En nuestras tres primeras ediciones de Celebrate the Catalog de Treble, examinamos las carreras de algunos de los artistas más notables surgidos de los movimientos de rock indie y alternativo de los años 80 y 90. Sin embargo, por muy ambicioso que fuera abordar todos los álbumes de estudio de Sonic Youth, parecía el momento adecuado para iniciar un proyecto discográfico aún más audaz: Los álbumes seleccionados de Miles Davis.
Hace veinte años, el mundo perdió a uno de sus músicos más increíbles y dotados: el trompetista de jazz, compositor y director de orquesta Miles Davis. Pocos artistas han tenido un impacto tan grande en el jazz y la música popular como Davis, y sus casi cinco décadas de actuación han dado lugar a una obra que va de lo célebre a lo controvertido. Desde finales de los años 40 hasta los 70, estuvo al frente de todos los movimientos importantes del jazz, desde el cool jazz hasta el hard bop, el jazz modal y la fusión. Y dentro de estos movimientos, se inspiró en una amplia gama de estilos, desde los elementos tradicionales españoles de Sketches of Spain hasta los estridentes sonidos del rock and roll de A Tribute to Jack Johnson y el desagradable funk de On the Corner.
Escuchar a Miles Davis es escuchar una verdadera exploración musical. A veces sus álbumes sonaban más compuestos y melódicos, mientras que otras veces eran extraños y desorientadores. Davis era el tipo de artista para el que la experimentación significaba libertad y visión. Al no permitir que ningún estilo dominara, dejaba pocas oportunidades para que su música se volviera rancia. Y al haber intentado tantos sonidos y técnicas diferentes, se le ha comparado con Pablo Picasso. Su influencia, por su parte, es inconmensurable, ya que no sólo influyó en el jazz, sino también en el rock, la electrónica y el hip-hop. El hecho de que no tuviera miedo de hacer música que pudiera no gustar a algunas personas, al menos no inmediatamente, habla de su audacia como compositor, músico y director de banda. Y aunque Davis tuvo sus periodos oscuros, desde la drogadicción hasta la depresión, el corpus musical que deja tras de sí es inmenso, y una gran parte de él absolutamente esencial.
Abordar toda la discografía de estudio de Davis sería insondable; con 67 álbumes de estudio, sólo escuchar todos ellos podría llevar un mes. Así que, en un ligero giro al modus operandi de Celebrate the Catalog, he optado por seleccionar 20 de los álbumes de Davis, en honor a los 20 años desde su fallecimiento, con grabaciones extraídas de todas sus épocas notables: los años del Prestige, sus primeras grabaciones en Columbia, las colaboraciones con Gil Evans, las grabaciones de su quinteto de mediados y finales de los 60, los años «eléctricos» y sus grabaciones de los 80, algo menos bien recibidas. Esta selección de la discografía de Miles Davis es un viaje musical sin igual. Aquí está nuestra opinión sobre 20 álbumes de Miles Davis clasificados, puntuados, evaluados y escuchados con detenimiento.
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Cookin’ With the Miles Davis Quintet
(1957, Prestige)
Con casi 70 álbumes en el repertorio de Miles Davis, un buen número de ellos grabados y publicados en los años 50, es difícil saber exactamente por dónde empezar. Publicó un montón de LPs cortos al principio que pueden resultar interesantes en cuanto a su desarrollo como artista, pero la primera serie de álbumes realmente interesantes de Davis es un cuarteto grabado con su primer quinteto, extraído de dos sesiones de grabación en 1956. Cada uno de estos álbumes lleva un nombre similar -Cookin’, Workin’, Relaxin’ y Steamin’-, pero el primero de la serie, Cookin’ with the Miles Davis Quintet, es un claro protagonista de esta serie. Compuesto por cuatro piezas moderadamente largas, el álbum es un sólido documento de las habilidades del quinteto. Como dijo Davis sobre el título del álbum, la banda simplemente entró en el estudio y cocinó. Comparado con gran parte de la discografía de Davis, es un disco muy sencillo y sin puntos débiles, aunque la interpretación del grupo de «My Funny Valentine» es sin duda la estrella más brillante del álbum. Y donde Davis practicó más moderación en años posteriores, sus espléndidos solos de trompeta son un punto central del álbum. Davis se elevaría más tarde por encima de este álbum, pero podría decirse que es su primer gran álbum.
