste verkauften sich gut genug, um Lewis‘ Umzug nach Europa zu finanzieren.

Von Boston aus reiste sie nach London, Paris und Florenz, bevor sie sich 1866 entschloss, in Rom zu leben und zu arbeiten. Die befreundete amerikanische Bildhauerin Harriet Hosmer nahm Lewis unter ihre Fittiche und versuchte, ihr zum Erfolg zu verhelfen. Die Bildhauer jener Zeit bezahlten traditionell römische Steinmetze für die Herstellung ihrer Werke aus Marmor, was zu der Frage führte, ob die wahren Künstler die ursprünglichen Bildhauer oder die Steinmetze waren. Lewis, der oft das Geld fehlte, um Helfer einzustellen, meißelte die meisten ihrer Figuren selbst.

Während ihres Aufenthalts in Rom schuf sie den Tod der Kleopatra, ihr größtes und mächtigstes Werk. Sie investierte mehr als vier Jahre ihres Lebens in diese Skulptur. Da ihr zeitweise das Geld für die Fertigstellung des monolithischen Werks fehlte, kehrte sie in die Vereinigten Staaten zurück, wo sie kleinere Stücke verkaufte, um das nötige Geld zu verdienen. 1876 verschiffte sie die fast 3.000 Pfund schwere Skulptur nach Philadelphia, damit das Werk von dem Komitee, das die Werke für die Hundertjahrfeier-Ausstellung auswählte, begutachtet werden konnte, und sie fuhr auch dorthin. Sie befürchtete, dass die Richter ihr Werk ablehnen würden, doch zu ihrer großen Erleichterung ordnete das Gremium an, es in der Galerie K der Memorial Hall aufzustellen, die offenbar für amerikanische Künstler reserviert war. In den Reiseführern war vermerkt, dass das Werk zum Verkauf stand.

„Einige Leute waren davon überwältigt. Sie hielten es für eine meisterhafte Marmorskulptur“, sagt Lemmey. Andere waren anderer Meinung und kritisierten die grafische und verstörende Darstellung des Moments, in dem Kleopatra sich selbst tötete. Ein Künstler, William J. Clark Jr., schrieb 1878, dass „die Auswirkungen des Todes mit solchem Geschick dargestellt werden, dass sie absolut abstoßend sind – und es ist eine Frage, ob eine Statue mit den grässlichen Merkmalen dieser Statue nicht die Grenzen der legitimen Kunst überschreitet“. Der Moment, in dem das Gift des Aspisvogels seine Wirkung entfaltet, war für einige zu anschaulich.

Lewis zeigte die legendäre Königin des alten Ägypten auf ihrem Thron. Der leblose Körper mit nach hinten geneigtem Kopf und ausgebreiteten Armen zeigt einen lebendigen Realismus, der für das späte 19. Jahrhundert untypisch ist. Lewis zeigte die ermächtigte Kleopatra, die „ihre Biografie einfordert, indem sie auf ihrem Thron Selbstmord begeht“, sagt Lemmey. Sie glaubt, dass Lewis Kleopatra so darstellte, dass sie „ihr Schicksal besiegelt und das letzte Wort darüber hat, wie sie in die Geschichte eingehen wird“, eine Idee, die Lewis gefallen haben könnte.

Nach dem Ende der Ausstellung in Philadelphia begann diese Kleopatra ein Eigenleben und eine Odyssee, die die Skulptur für mehr als ein Jahrhundert aus der Kunstwelt entfernte. Sie tauchte auf der Chicago Interstate Industrial Expo auf, und da in der Kunstwelt kein Käufer in Sicht war, begab sie sich in das Reich des Alltäglichen. Wie die legendären Wanderer vor ihr hatte sie viele Prüfungen zu bestehen und eine längere Episode der Verwechslung zu überstehen, da sie in mehrere Rollen schlüpfte. Ihre erste Aufgabe war es, als Mittelpunkt eines Saloons in Chicago zu dienen. Dann kaufte ein Rennpferdebesitzer und Glücksspieler namens „Blind John“ Condon sie, um sie auf dem Grab eines beliebten Pferdes zu platzieren, das nach dem alten Anführer benannt war. Wie ein berüchtigter Gefangener, der der Lächerlichkeit preisgegeben wurde, saß die Skulptur direkt vor der Menge auf der Harlem-Rennbahn in Forest Park, einem Vorort von Chicago. Dort hielt Kleopatra Hof, während sich die Umgebung des Werks veränderte.

