The 15 Best Horror Directors of the 21st Century

„To” może i jest kasowym hitem, ale to ledwie jedyny horror, o którym warto dziś mówić. Minęło zaledwie 17 lat, a XXI wiek już stał się domem dla niezwykłej liczby prawdziwie mrożących krew w żyłach i pomysłowych propozycji horrorów, od odrodzenia remake’ów J-horrorów, przez ciągłe przywiązanie do klasycznych serii sprzed lat, po masową dominację filmowego uniwersum „Conjuring”, a nawet franczyzę „Piły”, tak dominującą, że już powróciła na terytorium zmartwychwstania, a to tylko rzeczy z głównego nurtu.

Pomagani przez nową rzeszę filmowców, wiernych zarówno swoim własnym obsesjom, jak i latom formacyjnym przesiąkniętym klasyką, ostatnie dwie dekady kształtują się jako jedne z najlepszych dla gatunku, z jeszcze większą ilością terroru, który jest tworzony w przerażającym tempie. Od wizjonerów, takich jak Guillermo del Toro i Gore Verbinksi, którzy mogą szczęśliwie rozciągać się między gatunkami, wciąż zachowując swoją miłość do horroru biegnącą przez każdą klatkę, do geniuszy przemysłu, takich jak James Wan i Eli Roth, to świetny czas, aby być fanem horroru, ale jeszcze lepszy, aby być filmowcem horroru.

Read More: Why 'The Conjuring’ Could Become the Biggest Horror Franchise of the Century

Niniejsza lista nie obejmuje garstki reżyserów horrorów, którzy już odcisnęli swoje piętno – i czerpią krew – z wczesnych prób, w tym największych wschodzących talentów, takich jak Jordan Peele, Andy Muschietti, Robert Eggers i Ana Lily Amirpour, choć wszyscy oni są z pewnością tymi, których należy obserwować. Zamiast tego zwróciliśmy uwagę na twórców, którzy przede wszystkim przerazili nas w latach osiemdziesiątych, dostarczając nieprzerwany strumień krwawych, przerażających, przerażających i ekstremalnych filmów, których jeszcze wiele przed nami.

Jeremy Saulnier

Jeremy Saulnier dał się poznać jako nowy, ekscytujący talent gatunkowy swoim trzymającym w napięciu thrillerem o zemście „Blue Ruin” w 2013 roku, ale po raz pierwszy zwrócił się ku horrorowi dekadę temu, swoim debiutem fabularnym „Murder Party”. Ten osadzony w Williamsburgu satyryczny koszmar o nieudanej imprezie z okazji Halloween zdołał wykpić hipsterskie stereotypy, a jednocześnie wzbudzić autentyczne poczucie grozy; była to świetna zapowiedź tego, co ma nadejść. „Blue Ruin” udowodnił, że Saulnier potrafi opowiadać mroczne, krwawe historie z domieszką pierwszorzędnego dreszczyku i slapsticku. W „Green Room”, opowieści o przetrwaniu punkrockowej kapeli z Oregonu, która przetrwała atak neonazistów, Saulnier potwierdził swoją zdolność do łączenia nieprawdopodobnych tonów, co było w równej mierze krwawym widowiskiem i wojennym dramatem akcji. Saulnier forsuje skrajności tych gatunków, ale wszystkie są przerażające i trzymają w napięciu w sposób świadczący o niezwykłych umiejętnościach. Saulnier w zasadzie zmienia nasze wyobrażenia o tym, co tego typu filmy mogą robić, a on dopiero zaczyna. -Eric Kohn