Estadística: 8,9 sobre 10
Birth of the Cool
(1957, Capitol)
Birth of the Cool, además de ser el álbum favorito de Lisa Simpson, destaca por ser, esencialmente, el nacimiento del ‘cool jazz’. Una compilación de temas de diferentes sesiones grabadas a finales de los años 40 y principios de los 50, Birth of the Cool es un sonido muy diferente de Davis al estilo hard bop que perfeccionó en sus primeros álbumes de Columbia, o para el caso, sus discos de fusión más experimentales de los años 60 y 70. Trabajando con el arreglista Gil Evans, que más tarde demostraría ser un socio muy valioso en trabajos innovadores de años posteriores, Davis encabeza un noneto que equilibra elementos de big band y swing con sonidos bop más relajados para crear algo innegablemente genial. Es elegante y sucinto, ya que la mayoría de los temas no duran más de tres minutos, y son bastante animados. Con la única excepción de la cursi pieza vocal «Darn That Dream», no hay ninguna pista mala en el grupo, pero al mismo tiempo, no hay muchas pistas que realmente sorprendan de la misma manera que algo como «So What» o «Shhh/Peaceful». Dicho esto, uno no puede amar el jazz sin que le guste Birth of the Cool, porque es tan malditamente… genial.
Calificación: 8,7 sobre 10
Round About Midnight
(1957, Columbia)
El primer álbum de Miles Davis para Columbia es también su primera maravilla. Incluso más que en Relaxin’, Cookin’, Workin’ and Steamin’, el quinteto suena increíblemente dinámico, transitando ágilmente entre impresionantes baladas y vivaces piezas de hard-bop. La armonización serpenteante de «Ah-Leu-Cha» es tan vertiginosa como hipnotizante, y la versión del quinteto de «Bye Bye Blackbird» de Thelonious Monk es realmente magnífica. Pero la estrella del espectáculo es el otro tema escrito por Monk en el álbum, el tema que lleva el título «Round Midnight». La canción, una balada malhumorada con una atmósfera ligeramente oscura, es una de las interpretaciones más memorables de Davis. De hecho, es la melodía de trompeta llorona de Davis lo que hace que esta canción sea esencial, ya que su interpretación lenta y sensual arrastra al oyente a un ambiente frío y noir. Es un sonido que nunca se agota. Y la icónica portada del álbum encaja perfectamente con el sonido de la música. Miles se apoya en su brazo, bañado en luz roja, con un aspecto distante pero poderoso. Es la primera grabación de Davis que se siente como un álbum verdaderamente completo, y un gran salto en términos de su desarrollo artístico. Sólo hay que recordar que el título del álbum es casi un conjunto de instrucciones, porque suena mejor a la hora en que el reloj da las 12.
Calificación: 9,1 sobre 10.
Relaxin’ with the Miles Davis Quintet
(1958, Prestige)
El segundo de una serie de álbumes de título similar grabados con el Miles Davis Quintet, Relaxin’ pone un énfasis bastante fuerte en todo el concepto de «relaxin'». Un dibujo de una mujer compuesto enteramente de triángulos se reclina en la portada del álbum y, para capturar la sensación suelta y relajada de las sesiones, el álbum es una de las pocas grabaciones de Davis que presenta bromas reales en el estudio. Así que, efectivamente, se trata de una grabación muy relajada, especialmente si se compara con los otros álbumes de la serie in’. Pero también es muy agradable. El talento del quinteto de Davis, que también incluye a John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, es innegable. Son una unidad impresionante, y aunque las sesiones formaron parte de una secuencia maratoniana de grabación, nada parece forzado o sobrecargado. Simplemente están… relajados. Y aunque en general Davis superaría con creces este lanzamiento con más de una docena de sus lanzamientos en Columbia, este es un lanzamiento sólido, y no es una mala adición para cualquiera que esté planeando comenzar una colección de jazz.