Im Laufe der Jahre wurde die Rennbahn zu einem Golfplatz, einem Munitionslager der Navy und schließlich zu einem Großpostzentrum. Bei jedem Wetter verfiel die königliche Ägypterin, die kaum mehr als ein Hindernis für die Aktivitäten um sie herum darstellte. Wohlmeinende Amateure versuchten, ihr Aussehen zu verbessern. Pfadfinder trugen einen neuen Anstrich auf, um Graffiti zu überdecken, die ihre Marmorform verunstalteten. In den 1980er Jahren wurde sie der Forest Park Historical Society übergeben, und die Kunsthistorikerin Marilyn Richardson spielte eine führende Rolle bei den Bemühungen um ihre Rettung.

Anfang der 1990er Jahre schenkte die Historical Society die Skulptur dem Smithsonian, und ein Konservator aus Chicago wurde beauftragt, sie auf der Grundlage eines einzigen erhaltenen Fotos wieder in ihre ursprüngliche Form zu bringen. Obwohl das Museum keine weiteren Pläne für eine Restaurierung hat, hofft Lemmey, dass digitale Fotoprojekte in Institutionen auf der ganzen Welt eines Tages weitere Bilder des ursprünglichen Zustands der Skulptur zutage fördern werden.

So wie die Geschichte der Skulptur kompliziert und etwas unklar ist, bleibt auch die Künstlerin selbst ein kleines Rätsel. Lewis, die als eine der ersten schwarzen professionellen Bildhauerinnen bekannt ist, hinterließ einige Werke, aber viele ihrer Skulpturen sind verschwunden. Sie hatte eine Reihe von Porträtbüsten geschaffen, die berühmte Amerikaner wie Abraham Lincoln, Ulysses S. Grant und Henry Wordsworth Longfellow ehrten.

In ihrem ersten Jahr in Rom schuf sie den Old Arrow Maker, der einen Teil der Geschichte von Longfellows „The Song of Hiawatha“ darstellt – ein Gedicht, das sie zu mehreren ihrer Werke inspirierte. Weiße Künstler charakterisierten die amerikanischen Ureinwohner in der Regel als gewalttätig und unzivilisiert, doch Lewis zeigte mehr Respekt für ihre Zivilisation. Diese Skulptur befindet sich auch im Smithsonian American Art Museum.

Ihr erstes großes Werk, Forever Free (Morning of Liberty), wurde ein Jahr nach ihrer Ankunft in Rom fertiggestellt. Es zeigt einen schwarzen Mann stehend und eine schwarze Frau kniend im Moment der Emanzipation. Ein weiteres Werk, Hagar, verkörpert die alttestamentarische ägyptische Sklavin Hagar, nachdem sie aus dem Haus von Abraham und Sarah verstoßen wurde. Da Sarah keine Kinder bekommen konnte, hatte sie darauf bestanden, dass Abraham ihre Sklavin schwängert, damit das Kind von Hagar das von Sarah wird. Nachdem Hagar jedoch Ismael zur Welt gebracht hatte, brachte Sarah ihren eigenen Sohn Isaak zur Welt, und sie verstieß Hagar und Ismael. Diese Darstellung von Hagar weist Parallelen zu den Afrikanern auf, die in den Vereinigten Staaten seit Jahrhunderten als Sklaven gehalten werden. Hagar ist Teil der Sammlung des Smithsonian American Art Museum.

Während viele ihrer Werke nicht überlebt haben, befinden sich einige von Lewis‘ Werken heute in der Howard University Gallery of Art, dem Detroit Institute of Arts, dem Metropolitan Museum of Art und dem Baltimore Museum of Art. Vor kurzem wurde Lewis zum Thema eines Google Doodle, das sie bei der Arbeit an The Death of Cleopatra zeigt. Auch die New York Times stellte sie am 25. Juli 2018 in ihrer Reihe „Overlooked No More“ vor, in der Nachrufe auf Frauen und Minderheiten veröffentlicht werden, deren Leben von den Zeitungen aufgrund kultureller Vorurteile, die weiße Männer verehrten, ignoriert wurden.