Mike Flanagan

Po swoim indie „Absentia” z 2011 roku, Flanagan szybko wyrobił sobie markę jako lider gatunku, dostarczając kilka solidnych horrorów, które przesadziły z przesłankami, które łatwo mogły pójść na południe. W „Oculusie” z 2013 roku złe lustro stało się przerażające, a Karen Gillan i Brenton Thwaites zostali poddani próbie ze stylowym gore i zręczną ręką. Z kolei „Hush” z 2016 roku to sprytna reinterpretacja thrillera „Wait Until Dark” z 1967 roku, w którym niewidomą bohaterkę Audrey Hepburn zastąpiła głucha kobieta, grana przez żonę Flanagana, Kate Siegel. Potrafiąc wykorzystać niewielki obszar – pojedynczy dom – do maksimum, Flanagan stworzył prawdopodobnie swoje najlepsze dzieło, bawiąc się przestrzenią i dźwiękiem, tworząc klaustrofobiczny, nowoczesny klasyk. Po tym filmie szybko nakręcił „Ouija: Origin of Evil”, rzadkim sequelem, który przewyższył oryginał. Choć nie było trudno pokonać niezadowalający pierwszy film, Flanagan był w stanie przenieść serię w czasie do późnych lat 60-tych, a klimat „Mad Men”-meets-horror odkurzył pajęczyny z lore gry planszowej i dostarczył prawdziwych strachów po drodze. W 2017 roku Flanagan ponownie zatriumfował w inteligentnej adaptacji „Gry Geralda”, powieści Stephena Kinga o napaści na tle seksualnym, w której przez większą część fabuły kobieta była przykuta kajdankami do łóżka. Reżyser, od dawna uważany za nieprzystosowanego do adaptacji, wykazał się w tym dziele inną wrażliwością, która usatysfakcjonowała zarówno fanów, jak i samego autora. Prawdziwy uczeń gatunku, ekscytujące jest przewidywanie, jak Flanagan poradzi sobie ze swoim kolejnym projektem, serialową adaptacją „Nawiedzenia w Hill House” Shirley Jackson na Netflixie. -William Earl

Eli Roth

Eli Roth robi tylko jedną rzecz, ale robi to cholernie dobrze. Od momentu, gdy w 2002 roku przebił się z „Gorączką w kabinie”, Roth jest nieugięty w swojej obsesji na punkcie badziewia. Reżyser „Hostelu” (i „Hostelu: Części II”) kręci film za filmem o napalonych dzieciakach, które umierają w okropny sposób. Ale te grindhouse’owe rozkosze nie są tak proste, jak mogłoby się wydawać. Po pierwsze, Roth ma rzadkie zrozumienie, jak nasze najbardziej niewinne przygody – weekendowy wypad, wakacje w Europie, aktywizm społeczny w Amazonii – mogą zamienić się w koszmar. Po drugie, jego sadystyczne rzezie w niezwykły sposób wczuwają się w swobodną arogancję (amerykańskiej) młodzieży i świetnie się bawią, stawiając niedoszłych modeli Instagrama na ich miejscu. (To, że jego najnowszy film, „Knock Knock”, przekręca wszystkie te tropy, świadczy o zasłużonym dojrzewaniu i ewolucji z jego strony). Ale prawdziwym powodem, dla którego filmy Rotha działają na naszą skórę, jest to, że wrzucają nas w takie doskonale przygotowane sytuacje, które zmuszają do zastanowienia się, jak można przetrwać, a odpowiedzi nigdy nie przychodzą tak łatwo, jak można by się spodziewać. -David Ehrlich

Kiyoshi Kurosawa

„Ring” i „The Grudge” może i zdobyły większą uwagę na całym świecie, ale żaden J-horror nie okazał się tak aktualny jak „Pulse” z 2001 roku. Niepokojące spojrzenie na to, jak żyjemy z (i w) Internecie, jest również emblematyczne dla powolnego podejścia Kiyoshi Kurosawy do straszenia swoich widzów: Niepokój towarzyszący oglądaniu jego filmów bierze się z wyobrażania sobie tego, co czai się tuż za kadrem, z oczekiwania, że w jakiś sposób będzie to jeszcze bardziej przerażające niż obraz, który wyczarowałeś w swoim umyśle. To, co ostatecznie widzimy, zawsze okazuje się bardziej przerażające niż to, co sobie wyobrażaliśmy. Po 16 latach nie wykazuje oznak spowolnienia – w ciągu ostatnich dwóch lat miał premierę trzech różnych filmów (w Berlinie, Toronto i Cannes, nie mniej jednak). I choć nie ma nic wspólnego z tym drugim Kurosawą, jest mistrzem we własnej osobie. -Michael Nordine

