Para cualquiera que quiera formarse como actor, puede ser difícil saber qué tipo de formación elegir. Una de las primeras preguntas que debes hacerte es, ¿qué tipo de actor quieres ser? Hay una serie de técnicas de interpretación populares que puedes aprender, así que ¿cómo saber qué tipos de interpretación son los adecuados para ti y para tus ambiciones profesionales?
Tipos de interpretación
Al tomar la decisión sobre el tipo de actor que quieres ser, tienes que pensar en los tipos de interpretación que quieres hacer: ¿teatro o televisión y cine? ¿Comedia o teatro? A continuación, tienes que evaluar las diferentes técnicas de interpretación y averiguar cuál es la que mejor se adapta a los requisitos del tipo de interpretación que has elegido. Para ayudarte a tomar una decisión, hemos echado un vistazo a algunos de los tipos de actuación más populares para que puedas ver lo que ofrecen.
El Sistema
Este estilo de actuación puede considerarse la raíz de casi toda la actuación moderna. El Sistema, a veces denominado «actuación clásica», fue desarrollado a principios del siglo XX por Konstantin Stanislavski, uno de los actores y directores de teatro más aclamados de su época. Su objetivo era tomar los conocimientos que los actores más selectos con los que había trabajado habían adquirido por ensayo y error a lo largo de toda una vida en el teatro y desglosarlos en una metodología que pudiera enseñarse a los estudiantes. De este modo, los estudiantes podrían convertirse rápidamente en excelentes intérpretes sin tener que pasar décadas aprendiendo su oficio.
Antes de Stanislavski, la formación de actores se había centrado principalmente en el entrenamiento vocal y físico. La revolucionaria idea de Stanislavski consistía en ayudar a los actores a desarrollar su vida interior para que pudieran realizar interpretaciones más realistas y fundamentadas. Quería que los actores sintieran realmente las emociones que sentían sus personajes cada vez que hacían una interpretación.
«Toda persona que es realmente un artista desea crear dentro de sí misma otra vida más profunda e interesante que la que realmente le rodea». – Konstantin Stanislavski
Los estudiantes del Sistema tienen que llegar a ser competentes en el estudio y la comprensión de los guiones, para tener una idea clara de las emociones que sienten sus personajes en cada momento. A continuación, tienen que ser capaces de invocar sistemáticamente esas mismas emociones en sí mismos cuando se les pida. Por lo tanto, el Sistema se centra en el análisis de los guiones y en las técnicas para estimular las emociones del actor.
Aunque el Sistema se creó en un principio para el teatro, se hizo popular entre las primeras estrellas de cine, ya que las interpretaciones más sutiles y matizadas que producía eran ideales para los primeros planos requeridos en la cámara. Todavía lo utilizan algunos actores de teatro, cine y televisión, aunque en su mayoría ha sido sustituido por equivalentes más modernos, como el Método.
Entre los practicantes famosos del Sistema se encuentran Sir Alec Guinness, Orson Welles y Basil Rathbone.
Michael Chéjov
«La actuación realmente inspirada nunca es un HACER, siempre es un OCURRIR» – Michael Chéjov
Michael Chéjov fue un actor y director ruso-estadounidense (y sobrino del famoso dramaturgo Anton Chéjov) que estudió con Stanislavski antes de idear su propio enfoque de la actuación. Las técnicas de Chéjov también se centraban en que los actores creasen una rica vida interior para sus personajes, pero se basaban más en la imaginación que en el uso de experiencias reales.
El enfoque de Chéjov se basa en gran medida en el desarrollo del aspecto físico de una actuación, alejándose del estilo «real» más restringido de Stanislavski hacia algo más grande y demostrativo. Aunque la técnica de Chéjov sigue preocupada por alcanzar la verdad emocional, se basa en el cúmulo de experiencias vitales del actor para alimentar su imaginación, en lugar de recordar experiencias específicas para generar cada emoción concreta.
Consideradas por algunos como un enfoque menos sutil de la actuación que el Sistema y otros métodos modernos, las técnicas de Chéjov seguían siendo muy populares a mediados del siglo XX, utilizadas por actores como Marilyn Monroe, Yul Brynner y Clint Eastwood. En la actualidad, es más utilizado por los actores de teatro que por los de la pantalla, ya que su estilo más demostrativo se adapta a ciertos tipos de actuación teatral.
El Método
Ideado por Lee Strasberg, el Método se basó inicialmente en el Sistema de Stanislavski, ofreciendo una expansión más avanzada y moderna de las técnicas de Stanislavski. Como la televisión y el cine se estaban convirtiendo en los principales medios de comunicación para los actores profesionales, era esencial un enfoque de la actuación que funcionara especialmente bien para los requisitos de estos medios. La popularidad duradera del Método se debe en gran parte a su versatilidad, que permite a los actores realizar interpretaciones excepcionales tanto en el teatro como en el cine.
Al igual que el Sistema, el Método hace mucho hincapié en el desarrollo de la capacidad del actor para sentir realmente las emociones que debe representar. Al perfeccionar y construir sobre las ideas de Stanislavski, Strasberg fue capaz de idear técnicas avanzadas que los actores podían utilizar para producir de forma fiable emociones reales con una profundidad y un matiz inigualables por otras técnicas de interpretación.
