W naszych pierwszych trzech wydaniach Treble’s Celebrate the Catalog przeanalizowaliśmy kariery niektórych z najbardziej znaczących artystów wywodzących się z ruchów indie i rocka alternatywnego lat 80. i 90. Jednak, choć ambitne byłoby przeanalizowanie wszystkich studyjnych albumów Sonic Youth, nadszedł czas, by rozpocząć jeszcze bardziej śmiały projekt dyskograficzny: The selected Miles Davis albums.
Dwadzieścia lat temu świat stracił jednego z najbardziej niesamowitych i utalentowanych muzyków: trębacza jazzowego, kompozytora i bandleadera Milesa Davisa. Niewielu innych artystów wywarło tak ogromny wpływ na jazz i muzykę popularną, jak Davis, a jego prawie pięć dekad występów złożyło się na dorobek, który rozciąga się od sławy do kontrowersji. Od późnych lat 40. do 70. stał na czele każdego ważnego ruchu w jazzie, od cool jazzu do hard bopu, od jazzu modalnego do fusion. A w ramach tych ruchów czerpał inspirację z szerokiej gamy stylów, czy to z tradycyjnych elementów hiszpańskich w Sketches of Spain, czy to z żywiołowych rock’n’rollowych dźwięków A Tribute to Jack Johnson i paskudnego funku On the Corner.
Słuchać Milesa Davisa to usłyszeć prawdziwą eksplorację w muzyce. Czasami jego albumy brzmiały bardziej skomponowanie i melodyjnie, podczas gdy w innych były obce i dezorientujące. Davis był typem artysty, dla którego eksperymentowanie oznaczało wolność i wizję. Nie pozwalając na dominację jednego stylu, nie pozostawiał żadnej możliwości, by jego muzyka stała się nudna. A przez to, że próbował tak wielu różnych dźwięków i technik, przyrównywano go do Pablo Picasso. Jego wpływ jest niezmierzony, odcisnął piętno nie tylko na jazzie, ale także na rocku, elektronice i hip-hopie. Fakt, że nie bał się tworzyć muzyki, która może się niektórym nie spodobać, przynajmniej nie od razu, świadczy o jego odwadze jako kompozytora, muzyka i bandleadera. I chociaż Davis miał swój udział w mrocznych okresach, od nadużywania narkotyków do depresji, ciało muzyki, którą pozostawił po sobie jest ogromne, a duża część z niej jest absolutnie niezbędna.
Aby zająć się całą studyjną dyskografią Davisa byłoby niewyobrażalnie trudne; z 67 studyjnymi albumami, samo przesłuchanie ich wszystkich mogłoby zająć miesiąc. Tak więc, w ramach lekkiej zmiany modus operandi Celebrate the Catalog, postanowiłem wybrać 20 albumów Davisa, dla uczczenia 20 lat od jego śmierci, z nagraniami pochodzącymi ze wszystkich jego znaczących epok: lat Prestige, wczesnych nagrań Columbii, współpracy z Gilem Evansem, nagrań kwintetu z połowy późnych lat 60-tych, lat „elektrycznych” i nieco gorzej przyjętych nagrań z lat 80-tych. Ta wybrana dyskografia Milesa Davisa to muzyczna podróż niepodobna do żadnej innej. Oto nasze spojrzenie na 20 albumów Milesa Davisa, uszeregowanych, ocenionych i poddanych bliższemu odsłuchowi.
