La escultora Edmonia Lewis destrozó las expectativas de género y raza en la América del siglo XIX

Secuestrada, golpeada y abandonada a su suerte, Edmonia Lewis, una talentosa artista de ascendencia africana y nativa americana, se negó a abandonar sus sueños. En el invierno de 1862, una turba de blancos la atacó debido a los informes de que había envenenado a dos compañeros del Oberlin College, drogando su vino con «mosca española». Maltratada y luchando por recuperarse de las graves heridas, acudió a los tribunales y consiguió la absolución.

Aunque estos detalles son aparentemente ciertos, después de convertirse en una escultora internacionalmente conocida, Lewis utilizó hilos tanto de la verdad como de la imaginación para bordar la historia de su vida, añadiendo artísticamente a su reputación como persona única y escultora que se negó a ser limitada por las estrechas expectativas de sus contemporáneos.

Entre las colecciones del Smithsonian American Art Museum hay varias obras de Lewis, y su obra más significativa, La muerte de Cleopatra, saluda a los visitantes que suben a la tercera planta del museo en el Luce Foundation Center. Muchas de las obras de Lewis desaparecieron del mundo del arte, pero su imagen de Cleopatra salió del anonimato tras una estancia de décadas que conllevó su propia y extraña historia de fama y fortunas perdidas.

Lewis destrozó las expectativas sobre lo que podían lograr las mujeres y las minorías. «Era un mundo de hombres», dice la conservadora del museo, Karen Lemmey. Lewis, dice, «superó todos los obstáculos, y todavía se sabe muy poco sobre ella. . . . Sólo recientemente han salido a la luz el lugar y el año de su muerte: 1907, en Londres».

La artista demostró ser especialmente astuta a la hora de ganarse partidarios en la prensa y en el mundo del arte alterando la historia de su vida para adaptarla a su público. «Todo lo que sabemos sobre ella debe tomarse con un grano de sal, un grano de sal bastante fuerte, porque en su época, era una maestra de su propia biografía», dice Lemmey. Lewis cambió su relato autobiográfico para ganar apoyos, pero no acogió las reacciones de lástima o condescendencia.

«Algunos me elogian porque soy una chica de color, y no quiero ese tipo de elogios», dijo. «Prefiero que me señalen mis defectos, porque eso me enseñará algo».

La vida de Lewis fue profundamente poco común. Llamada Wildfire al nacer, aparentemente tenía una madre parcialmente chippewa y un padre haitiano. Lewis afirmó que su madre era chippewa de pura cepa, pero hay desacuerdo sobre este punto. Este parentesco la diferenciaba y contribuía a su imagen «exótica». Su padre trabajaba como sirviente de un caballero, mientras que su madre fabricaba recuerdos de los nativos americanos para venderlos a los turistas.

Después de que ambos padres murieran cuando ella era joven, Lewis fue criada por sus tías maternas en el norte del estado de Nueva York. Tuvo un hermanastro que viajó al oeste durante la Fiebre del Oro y ganó suficiente dinero para financiar su educación, una rara oportunidad para una mujer o una minoría en el siglo XIX. Fue acogida en el progresista Oberlin College en 1859, pero su estancia allí no fue fácil. Incluso después de ser absuelta de los cargos de envenenamiento, Lewis no pudo terminar su último curso en Oberlin tras las acusaciones de que había robado pintura, pinceles y un marco. A pesar de la desestimación de los cargos de robo, la universidad le pidió que se marchara sin poder completar su educación y recibir su título.

Se trasladó a Boston, de nuevo con la ayuda financiera de su hermanastro. Allí conoció a varios abolicionistas, como William Lloyd Garrison, que apoyaron su trabajo.