Adam Wingard

Zamiłowanie Wingarda do gore z przewrotem było widoczne od samego początku jego kariery – przed-filmowego horroru-komedii pt.komedię „Home Sick”, którą nakręcił w wieku 19 lat – i udało mu się utrzymać tę wrażliwość przez ostatnią dekadę swojej wciąż kwitnącej kariery, jednocześnie stale zwiększając swój zakres i ambicje. Filmy „A Horrible Way to Die” i „Autoerotic” były znaleziskami na festiwalach, ale twórczość Wingarda naprawdę nabrała rozpędu wraz z przełomowym „You’re Next” z 2011 roku, który wyniósł wypróbowany i prawdziwy schemat „o, patrzcie, dom pełen szalonych morderców” na wyższy (a czasem nawet przezabawny) poziom, wzmocniony przez gwiazdorską kreację Sharni Vinson w pełnej krasie Final Girl. Wingard i jego wieloletni partner scenarzysta Simon Barrett utrzymali impet w swojej kontynuacji, „The Guest”, która miesza thriller exploitation z poważnym uczuciem do męskiej formy, dzięki zabójczej roli Dana Stevensa. Wingard zawsze ujmuje swój horror w ramy humoru, ale to nigdy nie umniejsza siły jego gorehoundowej wrażliwości. Wkraczając w sferę remake’ów na wielką skalę, od „Death Note” po przeoczony rehash „Blair Witch”, plus jego wielka gra dla blockbusterowego chaosu w „Godzilla vs. Kong”, mamy nadzieję, że będzie się tego trzymał. Byłoby straszne jak diabli, gdyby tego nie zrobił. -Kate Erbland

Ti West

Na poziomie mainstreamu, Ostatnia dekada amerykańskiego horroru została zdefiniowana przez wosk i upadek „torture porn” z „Hostelu”, „Piły” (i ich odpowiednich sequeli), jak również odrodzenie „found footage” w serii „Paranormal Activity”. Ti West pojawił się jako pożądana alternatywa dla tych komercyjnych trendów. Jest on jednym z najbardziej zręcznych twórców filmów gatunkowych, łączącym świadomość klasycznej narracji suspensu z często ekscentrycznymi rozwiązaniami fabularnymi i bezkompromisowym przywiązaniem do elementu zaskoczenia. Dotyczy to również samej natury jego twórczości: Żadne dwa filmy Westa nie wyglądają tak samo. „The Roost” był dziwacznym filmem o nietoperzu-mordercy, który nie przygotował nikogo na powolny suspens w „The Shootist” czy ekscentryczność „Lśnienia” w jego arcydziele, „Domu diabła”. W „The Innkeepers” West zmienił komedię o nadprzyrodzonych zjawiskach w coś znacznie bardziej niepokojącego, a jego klasyczny western „In the Valley of Violence”, dzięki niezwykłemu trzeciemu aktowi, przeniósł ten gatunek na niespodziewanie makabryczne terytorium. West może i ma reputację perfekcjonisty, ale toczy dobrą walkę z rezultatami, które mówią same za siebie. -EK

Takashi Miike

Chociaż japońska legenda Takashi Miike w swojej bogatej karierze zajmował się wieloma gatunkami filmowymi, trio jego mrocznych filmów wywarło niezatarty wpływ na ten gatunek. Osławiona „Audition” miała swoją premierę w Stanach Zjednoczonych w 2000 roku, a prosta opowieść o mężczyźnie torturowanym przez kobietę o mrocznej przeszłości weszła do lansu ekstremalnego horroru dzięki scenom, w których pewne zdecydowanie masochistyczne rzeczy są robione z ludzkim ciałem w bezlitosnych szczegółach. Dwa kolejne, najbardziej wpływowe dzieła Miike – „Visitor Q” i „Ichi the Killer” – zadebiutowały w 2001 roku i sprawiły, że filmowiec na stałe zagościł na mapie Amerykanów zainteresowanych bardziej ekstremalnymi odłamami gatunku. „Gość Q” łączy seks, rodzinę i voyeuryzm w niskobudżetowym dokumencie, złożonym i szokującym zarówno pod względem narracyjnym, jak i fabularnym. „Ichi”, choć nie jest horrorem, został odebrany przez miłośników gore jako doskonały epicki film akcji, z galonami krwi płynącymi przez tę opowieść o podziemnym świecie. Od tamtej pory trio Miike pozostało czymś w rodzaju papierka lakmusowego dla fanów horroru, sekretnym uściskiem dłoni pomiędzy tymi, którzy lubią, gdy kino przesuwa granice. -WE