Kup te albumy w Turntable Lab
Cookin’ With the Miles Davis Quintet
(1957, Prestige)
Przy blisko 70 albumach w repertuarze Milesa Davisa, z których spora część została nagrana i wydana w latach 50. Wcześnie wydał wiele krótkich LP, które mogą okazać się interesującymi artefaktami w kontekście jego rozwoju jako artysty, ale pierwszą naprawdę interesującą serią albumów Davisa jest kwartet nagrany z jego pierwszym kwintetem, zebrany z dwóch sesji nagraniowych w 1956 roku. Każdy z tych albumów nosi podobną nazwę – Cookin’, Workin’, Relaxin’ and Steamin’ – jednak pierwszy z tej serii, Cookin’ with the Miles Davis Quintet, jest jej zdecydowanym faworytem. Składający się z czterech umiarkowanie długich utworów album jest mocnym dokumentem umiejętności kwintetu. Jak powiedział Davis o tytule płyty, zespół po prostu wszedł do studia i gotował. W porównaniu z większością dyskografii Davisa, jest to płyta bardzo prosta i nie zawierająca słabych ogniw, choć wykonanie „My Funny Valentine” przez grupę jest z pewnością jej najjaśniejszą gwiazdą. I choć w późniejszych latach Davis był bardziej powściągliwy, to jego wspaniałe sola na trąbce są głównym punktem albumu. Davis później wzniesie się ponad ten album, ale jest to prawdopodobnie jego pierwszy wielki album.
Rating: 8.9 out of 10
Birth of the Cool
(1957, Capitol)
Birth of the Cool, oprócz tego, że jest ulubionym albumem Lisy Simpson, jest godny uwagi ze względu na to, że jest w zasadzie narodzinami „cool jazzu”. Kompilacja utworów z różnych sesji nagranych w późnych latach 40-tych i wczesnych 50-tych, Birth of the Cool to zupełnie inne brzmienie Davisa niż hard bop, który doskonalił na swoich wczesnych albumach Columbia, czy też jego bardziej eksperymentalnych płytach fusion z lat 60-tych i 70-tych. Współpracując z aranżerem Gilem Evansem, który później okazał się bardzo cennym partnerem w przełomowych pracach z późniejszych lat, Davis przewodzi nonetowi, który równoważy elementy big bandu i swingu z bardziej wyluzowanymi dźwiękami bopu, tworząc coś niezaprzeczalnie cool. Jest to stylowe i zwięzłe, większość utworów trwa nie dłużej niż trzy minuty, a przy tym jest całkiem żywa. Z wyjątkiem ckliwego, wokalnego kawałka „Darn That Dream”, nie ma tu ani jednego kiepskiego utworu, ale jednocześnie nie ma też wielu kawałków, które oszałamiają w taki sam sposób jak „So What” czy „Shhh/Peaceful”. To powiedziawszy, nie można kochać jazzu bez polubienia Birth of the Cool, ponieważ jest to po prostu tak cholernie… cool.
Rating: 8.7 na 10
Round About Midnight
(1957, Columbia)
Pierwszy album Milesa Davisa dla Columbii jest też jego pierwszym prawdziwym oszołomieniem. Nawet bardziej niż na Relaxin’, Cookin’, Workin’ and Steamin’, kwintet brzmi niezwykle dynamicznie, zwinnie przechodząc między zapierającymi dech w piersiach balladami i pełnymi życia utworami hard-bopowymi. Serpentynowa harmonizacja w „Ah-Leu-Cha” jest równie zawrotna, co hipnotyzująca, a wykonanie przez kwintet „Bye Bye Blackbird” Theloniousa Monka jest naprawdę cudowne. Gwiazdą wieczoru jest jednak drugi utwór Monka na płycie, tytułowy „Round Midnight”. Nastrojowa ballada z nieco mroczną atmosferą, jest jednym z najbardziej pamiętnych wykonań Davisa. W rzeczywistości, to właśnie płacząca melodia trąbki Davisa sprawia, że utwór ten jest tak niesamowicie istotny, gdyż jego powolne, zmysłowe wykonanie wciąga słuchacza w chłodną, noirową scenerię. To dźwięk, który absolutnie nigdy się nie znudzi. A ikoniczna okładka albumu idealnie pasuje do brzmienia muzyki. Miles opiera się na ramieniu, skąpany w czerwonym świetle, wygląda na zdystansowanego, ale potężnego. To pierwsze nagranie Davisa, które sprawia wrażenie naprawdę kompletnego albumu, a także wielki krok naprzód w jego artystycznym rozwoju. Pamiętajcie tylko, że tytuł płyty to niemalże instrukcja, bo najlepiej brzmi ona około godziny 12.
Recenzja: 9.1 na 10.