Strasberg ideó muchas técnicas innovadoras, como la memoria afectiva, la memoria sensorial y la sustitución, de forma que cualquier actor, con el suficiente entrenamiento y esfuerzo, pudiera aprender a producir interpretaciones de élite. El Método también enseña prácticas clave como la expresión en voz alta y el momento privado, que ayudan a los actores a llevar sus habilidades de forma eficaz a un contexto de actuación profesional. Esto es especialmente importante para los actores profesionales, ya que significa que pueden dar lo mejor de sí mismos en el escenario o delante de una cámara, ¡no sólo en un aula!
«El trabajo para el actor reside esencialmente en dos áreas: la capacidad de crear consistentemente la realidad y la capacidad de expresar esa realidad.» – Lee Strasberg
El método de actuación sigue siendo enseñado y utilizado por actores de todo el mundo, incluidos algunos de los nombres más conocidos de la industria, como Robert De Niro, Meryl Streep y Leonardo DiCaprio.
Stella Adler
Otra alumna del Sistema de Stanislavski, Stella Adler también estuvo involucrada en el Group Theatre de Lee Strasberg, donde conoció el Método y asumió muchas de sus ideas fundamentales. Sin embargo, al igual que Chéjov, Adler prefería centrarse en el uso de la imaginación, en lugar de las experiencias reales, ya que consideraba que esto era suficiente para producir interpretaciones realistas.
La enseñanza de Adler requiere que los estudiantes dediquen mucho tiempo a desarrollar la parte física y vocal de su interpretación, produciendo actores que a menudo son muy competentes en la creación de un lenguaje corporal realista y fuertes interpretaciones vocales. Al igual que con el Método, también enseñaba a sus alumnos a desarrollar el vínculo entre sus sentidos y sus emociones, entendiendo que sentidos como el olfato y el oído tienen una conexión fuerte e instintiva con nuestras emociones.
«Actuar está en todo menos en las palabras». – Stella Adler
Conocidos seguidores de la escuela de interpretación de Stella Adler son Marlon Brando, Salma Hayek y Warren Beatty.
Técnica Meisner
Un alumno de Lee Strasberg, Sanford Meisner, produjo su propia variación del Método. La técnica Meisner hace mucho hincapié en la improvisación y se basa en centrar la atención en la persona con la que se actúa. La idea es que, prestando atención a la conducta real de tu compañero de reparto, puedes reaccionar con veracidad ante él. Esto significa que, en cierto sentido, no estás actuando, sino simplemente reaccionando honestamente ante tu compañero de reparto.
«No seas un actor. Sé un ser humano que trabaja con lo que existe en circunstancias imaginarias». – Sanford Meisner
El único inconveniente de este enfoque es que significa que dependes en gran medida de tus compañeros de reparto para poder hacer una buena interpretación. A diferencia del Método o del Sistema, en los que la inspiración viene de dentro, la Técnica Meisner requiere que te inspires en otros actores. Esto puede conducir a interpretaciones muy naturalistas y veraces cuando dos o más actores altamente cualificados trabajan juntos, pero también puede conducir a resultados menos fiables que otros enfoques cuando se trabaja con coprotagonistas menos hábiles.
Debido a que la Técnica Meisner se basa en gran medida en la improvisación para crear una buena interpretación, es quizás la más adecuada para el teatro, donde suele haber más tiempo para un largo proceso de ensayos.
Entre los alumnos famosos de la Técnica Meisner se encuentran Grace Kelly, Gregory Peck y Peter Falk.
Juegos de teatro
«Todo el mundo puede improvisar. Cualquiera que lo desee puede jugar en el teatro y aprender a ser digno de un escenario.» – Viola Spolin
Diseñados por la actriz y directora estadounidense Viola Spolin, los «Juegos de Teatro» son una serie de juegos de improvisación diseñados para ayudar a los actores a desarrollar sus habilidades de improvisación para utilizarlos principalmente en la actuación teatral. Spolin enseñó a actores de tan sólo seis años su enfoque, que hace hincapié en la diversión, la creatividad y la adaptabilidad.
Los juegos implican conceptos como hablar en galimatías, actuar como varios animales e incorporar a una actuación las emociones sugeridas por los espectadores. Tal vez no resulte sorprendente que este enfoque sea muy popular entre los actores que desean desarrollar sus habilidades de interpretación cómica.
A partir de las ideas de Spolin, su hijo, Paul Sills, fue uno de los fundadores del legendario grupo de comedia de improvisación The Second City, del que han salido talentos tan notables como Bill Murray, Tina Fey y John Candy.
Estética práctica
La creación del célebre dramaturgo David Mamet y el actor William H. Macy, la estética práctica se inspira en el trabajo de Stanislavski, Meisner y las ideas del antiguo filósofo estoico Epicteto.
Este enfoque descompone el proceso de actuación de cualquier escena en la búsqueda de respuestas a cuatro preguntas fundamentales:
- «Literal» – ¿qué, en los términos más básicos, está sucediendo en la escena?
- «Querer» – ¿qué quiere el personaje que digan o hagan el/los otro/s personaje/s con los que interactúa?
- «Acción esencial»: ¿qué acción clave está intentando realizar el personaje en la escena?
- «Como si»: ¿con qué situación de la propia vida del actor pueden relacionar la situación, para ayudarles a encontrar la respuesta emocional adecuada?
La estética práctica puede considerarse como un enfoque más externo de la actuación que las técnicas derivadas del Sistema. Aunque el enfoque «Como si» también se utiliza en la actuación del Método, la estética práctica se centra mucho más en los deseos y acciones de los personajes, en lugar de intentar crear una vida interior realista para el personaje.
Adherentes de la estética práctica son William H. Mac (¡no es de extrañar!) y Rose Byrne, entre otros.
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