Gore Verbinski

Nawet z takim nazwiskiem jak jego, Gore Verbinski niekoniecznie jest kojarzony z horrorem (chyba że, być może, jesteś jednym z księgowych Walt Disney Studios, którzy musieli poradzić sobie z upadkiem po „The Lone Ranger”). A jednak „The Ring” udowodnił, że jest jednym z niewielu reżyserów, którzy są w stanie wynieść typowe hollywoodzkie straszaki – jump scares, złowieszczy nastrój, kulturowe zawłaszczenie, etc. – na wyżyny głęboko niepokojącej sztuki. Rzadko spotykany remake, który pod każdym względem przewyższa oryginał, „The Ring” to nie tylko mistrzowsko zrealizowane ćwiczenie z nieuchronności zła, to film tak przerażający, że Amerykanie czuli się zdenerwowani, zostając sam na sam z telewizorem. „A Cure for Wellness” nie wywarł takiego samego wrażenia, ale jego wywołujące dreszcze obrazy służą jako solidne przypomnienie, że Verbinski lepiej czuje się w gatunku horroru niż wielu innych reżyserów, którzy w nim żyją. -DE

Karyn Kusama

Picasa

Kusama po filmach „Girlfight” i „Aeon Flux” w 2009 roku, w szalenie zabawnym i rozkosznie krwawym „Jennifer’s Body”, podążyła w nowym, szokującym kierunku,”, w którym połączyła swoją miłość do gatunku horroru i zrozumienie surowego terroru bycia kobietą. Jej „The Invitation” z 2015 roku w podobny sposób porusza nietypowe tematy społeczne, a wszystko to opakowane w jednomiejscowy dreszczowiec, który w równym stopniu opowiada o psychicznym niepokoju, jak i o wielkich, przerażających, sekretnych motywach, które mogłyby z powodzeniem napędzać każdy horror. Jej udział w niedawnej antologii filmów kobiecych „XX” pokazał jej umiejętności w rewidowaniu klasycznych opowieści grozy z pomysłowym twistem (to „Dziecko Rosemary”, ale nie), a jej ucho do dialogów i uwaga poświęcona postaciom sprawiają, że jej praca pozostaje przyzwoita nawet wtedy, gdy wszystko wymyka się spod kontroli. W najbliższym czasie zajmie się thrillerem w postaci „Destroyer” z Nicole Kidman w roli głównej, ale pierwsze informacje – że chodzi o kulty! – wskazuje na to, że Kusama trzyma się swoich najmroczniejszych impulsów. -KE

Alexandre Aja

New French Extremity wprowadził do świata filmu głosy, które szokowały seksem i przemocą, i nie minęło wiele czasu, zanim ruch ten rozgałęził się na horror. Komentarz społeczny przeplatał się z brutalnym i przesiąkniętym krwią body horrorem, a „Wysokie napięcie” Alexandre’a Aja jest jednym z najlepszych filmów tego podgatunku. Aja zdołał odnaleźć nowe życie jeszcze długo po upadku tego podgatunku, łącząc nową francuską ekstremę z amerykańskim horrorem w remake’ach takich jak „Wzgórza mają oczy” i „Maniak”, których był producentem. Aja nadal szokuje zarówno jako reżyser, jak i producent, nie pozwalając nikomu stanąć między widzami a dobrym strachem. -Jamie Righetti

Rob Zombie

Marsha Blackburn LaMarca

Rob Zombie bez skrępowania nosi swoje wpływy na rękawie, ale to część tego, co sprawia, że jego propozycje horrorów są tak dobre. „Dom 1000 trupów” może i jest jego reimaginacją „Teksańskiej masakry piłą mechaniczną”, ale przesiąknięty jest czarnym humorem i genialnym zwrotem akcji na końcu, który przypomina widzom, że Zombie wciąż opowiada swoją własną historię. Od jego ponurej, białej tandety we franczyzie „Halloween” do czarownic żyjących pysznie i mszczących się w „Panach z Salem”, Zombie wyrzeźbił swój własny głos w horrorze, taki, który wypełnia elementy grozy zawarte w jego muzyce lekcjami, które Zombie skrzętnie pobierał od mistrzów kina. -JR