Relaxin’ with the Miles Davis Quintet
(1958, Prestige)
Drugi z serii podobnie zatytułowanych albumów nagranych z kwintetem Milesa Davisa, Relaxin’ kładzie dość duży nacisk na całą koncepcję „relaksowania się”. Na okładce znajduje się rysunek kobiety złożonej w całości z trójkątów, a dla oddania luźnej, swobodnej atmosfery sesji, album jest jednym z nielicznych nagrań Davisa, na którym pojawiają się prawdziwe studyjne pogawędki. Tak, rzeczywiście, jest to bardzo wyluzowane nagranie, zwłaszcza w zestawieniu z innymi albumami z serii 'in’. Ale jest też bardzo przyjemne. Talent kwintetu Davisa, w skład którego wchodzą także John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers i Philly Joe Jones, jest niezaprzeczalny. Stanowią imponujący zespół i choć sesje były częścią maratonu nagrań, nic nie sprawia wrażenia wymuszonego czy przepracowanego. Oni po prostu… odpoczywają. I choć w sumie Davis znacznie przewyższyłby to wydawnictwo ponad tuzinem swoich wydawnictw z Columbii, jest to solidne wydanie i niezły dodatek dla każdego, kto planuje rozpocząć kolekcję jazzu.
Ocena: 8.4 out of 10
Porgy and Bess
(1958, Columbia)
Pod koniec lat 50. i na początku 60. Miles Davis nagrał serię albumów z uznanym aranżerem i dyrygentem Gilem Evansem, który wcześniej współpracował z Davisem przy sesjach składających się na Birth of the Cool, a najciekawszą rzeczą w nich, poza bujną i masywną produkcją, jest właśnie to, jak różnorodne okazały się te kolaboracje. Na płycie znalazły się zarówno utwory w stylu brazylijskim i hiszpańskim, jak i showtunes, które stanowiły materiał źródłowy dla Porgy and Bess. Wyobrażona na nowo jazzowa wersja klasycznej opery George’a Gershwina, Porgy and Bess jest zarówno świadectwem siły oryginalnych piosenek, jak i niesamowitych występów muzyków. Przeznaczony do słuchania jako całość, „Porgy and Bess” działa jednak najlepiej, gdy słucha się go od początku do końca, przepływ i dramaturgia albumu są tak starannie i błyskotliwie wykonane, że nawet po usunięciu słów, album pozostaje silnie emocjonalny i sugestywny. Ale, jak w przypadku większości klasycznych nagrań jazzowych Davisa, jest tu kilka wyróżniających się utworów, z których najważniejsze to „Prayer (Oh Doctor Jesus)”, „I Loves You, Porgy” i, oczywiście, „Summertime”. Porgy and Bess to bardzo bogate i szczegółowe nagranie i może zająć kilka odsłuchów, aby w pełni je przyswoić, ale nie jest to w żadnym wypadku przeszkodą w cieszeniu się nim. Jest to jedno z najbardziej przystępnych wydawnictw Davisa, w dodatku będące wczesnym highlightem.
Rating: 9.0 out of 10
Kind of Blue
(1959, Columbia)
Kind of Blue jest z łatwością najtrudniejszym do napisania albumem w dyskografii Davisa, po prostu dlatego, że jest to rodzaj płyty, która prawdopodobnie znajduje się już w bibliotekach każdego, kto czyta ten felieton, ceniona instytucja nie tylko w jazzie, ale w historii muzyki popularnej. To najlepiej sprzedający się album Davisa, który w 2008 roku pokrył się poczwórną platyną i znalazł się na 12. miejscu listy 500 najwspanialszych albumów wszech czasów magazynu Rolling Stone. Jest to więc wielka sprawa. I jest ku temu dobry powód. Po pierwsze, wybór Davisa, który postawił na improwizację „modalną”, opartą na szeregu skal, a nie progresji akordów, pozwolił muzykom na bardziej śmiałe i melodyjne poszukiwania. Metoda ta, choć nie po raz pierwszy zastosowana przez Davisa, wyznaczyła nowy, wysoki standard dla gatunku, wywierając ogromny wpływ na to, co nastąpiło później. Do tego dochodzi jeszcze obsada muzyków, z których wszyscy dają powalające występy, od pianisty Billa Evansa, przez saksofonistę Juliana „Cannonballa” Adderly’ego, po wielkiego Johna Coltrane’a, którego solo w „So What” jest dziełem majestatycznym, budzącym respekt samo w sobie. Częścią tego, co jest wyjątkowe w Davisie jako liderze zespołu, jest to, że nigdy nie jest on przytłaczającą postacią; daje swoim muzykom przestrzeń do oddychania, ale kiedy bierze swoje własne solówki, są one zawsze potężne i eleganckie, co jest prawdą w całym Kind of Blue. Co najważniejsze, Kind of Blue zawiera pięć perfekcyjnych utworów, z których każdy jest jednocześnie świetnie wykonany i niezwykle piękny. To album doskonały, co nie jest czymś, co może się udać każdemu muzykowi (a co dopiero wielokrotnie), i taki, który może otworzyć komuś oczy na zupełnie nowy świat muzyki. Jak powiedział kiedyś Q-Tip w jednym z wywiadów, „To jak Biblia – po prostu masz ją w swoim domu.”