Calificación: 8,4 sobre 10
Porgy and Bess
(1958, Columbia)
A finales de los 50 y principios de los 60, Miles Davis grabó una serie de álbumes con el célebre arreglista y director de orquesta Gil Evans, que ya había trabajado con Davis en las sesiones que conformaron Birth of the Cool, y lo más interesante de ellos, aparte de la exuberante y enorme producción, es lo diversas que resultaron ser estas colaboraciones. Abarcaron estilos brasileños y españoles, así como melodías de espectáculo, que proporcionaron el material de partida para Porgy and Bess. Porgy and Bess, una versión jazzística reimaginada de la ópera clásica de George Gershwin, es un testimonio tanto de la fuerza de las canciones originales como de las increíbles interpretaciones de los músicos. Destinado a ser escuchado como un todo, Porgy and Bess funciona mejor, sin embargo, cuando se escucha de principio a fin, el flujo y el drama del álbum están tan cuidadosa y brillantemente ejecutados que, incluso sin las palabras, el álbum sigue siendo fuertemente emocional y evocador. Pero, como en la mayoría de las grabaciones clásicas de jazz de Davis, hay ciertamente algunos puntos fuertes, entre ellos «Prayer (Oh Doctor Jesus)», «I Loves You, Porgy» y, por supuesto, «Summertime». Porgy and Bess es una grabación muy rica y detallada y pueden ser necesarias varias escuchas para asimilarlo todo, pero esto no es en absoluto un obstáculo para disfrutarla. Es uno de los lanzamientos más accesibles de Davis, además de ser uno de los primeros puntos álgidos.
Estadística: 9,0 sobre 10
Kind of Blue
(1959, Columbia)
Kind of Blue es fácilmente el álbum más difícil de escribir en la discografía de Davis, simplemente porque es el tipo de disco que probablemente ya está en las bibliotecas de cualquiera que lea este artículo, una institución cacareada no sólo en el jazz, sino en la historia de la música popular. Es el álbum más vendido de Davis, habiendo sido certificado como cuádruple platino en 2008, y se encuentra en el número 12 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Así que es un gran negocio. Y hay una buena razón para ello. Para empezar, la elección de Davis de seguir la improvisación «modal», basada en una serie de escalas en lugar de progresiones de acordes, liberó a los músicos para buscar vías más aventureras, y por tanto melódicas, por las que explorar. Este método, aunque no era la primera vez que Davis lo utilizaba, estableció un nuevo estándar para el género, influyendo enormemente en gran parte de lo que vino después. Y luego está el elenco de músicos, todos los cuales ofrecen unas interpretaciones impresionantes, desde el pianista Bill Evans hasta el saxofonista Julian «Cannonball» Adderly, pasando por el gran John Coltrane, cuyo solo en «So What» es una obra de asombrosa majestuosidad en sí misma. Y parte de lo que es único de Davis como director de banda es que nunca es una presencia dominante; deja a sus músicos espacio para respirar, pero cuando toma sus propios solos, siempre son poderosos y elegantes, lo que se mantiene a lo largo de Kind of Blue. Lo más importante es que Kind of Blue contiene cinco piezas perfectas, cada una de las cuales está ejecutada de forma experta y es extremadamente bella. Es un álbum perfecto, que no es algo que pueda lograr cualquier músico (y mucho menos muchas veces), y el tipo de grabación que puede abrir los ojos de alguien a todo un nuevo mundo de la música. Como dijo una vez Q-Tip en una entrevista: «Es como la Biblia: sólo tienes una en tu casa».
Calificación: 10 sobre 10
Sketches of Spain
(1960, Columbia)
Para comprender plenamente la importancia de los trabajos de colaboración de Davis con Gil Evans, hay que entender qué es la «tercera corriente». Esencialmente, el término «tercera corriente» significa un tipo de música que existe en algún lugar entre el jazz y la música clásica, y hasta cierto punto, esta es la dirección que tomaron los dos durante parte de su prolífico período de trabajo juntos. En particular, Sketches of Spain es su trabajo más ambicioso al combinar tropos de jazz conocidos con la elegancia dramática y los arreglos orquestales de la música clásica. En Sketches of Spain, Davis y Evans se inspiraron en la tradición folclórica española para crear un álbum grande y triunfante que es más jazz en la estética que en la práctica. La improvisación es mínima en Sketches, su naturaleza cuidadosa y compositiva lo convierte en una selección única en el catálogo de Davis. Es, por un lado, un disco tenue, que tranquiliza más que muchos de los álbumes de Davis hasta ese momento. Y, sin embargo, también es un álbum muy dramático, con estallidos puntuales que impiden que sea tan amablemente agradable como para desvanecerse en el fondo. Los arreglos matizados de Evans, por no mencionar el tamaño de la orquesta, hacen que Sketches of Spain sea el tipo de álbum que, aunque sea excelente para la atmósfera, exige cierta atención por parte del oyente. Cada detalle parece atraerle más, ya que cada movimiento sutil revela algo nuevo y cautivador. Aunque Sketches of Spain no tiene la misma reputación que Kind of Blue en cuanto a introducir a muchos en el jazz o cambiar su forma de escucharlo, está casi tan bien considerado y es igualmente un tesoro artístico.
