Wer sich zum Schauspieler ausbilden lassen möchte, weiß oft nicht, welche Art der Ausbildung er wählen soll. Eine der ersten Fragen, die man sich stellen muss, ist, welche Art von Schauspieler man sein möchte. Es gibt eine Reihe verschiedener populärer Schauspieltechniken, die man erlernen kann. Woher weißt du also, welche Art von Schauspiel das Richtige für dich und deine Karriereambitionen ist?
Schauspielarten
Wenn du deine Entscheidung über die Art von Schauspieler triffst, die du werden willst, musst du darüber nachdenken, welche Art von Schauspiel du machen willst – Theater oder Fernsehen und Film? Komödie oder Drama? Dann müssen Sie die verschiedenen Schauspieltechniken bewerten und herausfinden, welche am besten zu den Anforderungen der von Ihnen gewählten Art von Schauspiel passt. Entscheidend ist, dass du herausfindest, wonach Regisseure und Casting-Direktoren suchen, wenn sie Schauspieler für die Art von Rollen einstellen, an denen du interessiert bist.
Um dir bei deiner Entscheidung zu helfen, haben wir einen Blick auf einige der beliebtesten Schauspielarten geworfen, damit du sehen kannst, was sie zu bieten haben.
Das System
Dieser Schauspielstil kann als die Wurzel so ziemlich aller modernen Schauspielerei angesehen werden. Das System, manchmal auch als „klassisches Schauspiel“ bezeichnet, wurde Anfang des 20. Jahrhunderts von Konstantin Stanislawski entwickelt, einem der renommiertesten Schauspieler und Theaterregisseure seiner Zeit. Sein Ziel war es, das Wissen, das sich die besten Schauspieler, mit denen er zusammengearbeitet hatte, im Laufe ihres Lebens durch Versuch und Irrtum angeeignet hatten, in eine Methode umzuwandeln, die den Schülern vermittelt werden konnte. Auf diese Weise konnten die Studenten schnell zu gleichbleibend exzellenten Darstellern werden, ohne Jahrzehnte damit verbringen zu müssen, ihr Handwerk zu erlernen.
Vor Stanislawski hatte sich die Schauspielausbildung vor allem auf die Ausbildung von Stimme und Körper konzentriert. Stanislavskis revolutionäre Idee war es, den Schauspielern zu helfen, ihr Innenleben zu entwickeln, damit sie geerdete, realistische Darbietungen produzieren konnten. Er wollte, dass die Schauspieler bei jeder Aufführung die Emotionen ihrer Figuren wirklich spüren.
„Jeder Mensch, der wirklich ein Künstler ist, wünscht sich, in seinem Inneren ein anderes, tieferes, interessanteres Leben zu schaffen als das, das ihn tatsächlich umgibt.“ – Konstantin Stanislawski
Studenten des Systems müssen geübt sein im Studieren und Verstehen von Drehbüchern, damit sie eine klare Vorstellung von den Emotionen haben, die ihre Figuren in einem bestimmten Moment empfinden. Sie müssen dann in der Lage sein, diese Emotionen bei Bedarf immer wieder in sich selbst hervorzurufen. Das System konzentriert sich daher stark auf die Analyse von Drehbüchern und Techniken zur Stimulierung der Emotionen des Schauspielers.
Obwohl das System zunächst für das Theater entwickelt wurde, wurde es bei den frühen Filmstars beliebt, da die subtileren, nuancierteren Darbietungen, die es hervorbringt, ideal für die Nahaufnahmen vor der Kamera sind. Es wird immer noch von einigen modernen Bühnen-, Film- und Fernsehschauspielern verwendet, obwohl es größtenteils von moderneren Äquivalenten wie der Methode abgelöst wurde.
Berühmte Praktiker des Systems sind Sir Alec Guinness, Orson Welles und Basil Rathbone.
Michael Tschechow
„Echtes inspiriertes Schauspiel ist niemals TUN, sondern immer GEHEN“ – Michael Tschechow
Michael Tschechow war ein russisch-amerikanischer Schauspieler und Regisseur (und Neffe des berühmten Dramatikers Anton Tschechow), der bei Stanislawski studierte, bevor er seinen eigenen Ansatz für das Schauspielen entwickelte. Tschechows Techniken konzentrierten sich ebenfalls darauf, dass die Schauspieler ein reiches Innenleben für ihre Figuren entwickeln, stützten sich aber mehr auf die Vorstellungskraft als auf reale Erfahrungen.