Rating: 10 out of 10
Sketches of Spain
(1960, Columbia)
Aby w pełni pojąć znaczenie współpracy Davisa z Gilem Evansem, należy zrozumieć, czym jest „trzeci nurt”. Zasadniczo, termin „trzeci nurt” oznacza rodzaj muzyki, która istnieje gdzieś pomiędzy jazzem a klasyką, i do pewnego stopnia, jest to kierunek, który obaj obrali przez część ich płodnego okresu wspólnej pracy. W szczególności, Sketches of Spain to ich najbardziej ambitne dzieło łączące znane jazzowe tropy z dramatyczną elegancją i orkiestrowymi aranżacjami muzyki klasycznej. Na „Sketches of Spain” Davis i Evans zainspirowali się hiszpańską tradycją ludową, tworząc wielki i triumfalny album, który jest bardziej jazzowy pod względem estetycznym niż praktycznym. Improwizacja na Sketches jest minimalna, a jej staranny, kompozytorski charakter sprawia, że jest to wyjątkowy wybór w katalogu Davisa. Jest to z jednej strony płyta stonowana, kojąca bardziej niż wiele dotychczasowych albumów Davisa. Z drugiej jednak strony jest to album bardzo dramatyczny, z punktowymi zrywami, które sprawiają, że nigdy nie jest tak grzecznie przyjemny, by zepchnąć go w tło. Zniuansowane aranżacje Evansa, nie wspominając już o wielkości orkiestry, sprawiają, że Sketches of Spain to album, który choć świetnie buduje atmosferę, wymaga od słuchacza pewnej dozy uwagi. Każdy szczegół zdaje się przyciągać słuchacza bliżej, a każdy subtelny ruch ujawnia coś nowego i urzekającego. Choć Sketches of Spain nie ma takiej reputacji jak Kind of Blue, jeśli chodzi o wprowadzenie wielu osób do jazzu lub zmianę sposobu, w jaki go słyszą, jest prawie tak samo ceniony i jest tak samo artystycznym skarbem.
