Una sutil y compleja alegoría sobre las virtudes de la pintura
Lo primero que hay que destacar de la extraordinaria imagen de Vermeer, El arte de la pintura, es el tapiz que cuelga a lo largo del lado izquierdo del cuadro. Obsérvese cómo se ha retirado a un lado como una cortina, y también se sostiene por una silla empujada contra ella.
El efecto de la cortina es revelar la escena que tenemos delante, casi como una escenografía mientras se levanta el telón. La palabra que designa esta técnica es repoussoir: un objeto en un cuadro colocado en primer plano y a un lado, que sirve para dirigir la atención del espectador hacia el tema principal de la obra.
En este cuadro, el uso que hace Vermeer de la cortina es enfático: nos arrastra con éxito al espacio que hay más allá de ella, enfatizando la profundidad de la habitación y animándonos a sentirnos como si estuviéramos mirando hacia dentro.
Y puesto que la zona más luminosa del cuadro -el delgado triángulo de pared blanca del fondo de la habitación- se sitúa directamente detrás de la cortina, Vermeer ha conseguido acentuar la profundidad del espacio y dirigir suavemente nuestra mirada hacia la modelo femenina, el foco central del cuadro.
Más allá de la cortina, el cuadro se compone de capas de actividad. Está el borde cercano de la mesa con paños de colores colgados a un lado; luego, más adelante, está el artista en su caballete; luego está la modelo de pie en el extremo de la mesa; y finalmente la pared con su enorme mapa.
El propósito de estas capas es aumentar el impacto ilusionista de la pintura. Como espectadores, miramos más allá de la cortina y nos adentramos en la habitación, dentro de la cual se está realizando un segundo cuadro. Este efecto de estratificación nos lleva en realidad al propio tema de la obra, construido a partir de un sutil juego de símbolos y alusiones que, en conjunto, sugieren una alegoría de la propia pintura.
El punto focal del cuadro es sin duda la modelo: una joven vestida de azul situada junto a una ventana. La brillantez de la técnica de Vermeer para captar los efectos de la luz queda demostrada aquí, por la forma en que el resplandor de la ventana se difunde desde la esquina superior izquierda del cuadro sin mostrar realmente la propia ventana.
La modelo está cargada de varios objetos que sugieren que está posando como una figura alegórica. Lleva una corona de laurel en la cabeza, sostiene una trompeta en la mano derecha y un libro en la izquierda. Lo más probable es que esté vestida como Clío, la musa de la historia. Las musas eran las diosas de la inspiración creativa. Con el tiempo, su número se estableció en nueve y cada una representaba una esfera de influencia sobre el aprendizaje y las artes.
Es posible reconocer a Clío por los objetos que sostiene: la corona de laurel denota el honor y la gloria de la historia, la trompeta representa la fama y el grueso libro, posiblemente de un historiador como Heródoto o Tucídides, alude al conocimiento del pasado. Estos atributos coinciden con la descripción de Clío que se hace en el libro de Cesare Ripa del siglo XVI, Iconologia, que fue un texto muy influyente que describía cómo los artistas debían representar mitos y alegorías a través de emblemas y símbolos.
Así, la escena que estamos viendo es la de un artista pintando un retrato de una modelo vestida como la musa de la historia.
En la mesa frente a la modelo, hay una máscara, probablemente como símbolo de imitación, y por lo tanto un atributo de la Pintura. Cuando se ven junto con los otros objetos de la mesa -los trozos de tela, un folio, un trozo de cuero- es posible verlos como símbolos colectivos de las Artes Liberales. Es decir, las ciencias naturales, las ciencias sociales, las artes y las humanidades.
El artista está sentado en su caballete en el centro del cuadro. Está de espaldas a nosotros, por lo que vemos la misma vista que él. También podemos vislumbrar el cuadro en el que está trabajando, y podemos ver que ha comenzado su trabajo con la corona de laurel.
Al ocultar el rostro del artista, Vermeer le ha dado una cualidad universal. En particular, se le muestra con ropa cara, un elegante jubón negro decorado con aberturas en la espalda y los brazos. Mi detalle favorito es el par de medias rojas que lleva, apenas visibles bajo el asiento de su taburete.
¿Qué ocurre aquí? ¿Qué significan estas colecciones de objetos y símbolos?
La mezcla de referencias sugiere que Vermeer quiso vincular las virtudes de la pintura con el flujo de la historia. Y Vermeer sitúa al artista en el centro de esta evaluación.
Es importante recordar que Vermeer vivió en una época en la que la categoría de «pintura de historia» -que incluía temas extraídos de la historia antigua griega y romana, escenas mitológicas, bíblicas e históricas- se consideraba ampliamente como la forma más noble de pintura.
Vermeer no era un pintor de historia, pero a través de este cuadro está sugiriendo que los artistas son importantes transcriptores de la historia. Además, el arte puede ser polifacético, puede tener capas, puede describir y hacer referencia, puede presentar y actuar – como se evidencia en el propio juego de símbolos dentro de la obra. En resumen, el Arte de la Pintura es una celebración del talento del artista.
Y hay más…
La sala
La idea de la importancia de la historia -y la capacidad del artista para captarla- queda subrayada por la historia que se cuenta a través del gran mapa que cuelga en la pared del fondo de la sala.
El mapa muestra una vista de los Países Bajos. Fue realizado por el cartógrafo holandés Claes Jansz Visscher. Si se observa detenidamente el mapa, se puede ver que nuestra vista habitual de los Países Bajos ha sido girada en un ángulo de 90 grados, de modo que el norte se muestra en el lado derecho y el sur en el izquierdo.
En el centro del mapa, maravillosamente mezclado con la pátina de las arrugas y los pliegues que se acumulan de forma natural con el paso del tiempo, hay una clara sombra que divide el norte del sur. Esta sombra coincide, a grandes rasgos, con la división política del territorio que se produjo en 1648 tras el Tratado de Münster, que dejó a la República Holandesa al norte y a las provincias del sur bajo el control de los Habsburgo españoles.
Incluso la araña de latón que cuelga del techo hace referencia a los recientes acontecimientos históricos: su forma se asemeja a la de un águila bicéfala, el símbolo imperial de los Habsburgo.
La intención de Vermeer para el cuadro puede haber sido la de ser una especie de pieza de exposición con la que pudiera impresionar a los mecenas visitantes. Fue uno de los cuadros más grandes que hizo: con 120 x 100 cm, sólo fue superado por su Cristo en la casa de Marta y María en tamaño.
Además, Vermeer nunca vendió el cuadro en vida. Incluso cuando murió, su viuda se negó a entregarlo a los acreedores, a pesar de que ella y sus hijos habían quedado con considerables deudas.
Como pintor, Vermeer sólo tuvo un éxito moderado en vida. Produjo relativamente pocos cuadros, la mayoría de ellos mostrando escenas domésticas de interior como El arte de la pintura. Su popularidad hoy en día es testimonio de la impecabilidad de su técnica, de su capacidad para iluminar el espacio con tanta brillantez y, al mismo tiempo, para llenarlo de pequeños detalles que estimulan la imaginación del espectador.
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Christopher P Jones es escritor y artista. Tiene un blog sobre cultura, arte y vida en su sitio web
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