Az animáció és az élőszereplős filmek nem gyakran alkotnak filmes ágytársakat, főként azért, mert annyira különböző művészeti ágak. De a most bemutatott Life, Animated, a dokumentumfilm egy autista gyerekről, aki animációs Disney-filmek segítségével értette meg a világot, emlékeztet arra, hogy vannak lenyűgöző kivételek. Néha az élőszereplős és az animációs filmek össze tudnak jönni, de nem azért, hogy egyszerűen összekapcsolják a rajzfilmek és az emberek világát (Mary Poppins, Space Jam, Who Framed Roger Rabbit), hanem hogy együttműködjenek egy nagyobb művészi cél érdekében. Íme nyolc általunk kedvelt film, ahol a két médium összeütközik, és hogy mit értek el ezáltal.
Life, Animated
Az animációt az egész Life, Animated című filmben arra használják, hogy olyan emlékeket és visszaemlékezéseket jelenítsenek meg a film alanyának, Owennek a gyermekkorából, amelyekről nincs felvétel. De van egy szekvencia, ami különösen kiemelkedik: az “Elveszett mellékszereplők földje” című történet animációs adaptációja, amelyet Owen gyerekkorában írt, és amelyből kiderül, mit érez önmagával, Disneyvel és a világgal kapcsolatban. Roger Ross Williams rendező a francia Mac Guff dizájnstúdióval – pontosabban annak tulajdonosával, Philippe Sonrierrel, valamint Mathieu Betard és Olivier Lescot művészekkel – dolgozott együtt, hogy egyszerű, de élénk ceruzarajzokkal és színhasználattal keltsék életre a történetet. A végeredményben nem csak az tűnik ki, hogy a jelenet gyönyörűen animált, vagy hogy a dokumentumfilm témájához (aki szereti az animációt) nagyon is illő kreatív választás – hanem az is, hogy az animáció segítségével vizuális és empatikus hozzáférést biztosít számunkra Owen elméjéhez, lehetővé téve számunkra egy olyan világ megtekintését, amely egyébként nem lenne elérhető.
Hedwig and the Angry Inch
Amikor Hedwig, a genderqueer rockzenész ebben a kultikus filmmusicalben elkezdi énekelni A szerelem eredete című dalt, a dal történetének animációs ábrázolásával való párosítást (amely Platón Symposionjából vett alapul) akár klipszerűnek is el lehetne utasítani. Az animáció azonban több ennél. Egyrészt az animátor, Emily Hubley Picasso-szerű figurák és mesekönyvszerű képek keveredése segít életre kelteni a mítoszt olyan módon, amit másképp talán nehezen tudnának elképzelni egyesek. Mindeközben az animáció lehetővé teszi, hogy jobban megteremtsük a kapcsolatot Platón története és Hedvig története között. A hatás megmutatja, hogy az animáció és az élőszereplős filmek keveredése hogyan adhat nagy tematikus mélységet.
The Fall
Tarsem Singh alulértékelt filmje – amely egy kórházban dolgozó kaszkadőrről szól, aki egy fiatal lánynak mesél történeteket, amelyeket lenyűgöző, vibráló jelenetekben vizualizál – nem szűkölködik vizuális pompában. De különösen figyelemre méltó pillanat az, amikor a lányt megműtik, és rémálmait stop-motionben ábrázolják. A Lauenstein testvérek által animált jelenet sötét és nyugtalanító, és vizuálisan nem illeszkedik a film többi részéhez. De éppen ezért olyan hatásos: jól szemlélteti, milyen erősek a lány tudatalatti félelmei, és mennyire elvont, ahogyan a gyerekek megpróbálják megérteni a világot. Ily módon a stop-motion animáció használata úgy illusztrálja ezeket a tulajdonságokat, ahogy egy élőszereplős jelenet soha nem tudta volna.
Kurt Cobain: Montage of Heck
Amikor Brett Morgen rendező felfedezte Kurt Cobain egy kazettán rögzített felvételét, amely egy meghatározó korai szexuális találkozásról és öngyilkossági kísérletről szólt, nem tudta rögtön, hogyan illessze be a filmjébe. Végül egy négyperces, egycellás animációs szekvencia mellett döntött, amely a doku egyik csúcspontja. A 6000 képkockát és 60 olajfestményt négy hónap alatt készítette el Hisko Hulsing holland animátor egy több mint két tucat emberből álló csapattal. Az eredmény nem csak azért figyelemre méltó, mert olyan, mint egy önálló kisfilm, hanem arra is rámutat, hogy az ötletes animáció hogyan segíthet a dokumentumfilmeknek olyan anyagok vizualizálásában, amelyekről nincs felvétel. Kiemelkedik azzal, hogy hangulatos, sötét esztétikájával tiszteleg Cobain történetmesélése, művészi elméje és világlátása előtt, és kiemeli azt.
A Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater sosem volt hagyományos filmes, és a Waking Life és az A Scanner Darkly talán a két legszokatlanabb filmje. Ez nagyrészt a szürreális és zavarba ejtő esztétikájuknak köszönhető, amely az animációt és az élőszereplős filmeket rétegzi egymásra. Mindkét film látványvilága úgy jött létre, hogy a filmeket először digitális videóval vették fel. Ezután a Rotoshop nevű speciális programmal rotoscopingot alkalmaztak – ez egy olyan módszer, amelynek során az élőszereplős felvételeket animációval vonják át. Ami megkülönbözteti ezeket a Linklater-filmeket, az az, hogy milyen hatékonyan használják az animációt a filmek világának és hangulatának kiegészítésére. Az Ébredő életben a filozófiáról és az egzisztencializmusról szóló éteri elmélkedések szépen tükröződnek a film animációjának hullámzó ingadozásaiban. Ami az A Scanner Darkly-t illeti, Philip K. Dick paranoid, disztópikus közeljövőbeli világát ugyanilyen jól érzékelteti a Keanu Reevesre és társaira alkalmazott rotoscoping ismerős, de furcsa látványa. Ez a keverék nem minden film esetében működne, de nehéz elképzelni, hogy bármelyik is ilyen hatásos lenne nélküle.
Egy tinilány naplója
Phoebe Glockner grafikus regényének adaptációját, amely a tinédzser művész Minnie szexuális ébredéséről szól, végig a főszereplő saját művészetével való interakciói tarkítják. A képeket, amelyeket Minnie lát és amelyekkel beszélget – mindet az izlandi Brookylinite Sara Gunnarsdottir kézzel rajzolta – inkább úgy használják, mint az Animált élet, animációban az animációt: arra, hogy betekintést nyújtsanak egy személy (vagy jelen esetben egy kitalált karakter) belső világába. Ami különösen nagyszerű az Egy tinilány naplójában, az az, hogy az animáció Minnie saját művészetét tükrözi, és azt a plusz lépést teszi meg, hogy láthassuk, egy olyan művész, mint ő, hogyan látja a világot, amely örökös inspirációs forrásként szolgál a munkájához.
Monty Python és a Szent Grál
Monty Python komikus stílusa mindig is animációs volt, így az animáció használata a társulat klasszikus Artúr-paródiájában mindig is természetesnek tűnt. A kerekasztal különböző alkalmatlan lovagjairól szóló mesék közötti illusztrációknak funkcionális céljuk is van. A fejezetek megszakítását szolgálják, miközben a középkori illusztrációk megjelenését tükrözik. De a rajzok animálásával Terry Gilliam (aki a középkori szerzetesek kéziratokba rajzolt firkáiról mintázta őket) egy hozzáadott értéket is biztosított: a humort. Mint sok más Python-művében, a közjátékok zökkenőmentesen csúsznak át a mese többi részében található vidám infantilis komédiába.
Valtz Bashirral
Ari Folman dokumentumfilmje, amelyben saját elveszett emlékeit kutatja az 1982-es libanoni háborúból, nem egy olyan téma, amit az ember azonnal animációnak szánna. De a film ötletes – sötét, mégis gyönyörű – stílusa nagyban hozzájárul a lassan visszatérő emlékek álomszerű érzésének felidézéséhez. A film kinézetét egyfajta rendhagyó elővizualizációs folyamattal érték el: az interjúkat és a jeleneteket először hangstúdiókon vették fel, majd storyboardokká alakították, és ezután Adobe Flash, valamint klasszikus és 3D animáció segítségével animálták. A végső hatást nehéz leírni anélkül, hogy látnánk, de miután láttuk, nehéz elképzelni, hogy a Waltz With Bashir történetét másképp meséljék el. Ez az, ami egyébként minden olyan filmet összeköt, amely kreatívan használja együtt az animációt és az élőszereplős filmeket: soha nem trükközésből vagy tréfából, hanem azért, hogy egy adott történetet a lehető legjobb módon meséljenek el.
Melyik másik animációt és élőszereplős filmet szereted még? Oszd meg a kedvenceidet a hozzászólásokban!