Rating: 9.4 out of 10
Quiet Nights
(1963, Columbia)
Ostatni z albumów Davisa z aranżerem i dyrygentem Gilem Evansem, Quiet Nights jest w dużej mierze uważany za najgorsze z ich wspólnych dzieł i szlachetną porażkę w ogóle. Nie oznacza to jednak, że jest to album zły. W istocie, jest całkiem ładny, ale niesamowicie krótki i sprawia wrażenie niedokończonego. Jest ku temu dobry powód: podczas trzech sesji nagraniowych w ciągu czterech miesięcy Evans i Davis zebrali tylko około 20 minut materiału, który nadawał się do użytku, a żeby pokryć duże koszty studia, producent Teo Macero dodał dodatkowy utwór z zupełnie osobnej sesji i przekazał produkt Columbii, żeby pokazać, że ich inwestycja nie poszła na marne. Davis nie pochwalił decyzji o wydaniu niedokończonego projektu i przez kilka kolejnych lat nie współpracował już z Macero. Biorąc pod uwagę wszystkie te informacje, łatwo zrozumieć, dlaczego album zajmuje niezręczne miejsce w katalogu Davisa, a co za tym idzie, dlaczego jest postrzegany jako rozczarowanie. Mimo to, album jest całkiem przyjemny i pomimo swoich wad, zawiera kilka świetnych utworów, z których najbardziej wyróżnia się „Corcovado” Antonio Carlosa Jobima (od którego pochodzi tytuł płyty). Decyzja o sięgnięciu po brazylijskie brzmienia, takie jak bossa nova, była prawdopodobnie pościgiem za trendem wytwórni płytowych, biorąc pod uwagę jej popularność w tamtym czasie, i zrozumiałe jest, dlaczego Davis mógł nie być tak entuzjastycznie do tego nastawiony. Ale w najmocniejszych momentach Davis wybija to z parku. A w najgorszych jest po prostu przyjemny. To w żadnym wypadku nie jest katastrofa, tylko zmarnowana szansa.
Rating: 8.0 out of 10
E.S.P.
(1965, Columbia)
Miles Davis wniósł kilka niezwykłych wkładów do jazzu w latach 50. ze swoim pierwszym klasycznym kwintetem, ale jego drugi zapewnił nową bramę do poszukiwań i eksperymentów. W 1965 roku, pierwszy album Davisa z tą drugą grupą (w której skład wchodzili Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter i 19-letni Tony Williams) stanowi pomost pomiędzy jego hard bopową twórczością z początku lat 60. a bardziej awangardowym kierunkiem, jaki obrał w późniejszej dekadzie. E.S.P., jako pierwsze wydawnictwo z tym kwintetem, jest jednak tylko przedsmakiem tego, co miało nastąpić. Mimo to, jest to solidny album. Od bardziej awangardowych utworów, takich jak „Eighty-One”, który łączy melodyjność z ostrą, punktowaną rytmiczną złożonością, po bardziej wyluzowane, chłodne kawałki, takie jak „Mood”. Od tego momentu rzeczy z pewnością staną się o wiele dziwniejsze, ale E.S.P., nazwany prawdopodobnie na cześć niebywałej zdolności Davisa do przyswajania utworu muzycznego bez konieczności ćwiczenia, jest dobrym rozdziałem w jego dyskografii.
Rating: 8.9 out of 10
Miles Smiles
(1967, Columbia)
W 1963 roku Davis i Teo Macero trochę się pokłócili po fiasku Quiet Nights, Macero postąpił wbrew życzeniom Davisa i dał Columbii mastery do niedokończonego albumu, aby wydać go jako-is. Choć album był w połowie przyzwoity, nie był tym, czego Davis oczekiwał, i z perspektywy czasu pozostawiał wiele miejsca na poprawki, lub przynajmniej na dopracowanie. Jednak już w 1967 roku Davis i Macero naprawili swoje zawodowe relacje i ponownie pracowali razem nad Miles Smiles. Album kontynuuje energiczną ścieżkę wytyczoną na E.S.P., ale z nieco bardziej udanym skutkiem. Dynamika między muzykami kwintetu jest niesamowita, a sesje mają niezaprzeczalną energię, która jest zaraźliwa, choć z pewnością jest to krok w bok od bardziej melodyjnego, ciężkiego materiału z wcześniejszych etapów kariery Davisa. Kilka numerów wyróżnia się szczególnie. Po pierwsze, otwierający płytę utwór „Orbits”, napisany przez Wayne’a Shortera, zabiera słuchacza na słuchowy odpowiednik przejażdżki kolejką górską, z kwintetem rozpoczynającym jeden z najbardziej ożywczych utworów w ich karierze. Innym, moim zdaniem najważniejszym punktem albumu jest „Footprints”, kolejna kompozycja Shortera i najdłuższy utwór na płycie. Minęło około minuty zanim kwintet zaczął budować groove, który jest nośnikiem tego utworu, ale kiedy już w niego wejdzie, nie ma odwrotu. To jest niesamowite.
Rating: 9.0 na 10
Następne: Czarnoksiężnik przez Aurę