Animacja i żywa akcja nie są często filmowymi towarzyszami, głównie dlatego, że są tak różnymi formami sztuki. Ale obecna premiera filmu Life, Animated, dokumentu o autystycznym dziecku, które wykorzystało animowane filmy Disneya do zrozumienia świata, przypomina, że istnieją imponujące wyjątki. Czasami żywa akcja i animacja mogą się spotkać, nie po to, by po prostu połączyć kreskówkowe i ludzkie światy (Mary Poppins, Kosmiczny Mecz, Kto wrobił królika Rogera), ale by współpracować na rzecz większego artystycznego celu. Oto osiem filmów, które kochamy, gdzie dwa media zderzają się, i co osiągnęli przez to.
Życie, Animowane
Animacja jest używana przez całe Życie, Animowane do wizualizacji wspomnień i wspomnień z dzieciństwa Owena, tematu filmu, które nie mają materiału filmowego. Ale jest jedna sekwencja, która szczególnie się wyróżnia: animowana adaptacja opowiadania „The Land of the Lost Sidekicks”, które Owen napisał jako dziecko, a które ujawnia jego uczucia na temat siebie, Disneya i świata. Reżyser Roger Ross Williams współpracował z francuskim studiem projektowym Mac Guff – a konkretnie z jego właścicielem Philippe’em Sonrierem oraz artystami Mathieu Betardem i Olivierem Lescotem – aby ożywić tę historię za pomocą prostych, ale żywych rysunków ołówkiem i użycia kolorów. To, co wyróżnia gotowy produkt, to nie tylko fakt, że sekwencja jest pięknie animowana, czy bardzo trafny wybór twórczy dla tematu dokumentu (osoba z zamiłowaniem do animacji) – to fakt, że wykorzystuje animację, aby dać nam wizualny i empatyczny dostęp do umysłu Owena, pozwalając nam zobaczyć świat, który inaczej nie byłby dostępny.
Hedwig and the Angry Inch
Kiedy Hedwig, genderqueer muzyk rockowy, zaczyna śpiewać „The Origin of Love” w tym kultowym musicalu filmowym, parowanie z animowaną reprezentacją historii piosenki (opartej na jednej z Symposium Platona) mogłoby zostać odrzucone jako teledysk. Ale animacja jest czymś więcej. Po pierwsze, połączenie przez animatorkę Emily Hubley postaci w stylu Picassa z obrazami z podręczników do nauki historii pomaga ożywić mit w sposób, który dla niektórych mógłby być trudny do zwizualizowania w inny sposób. Jednocześnie animacja pozwala nam lepiej zrozumieć związek między historią Platona a historią Hedwigi. Efekt pokazuje, jak mieszanie animacji z żywą akcją może dodać wielkiej głębi tematycznej.
Upadek
Niedoceniony film Tarsema Singha – o kaskaderze w szpitalu, który opowiada młodej dziewczynie historie wizualizowane w oszałamiających, pełnych życia sekwencjach – nie jest pozbawiony wizualnych splendorów. Na szczególną uwagę zasługuje jednak moment, w którym dziewczynka poddaje się operacji i przeżywa koszmar przedstawiony w technice poklatkowej. Animacja braci Lauenstein to mroczna i niepokojąca sekwencja, która wizualnie nie pasuje do reszty filmu. Ale właśnie dlatego jest tak skuteczna: ilustruje, jak silne są jej podświadome lęki i jak abstrakcyjny może być sposób, w jaki dzieci próbują zrozumieć świat. W ten sposób użycie animacji poklatkowej ilustruje te cechy w sposób, w jaki sekwencja live-action nigdy nie mogłaby mieć.
Kurt Cobain: Montage of Heck
Kiedy reżyser Brett Morgen odkrył nagranie Kurta Cobaina na kasecie magnetofonowej, które opisywało formacyjne wczesne spotkanie seksualne i próbę samobójczą, nie wiedział od razu, jak umieścić je w swoim filmie. Ostatecznie zdecydował się na czterominutową sekwencję animacji jednokomórkowej, która jest jednym z najważniejszych punktów filmu. 6 000 klatek i 60 obrazów olejnych, z których się składa, zostało stworzonych w ciągu czterech miesięcy przez Hisko Hulsinga, holenderskiego animatora, wraz z zespołem ponad dwóch tuzinów ludzi. Rezultat jest nie tylko godny uwagi, ponieważ sprawia wrażenie samodzielnego filmu krótkometrażowego, ale także wskazuje, jak pomysłowa animacja może pomóc dokumentalistom w wizualizacji materiału, do którego nie ma materiału filmowego. Wyróżnia się za uhonorowanie i podkreślenie opowieści Cobaina, jego artystycznego umysłu i światopoglądu dzięki nastrojowej, mrocznej estetyce.
Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater nigdy nie był konwencjonalnym filmowcem, a Waking Life i A Scanner Darkly mogą być dwoma z jego najbardziej niekonwencjonalnych filmów. Wynika to głównie z ich surrealistycznej i dezorientującej estetyki, w której animacja i żywa akcja łączą się ze sobą. Wizualizacje obu filmów zostały stworzone poprzez nakręcenie ich najpierw w normalny sposób za pomocą cyfrowego wideo. Następnie za pomocą specjalnego programu o nazwie Rotoshop zastosowano rotoskoping, czyli metodę polegającą na nakładaniu na materiał filmowy animacji. To, co wyróżnia filmy Linklatera, to skuteczność, z jaką animacja uzupełnia ich świat i nastrój. Eteryczne rozważania na temat filozofii i egzystencjalizmu w Budzącym się życiu są ładnie odzwierciedlone w chybotliwych wahaniach animacji. Jeśli chodzi o A Scanner Darkly, to paranoiczny, dystopijny świat bliskiej przyszłości Philipa K. Dicka jest równie dobrze uchwycony przez znajomy, ale dziwny wygląd rotoskopii zastosowanej wobec Keanu Reevesa i jego współpracowników. Nie jest to mieszanka, która sprawdziłaby się we wszystkich filmach, ale trudno sobie wyobrazić, by któryś z nich był równie skuteczny bez niej.
Diary of a Teenage Girl
Adaptacja powieści graficznej Phoebe Glockner o seksualnym przebudzeniu nastoletniej artystki Minnie jest poprzetykana interakcją głównej bohaterki z jej własną sztuką. Obrazy, które widzi Minnie i z którymi rozmawia – wszystkie ręcznie rysowane przez islandzką Brookylinite Sarę Gunnarsdottir – są używane bardziej jak animacja w Life, Animated: aby zapewnić dostęp do wewnętrznego świata osoby (lub fikcyjnej postaci, w tym przypadku). To, co jest szczególnie wspaniałe w Pamiętniku Nastolatki, to fakt, że animacja odzwierciedla sztukę Minnie, pozwalając nam zobaczyć, jak taka artystka postrzega świat jako nieustanne źródło inspiracji dla swojej twórczości.
Monty Python i Święty Graal
Komediowy styl Monty Pythona zawsze był animowany, więc użycie animacji w klasycznym spoofie legendy arturiańskiej grupy zawsze wydawało się naturalnym dopasowaniem. Ilustracje pomiędzy opowieściami o różnych nieudolnych rycerzach Okrągłego Stołu mają również funkcjonalny cel. Stanowią one przerwy między rozdziałami, a jednocześnie odzwierciedlają wygląd średniowiecznych ilustracji. Ale animując rysunki, Terry Gilliam (który oparł je na bazgrołach, które mnisi rysowali w średniowiecznych manuskryptach) dostarczył również wartość dodaną: humor. Podobnie jak w przypadku wielu innych prac Pythona, przerywniki płynnie wślizgują się w radosną, infantylną komedię, którą można znaleźć w pozostałej części opowieści.
Waltz With Bashir
Dokument Ariego Folmana badający jego własne utracone wspomnienia z wojny libańskiej w 1982 roku nie jest tematem, który od razu można by przypisać animacji. Jednak pomysłowy styl filmu – mroczny, a zarazem piękny – pozwala przywołać senne uczucie, gdy wspomnienia powoli wracają. Wygląd filmu został osiągnięty dzięki swoistemu nieuporządkowanemu procesowi prewizualizacji: wywiady i sceny były kręcone najpierw na scenach dźwiękowych, potem przekształcane w storyboardy, a następnie animowane przy użyciu Adobe Flash oraz animacji klasycznej i 3D. Efekt końcowy jest trudny do opisania bez obejrzenia, ale po obejrzeniu trudno sobie wyobrazić, by historia Walca z Baszirem mogła być opowiedziana w inny sposób. To, nawiasem mówiąc, jest to, co łączy wszystkie filmy, które twórczo wykorzystują animację i żywą akcję razem: nigdy nie jest to sztuczka lub skowyt, ale sposób na opowiedzenie konkretnej historii w najlepszy możliwy sposób.
Jakie inne filmy, które łączą animację i żywą akcję uwielbiasz? Podziel się swoimi ulubionymi w komentarzach!