Tschochows Ansatz konzentriert sich stark auf die Entwicklung der physischen Seite einer Aufführung und bewegt sich weg von Stanislawskis eher zurückhaltendem „realen“ Stil hin zu etwas Größerem und Demonstrativerem. Während die Tschechow-Technik immer noch darauf abzielt, emotionale Wahrhaftigkeit zu erreichen, stützt sie sich auf die kumulierten Lebenserfahrungen des Schauspielers, um seine Vorstellungskraft zu beflügeln, anstatt sich an spezifische Erfahrungen zu erinnern, um jede spezifische Emotion zu erzeugen.
Von einigen als ein weniger subtiler Ansatz zum Schauspielen angesehen als das System und andere moderne Methoden, waren Tschechows Techniken in der Mitte des 20. Jahrhunderts immer noch sehr beliebt und wurden von Schauspielern wie Marilyn Monroe, Yul Brynner und Clint Eastwood verwendet. Sie wird heute eher von Bühnenschauspielern als von Schauspielern auf der Leinwand angewandt, da ihr eher demonstrativer Stil für bestimmte Arten des Theaterschauspiels geeignet ist.
Die Methode
Die von Lee Strasberg entwickelte Methode basierte ursprünglich auf Stanislawskis System und bot eine fortgeschrittene, moderne Erweiterung von Stanislawskis Techniken. Da Fernsehen und Film immer mehr zu den Hauptmedien für professionelle Schauspieler wurden, war ein Ansatz für die Schauspielerei, der besonders gut für die Anforderungen dieser Medien geeignet war, unerlässlich. Die anhaltende Popularität der Methode ist zum großen Teil auf ihre Vielseitigkeit zurückzuführen, die es den Schauspielern ermöglicht, sowohl im Theater als auch im Film außergewöhnliche Leistungen zu erbringen.
Wie das System legt auch die Methode großen Wert auf die Entwicklung der Fähigkeit eines Schauspielers, die Emotionen, die er darstellen soll, wirklich zu fühlen. Indem er Stanislawskis Ideen verfeinerte und ausbaute, war Strasberg in der Lage, fortgeschrittene Techniken zu entwickeln, mit denen Schauspieler zuverlässig echte Emotionen mit einer Tiefe und Nuance darstellen können, die von anderen Schauspieltechniken nicht erreicht werden.
Strasberg entwickelte viele innovative Techniken, wie das affektive Gedächtnis, das Sinnesgedächtnis und die Substitution, so dass jeder Schauspieler mit ausreichendem Training und Anstrengung lernen kann, wie er Leistungen auf Spitzenniveau erbringt. Die Methode lehrt auch Schlüsselpraktiken wie das Aussprechen und den privaten Moment, die den Schauspielern helfen, ihre Fähigkeiten effektiv in einen professionellen Aufführungskontext zu übertragen. Das ist für professionelle Schauspieler besonders wichtig, denn es bedeutet, dass sie auf der Bühne oder vor der Kamera, nicht nur im Klassenzimmer, gute Leistungen erbringen können!
„Die Arbeit für den Schauspieler besteht im Wesentlichen aus zwei Bereichen: der Fähigkeit, konsequent Realität zu schaffen, und der Fähigkeit, diese Realität auszudrücken.“ – Lee Strasberg
Die Schauspielmethode wird nach wie vor von Schauspielern auf der ganzen Welt gelehrt und angewandt, darunter einige der bekanntesten Namen der Branche wie Robert De Niro, Meryl Streep und Leonardo DiCaprio.
Stella Adler
Eine weitere Schülerin von Stanislawskis System, Stella Adler, war ebenfalls an Lee Strasbergs Group Theatre beteiligt, wo sie die Methode kennenlernte und viele ihrer Kernideen übernahm. Wie Tschechow zog es Adler jedoch vor, sich auf die Vorstellungskraft statt auf reale Erfahrungen zu konzentrieren, da sie der Meinung war, dass dies ausreiche, um realistische Darbietungen zu produzieren.
Adlers Unterricht verlangt von den Schülern, dass sie viel Zeit in die Entwicklung der körperlichen und stimmlichen Seite ihrer Darbietung investieren, was dazu führt, dass die Schauspieler oft sehr geübt darin sind, eine realistische Körpersprache und starke stimmliche Leistungen zu entwickeln. Wie bei der Methode lehrte sie ihre Schüler auch, die Verbindung zwischen ihren Sinnen und ihren Emotionen zu entwickeln, indem sie verstand, dass Sinne wie der Geruchssinn und das Gehör eine starke, instinktive Verbindung zu unseren Emotionen haben.
„Schauspielerei liegt in allem, außer in den Worten.“ – Stella Adler
Zu den bekannten Anhängern von Stella Adlers Schauspielschule gehören Marlon Brando, Salma Hayek und Warren Beatty.