A diferencia de los escultores varones blancos, no pudo basar su trabajo en el estudio de la anatomía. Tales clases estaban tradicionalmente limitadas a los hombres blancos: sin embargo, unas pocas mujeres blancas pagaban para obtener una formación en la materia. Lewis no podía permitirse las clases, así que se dedicó a su oficio sin la formación que poseían sus compañeras. El escultor Edward Brackett actuó como su mentor y la ayudó a montar su propio estudio.

Su primer éxito como artista vino de la venta de medallones que hizo de arcilla y yeso. Estos retratos esculpidos mostraban imágenes de abolicionistas de renombre, como Garrison, John Brown y Wendell Phillips, un defensor de los nativos americanos. Pero su primer éxito económico real llegó en 1864, cuando creó un busto del coronel de la Guerra Civil Robert Shaw, un oficial blanco que había comandado la 54ª infantería de Massachusetts, compuesta por soldados afroamericanos. Shaw había muerto en la segunda batalla de Fort Wagner, y las tropas confederadas, despectivas, arrojaron los cuerpos de Shaw y sus tropas a una fosa común. Las copias del busto se vendieron lo suficientemente bien como para financiar el traslado de Lewis a Europa.

Desde Boston, viajó a Londres, París y Florencia antes de decidirse a vivir y trabajar en Roma en 1866. La también escultora estadounidense Harriet Hosmer acogió a Lewis bajo su tutela y trató de ayudarla a triunfar. Los escultores de la época pagaban tradicionalmente a los artesanos romanos de la piedra para que realizaran sus obras en mármol, lo que llevó a cuestionar si los verdaderos artistas eran los escultores originales o los artesanos de la piedra. Lewis, que a menudo carecía de dinero para contratar ayuda, cinceló la mayoría de sus figuras.

Mientras estaba en Roma, creó La muerte de Cleopatra, su obra más grande y poderosa. Dedicó más de cuatro años de su vida a esta escultura. A veces se quedaba sin dinero para completar la obra monolítica, así que regresó a Estados Unidos, donde vendió piezas más pequeñas para ganar el dinero necesario. En 1876, envió la escultura de casi 3.000 libras a Filadelfia para que la pieza pudiera ser considerada por el comité de selección de obras para la Exposición del Centenario, y allí también fue. Temía que los jueces rechazaran su obra, pero, para su gran alivio, el jurado ordenó su colocación en la Galería K del Memorial Hall, aparentemente reservada para los artistas estadounidenses. Las citas de la obra en las guías señalaban que estaba a la venta.

«Algunas personas se quedaron impresionadas por ella. Pensaron que era una escultura de mármol magistral», dice Lemmey. Otros no estaban de acuerdo, criticando su imagen gráfica y perturbadora del momento en que Cleopatra se suicidó. Un artista, William J. Clark Jr., escribió en 1878 que «los efectos de la muerte están representados con tal habilidad que resultan absolutamente repelentes, y cabe preguntarse si una estatua de las espantosas características de ésta no sobrepasa los límites del arte legítimo». El momento en que el veneno del áspid hizo su trabajo fue demasiado gráfico para algunos.

Lewis mostró a la legendaria reina del antiguo Egipto en su trono. El cuerpo sin vida, con la cabeza inclinada hacia atrás y los brazos abiertos, muestra un vívido realismo poco característico de finales del siglo XIX. Lewis mostró a la Cleopatra empoderada «reivindicando su biografía al suicidarse en su trono», dice Lemmey. Ella cree que Lewis retrató a Cleopatra «sellando su destino y teniendo la última palabra sobre cómo será registrada en la historia», una idea que puede haber atraído a Lewis.