Estadística: 9,4 sobre 10
Quiet Nights
(1963, Columbia)
El último de los álbumes de Davis con el arreglista y director de orquesta Gil Evans, Quiet Nights se considera en gran medida el peor de sus trabajos en colaboración, y un noble fracaso en general. Eso no significa, sin embargo, que sea un mal álbum. De hecho, es bastante bonito, pero es increíblemente corto y parece inacabado. Hay una buena razón para ello: en tres sesiones de grabación a lo largo de cuatro meses, Evans y Davis sólo reunieron unos 20 minutos de material utilizable, y para pagar los elevados costes de estudio, el productor Teo Macero añadió una pista extra de una sesión completamente distinta y entregó el producto a Columbia para demostrar que su inversión no era en vano. Davis no aprobó la decisión de publicar un proyecto inacabado y no volvió a trabajar con Macero hasta pasados unos años. Teniendo en cuenta toda esta información, es fácil ver por qué el álbum ocupa un lugar incómodo en el catálogo de Davis y, por tanto, por qué se considera una decepción. Dicho esto, es bastante agradable y, a pesar de sus defectos, tiene un puñado de grandes temas, sobre todo la versión de Davis de «Corcovado» de Antonio Carlos Jobim (de la que el álbum toma su título). La decisión de adoptar sonidos brasileños como la bossa nova fue probablemente una persecución de la compañía discográfica, dada su popularidad en la época, y es comprensible que Davis no estuviera tan entusiasmado con ello. Pero en sus momentos más fuertes, lo hace de maravilla. Y en los peores, es simplemente agradable. Esto no es en absoluto un desastre, sólo una oportunidad perdida.
Calificación: 8,0 sobre 10
E.S.P.
(1965, Columbia)
Miles Davis hizo algunas contribuciones notables al jazz en los años 50 con su primer quinteto clásico, pero su segundo proporcionó una nueva puerta a la exploración y la experimentación. En 1965, el primer álbum de Davis con este segundo grupo (con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y un Tony Williams de 19 años) tiende un puente entre su producción de hard bop de principios de los 60 y la dirección más vanguardista que tomaría más adelante en la década. Sin embargo, E.S.P., siendo la primera salida con este quinteto, es sólo una muestra de lo que está por venir. Dicho esto, es un álbum sólido. Abarca desde piezas más vanguardistas como «Eighty-One», que mezcla el melodicismo con una complejidad rítmica aguda y puntuada, hasta piezas más tranquilas como «Mood». Sin duda, las cosas se pondrían mucho más raras a partir de aquí, pero E.S.P., llamado así posiblemente por la extraña habilidad de Davis para coger una pieza musical sin tener que practicar, es un buen capítulo en su discografía.
Estadística: 8,9 sobre 10
Miles Smiles
(1967, Columbia)
En 1963, Davis y Teo Macero tuvieron un pequeño desencuentro tras el fiasco de Quiet Nights, ya que Macero fue en contra de los deseos de Davis y entregó a Columbia los masters de un álbum inacabado para que lo publicara tal cual. Aunque el álbum era medianamente decente, no era lo que Davis quería y, en retrospectiva, dejaba mucho margen de mejora o, al menos, de desarrollo. En 1967, sin embargo, Davis y Macero habían arreglado su relación profesional y volvieron a trabajar juntos en Miles Smiles. El álbum continúa el vibrante camino trazado en E.S.P. pero con un efecto ligeramente más exitoso. La dinámica entre los músicos del quinteto es impresionante, y hay una energía innegable en las sesiones que resulta contagiosa, aunque ciertamente se aleja de algunos de los materiales más cargados de melodía de los primeros años de la carrera de Davis. Hay un par de temas que destacan especialmente. En primer lugar, el tema de apertura «Orbits», escrito por Wayne Shorter, lleva al oyente al equivalente auditivo de un viaje en montaña rusa, con el quinteto lanzando uno de los temas más vigorosos de su carrera. Y el otro punto culminante, para mis oídos, es «Footprints», otra composición de Shorter y el tema más largo del álbum. El quinteto tarda más o menos un minuto en construir el ritmo de la canción, pero una vez que lo consigue, no hay vuelta atrás. Es increíble.
Calificación: 9,0 sobre 10
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