Meisner-Technik
Ein Schüler von Lee Strasberg, Sanford Meisner, entwickelte seine eigene Variante der Methode. Die Meisner-Technik legt einen starken Schwerpunkt auf die Improvisation und funktioniert auf der Grundlage, dass man seine Aufmerksamkeit fest auf die Person richtet, mit der man spielt. Der Gedanke dahinter ist, dass man durch sorgfältige Beobachtung des tatsächlichen Verhaltens seines Schauspielpartners wahrheitsgemäß auf ihn reagieren kann. Das bedeutet, dass Sie in gewissem Sinne nicht schauspielern, sondern einfach ehrlich auf Ihren Partner reagieren.
„Sei kein Schauspieler. Sei ein Mensch, der das verarbeitet, was unter imaginären Umständen existiert.“ – Sanford Meisner
Der einzige Nachteil dieses Ansatzes ist, dass er bedeutet, dass du in hohem Maße von deinen Mitspielern abhängig bist, um eine gute Leistung erbringen zu können. Anders als bei der Methode oder dem System, wo die Inspiration von innen kommt, muss man sich bei der Meisner-Technik von anderen Schauspielern inspirieren lassen. Dies kann zu sehr naturalistischen, wahrheitsgetreuen Darbietungen führen, wenn zwei oder mehr hochqualifizierte Schauspieler zusammenarbeiten, kann aber auch zu weniger zuverlässigen Ergebnissen führen als andere Ansätze, wenn man mit weniger versierten Mitspielern arbeitet.
Da sich die Meisner-Technik so sehr auf die Improvisation stützt, um eine gute Aufführung zu schaffen, ist sie vielleicht am besten für das Theater geeignet, wo oft mehr Zeit für einen langwierigen Probenprozess zur Verfügung steht.
Berühmte Schüler der Meisner-Technik sind unter anderem Grace Kelly, Gregory Peck und Peter Falk.
Theater-Spiele
„Jeder kann improvisieren. Jeder, der will, kann im Theater spielen und lernen, bühnenreif zu werden.“ – Viola Spolin
Die von der amerikanischen Schauspielerin und Regisseurin Viola Spolin erfundenen „Theater Games“ sind eine Reihe von Improvisationsspielen, die Schauspielern helfen sollen, ihre Improvisationsfähigkeiten zu entwickeln, die sie vor allem beim Theaterspielen brauchen. Spolin brachte Schauspielern im Alter von sechs Jahren ihren Ansatz bei, bei dem Spaß, Kreativität und Anpassungsfähigkeit im Vordergrund stehen.
Die Spiele beinhalten Konzepte wie das Sprechen in Kauderwelsch, das Handeln als verschiedene Tiere und das Einbeziehen von Emotionen, die von Zuschauern vorgeschlagen werden, in eine Aufführung. Es überrascht vielleicht nicht, dass dieser Ansatz bei Schauspielern, die ihre komödiantischen Fähigkeiten entwickeln wollen, sehr beliebt ist.
Auf Spolins Ideen aufbauend war ihr Sohn, Paul Sills, einer der Gründer der legendären Improvisationskomödiengruppe Second City, die so bekannte Talente wie Bill Murray, Tina Fey und John Candy hervorgebracht hat.
Praktische Ästhetik
Die Schöpfung des berühmten Dramatikers David Mamet und des Schauspielers William H. Macy, die praktische Ästhetik, ist inspiriert von der Arbeit von Stanislavski, Meisner und den Ideen des antiken stoischen Philosophen Epictetus.
Dieser Ansatz unterteilt den schauspielerischen Prozess für jede Szene in die Beantwortung von vier grundlegenden Fragen:
- „Wörtlich“ – was geschieht in den grundlegendsten Begriffen in der Szene?
- „Wollen“ – was will die Figur, dass die anderen Figuren, mit denen sie interagiert, sagen oder tun?
- „Wesentliche Handlung“ – welche Schlüsselhandlung versucht die Figur in der Szene zu erreichen?
- „Als ob“ – zu welcher Situation aus dem eigenen Leben des Schauspielers kann er die Situation in Beziehung setzen, um die angemessene emotionale Reaktion zu finden?
Praktische Ästhetik kann als ein stärker externalisierter Ansatz zum Schauspielen angesehen werden als Techniken, die aus dem System abgeleitet sind. Obwohl der „Als ob“-Ansatz auch im Method Acting verwendet wird, konzentriert sich die praktische Ästhetik ansonsten viel mehr auf die Wünsche und Handlungen der Charaktere, anstatt zu versuchen, ein realistisches Innenleben für den Charakter zu schaffen.
Anhänger der praktischen Ästhetik sind William H. Mac (wenig überraschend!) und Rose Byrne unter anderem.
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