Después de que la exposición de Filadelfia terminara, esta Cleopatra comenzó una vida propia y una odisea que alejó a la escultura del mundo del arte durante más de un siglo. Apareció en la Exposición Industrial Interestatal de Chicago, y sin comprador a la vista dentro del mundo del arte, viajó al reino de lo mundano. Al igual que los legendarios vagabundos que la precedieron, se enfrentó a muchas pruebas y a un prolongado episodio de error de identidad, ya que le tocaron varios papeles. Su primera misión fue servir de centro de un salón de Chicago. Luego, un propietario de caballos de carreras y jugador llamado «Blind John» Condon la compró para colocarla en la tumba del hipódromo de un caballo muy querido que llevaba el nombre del antiguo líder. Como si se tratara de un preso notorio puesto en ridículo, la escultura se colocó delante del público en el hipódromo de Harlem, en Forest Park, un suburbio de Chicago. Allí, Cleopatra mantenía la corte mientras el entorno de la obra se transformaba.

Con el paso de los años, el hipódromo se convirtió en un campo de golf, en un emplazamiento de municiones de la Marina y, finalmente, en un centro de correo masivo. En todo tipo de condiciones meteorológicas, el regio Egyptian decayó al servir como poco más que un obstáculo para cualquier actividad que ocurriera a su alrededor. Aficionados bienintencionados trataron de mejorar su aspecto. Los Boy Scouts aplicaron una nueva capa de pintura para cubrir los grafitis que estropeaban su forma de mármol. En la década de 1980, la escultura pasó a manos de la Sociedad Histórica de Forest Park, y la historiadora de arte Marilyn Richardson desempeñó un papel destacado en el esfuerzo por rescatarla.

A principios de la década de 1990, la sociedad histórica donó la escultura al Smithsonian, y se contrató a un conservador de Chicago para que la devolviera a su forma original basándose en una única fotografía conservada. Aunque el museo no tiene previsto realizar más restauraciones, Lemmey espera que los proyectos de fotografía digital en instituciones de todo el mundo puedan desenterrar algún día más imágenes del estado original de la escultura.

Así como la historia de la escultura es complicada y algo confusa, la propia artista sigue siendo un poco misteriosa. Conocida como una de las primeras escultoras profesionales negras, Lewis dejó algunas obras, pero muchas de sus esculturas han desaparecido. Había realizado diversos bustos con retratos que honraban a estadounidenses famosos, como Abraham Lincoln, Ulysses S. Grant y Henry Wordsworth Longfellow.

Durante su primer año en Roma, produjo Old Arrow Maker, que representa una parte de la historia de «La canción de Hiawatha» de Longfellow, un poema que inspiró varias de sus obras. Los artistas blancos solían caracterizar a los nativos americanos como violentos e incivilizados, pero Lewis mostraba más respeto por su civilización. Esta escultura también se encuentra en el Smithsonian American Art Museum.

Su primera obra importante, Forever Free (Morning of Liberty), se terminó un año después de su llegada a Roma. Muestra a un hombre negro de pie y a una mujer negra arrodillada en el momento de la emancipación. Otra obra, Agar, encarna a la esclava egipcia del Antiguo Testamento, Agar, tras ser expulsada del hogar de Abraham y Sara. Como Sara no había podido tener hijos, había insistido en que Abraham dejara embarazada a su esclava, para que el hijo de Agar pasara a ser de Sara. Sin embargo, después de que Agar diera a luz a Ismael, Sara dio a luz a su propio hijo Isaac, y echó a Agar e Ismael. Esta representación de Agar establece un paralelismo con los africanos mantenidos como esclavos durante siglos en Estados Unidos. Agar forma parte de la colección del Museo Smithsonian de Arte Americano.

Aunque muchas de sus obras no sobrevivieron, algunas de las piezas de Lewis se encuentran ahora en la Galería de Arte de la Universidad de Howard, el Instituto de Arte de Detroit, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte de Baltimore. Recientemente, Lewis fue objeto de un Doodle de Google que la retrata trabajando en La muerte de Cleopatra. Además, el New York Times la incluyó el 25 de julio de 2018 en su serie «Overlooked No More» de obituarios escritos sobre mujeres y minorías cuyas vidas habían sido ignoradas por los periódicos debido al prejuicio cultural que reverenciaba a los hombres blancos.