4. M. Night Shyamalan

Technicznie, M. Night Shyamalan swoim najbardziej chwalonym filmem – sześciokrotnie nominowanym do Oscara „Szóstym zmysłem” – zamknął poprzednie stulecie, ale to właśnie on pozostaje miernikiem wszystkich kolejnych filmowych zwrotów akcji, czyniąc z reżysera zdobywcy wielu nagród zręcznym rzemieślnikiem, który w jednym scenariuszu potrafi połączyć zniuansowaną i śmiałą fabułę. W ciągu trzech lat „Szósty zmysł”, superbohaterska saga „Niezniszczalni” i thriller o kosmitach „Znaki” zarobiły 1,3 miliarda dolarów w światowym box office. Przez następne kilkanaście lat jego filmy wciąż zarabiały pieniądze, nawet jeśli czasem nie dało się o nich zapomnieć, a jeszcze częściej były odrzucane. Jednak ostatnie „Wizyta” i „Split” – druga część trylogii zapoczątkowanej przez „Niezniszczalnych” – oznaczają wielki powrót (jego znane introspekcje na temat religii, niepełnych rodzin i utraty kontroli nad ciałem stają się jeszcze bardziej przerażające w obecności kanibali). W rozmowie z BBC opisał swój znak firmowy w następujący sposób: „Biorę coś, co można nazwać historią rodem z filmów klasy B, poruszam tematy rodem z filmów klasy B, a pod względem podejścia, ekipy, aktorów, etyki i tak dalej, traktuję to tak, jakby to był film klasy A”. To filozofia, którą, jak się wydaje, przekazał braciom Duffer („Stranger Things”), którzy swoją pierwszą telewizyjną pracę dostali od Shyamalana za sprawą „Wayward Pines”. -Jenna Marotta

Ben Wheatley

To nie przypadek, że najstraszniejszy film Bena Wheatleya jest jednocześnie jego najlepszym. Pierwsze wrażenie zrobił solidnym „Tarasem w dole”, ale dopiero w „Kill List” angielski twórca położył kres wszelkim wyobrażeniom o drugorzędnym niepowodzeniu i naprawdę stał się sobą. Ten przerażający w najlepszy możliwy sposób film, z kompletnie zakręconym zakończeniem, utorował drogę dla innych pogromców gatunku, „Sightseers” i „A Field in England”. Choć Wheatley nigdy nie zadowalał się pozostaniem w granicach horroru – ani żadnego innego gatunku, tak naprawdę – wielokrotnie pokazywał, że to właśnie w nim jest najlepszy. Nawet gdy pracuje w różnych trybach, jak w „A Field in England” i „High-Rise”, jego impuls jest tak niepokojący – coś, co niewielu innym współczesnym filmowcom udaje się lepiej. -MN

Guillermo del Toro

Twórca stworzeń równie pięknych, co przerażających, to, co najbardziej imponuje w pełnym wyobraźni stylu reżyserskim Guillermo del Toro, to fakt, że przenosi się on z jego eleganckich filmów gatunkowych na jego pełne artyzmu filmy z gatunku blockbuster fare. Od wczesnych klasyków horroru, takich jak „Cronos”, surrealistycznej opowieści o wampirach, po mściwą historię o duchach „The Devil’s Backbone”, del Toro nadaje swoim alegoriom niesamowitości, tworząc przejmujące horrory o ciemnej stronie ukrytej w każdej pięknej fantazji. To zestawienie światła i mroku nigdy nie było bardziej widoczne niż w jego najbardziej uznanym filmie, „Labiryncie Pana”. Del Toro tworzy mityczny świat, w którym wyobraźnia pewnego dziecka chroni je przed prawdziwą traumą, ale zagraża mu w przepięknej – choć koszmarnej – fantazji. Dzięki bujnemu stylowi del Toro i jego umiejętności opowiadania fascynujących historii, podniósł on poprzeczkę dla wszystkich twórców filmów gatunkowych, łamiąc zasady i zacierając granice. -Jude Dry

James Wan

Michael Tackett

„Piła.” „Insidious.” „The Conjuring.” Nie sposób omawiać jednych z najlepszych horrorów stulecia bez przywołania Jamesa Wana. Za sprawą „Piły” Wan odmłodził amerykański horror, który popadł w marazm po tym, jak pod koniec lat 90. oszalał na punkcie slasherów, a przy okazji stworzył fenomen, który objął osiem filmów, w tym październikową „Jigsaw” i jedno z najbardziej przerażających stworzeń horroru – Billy’ego the Puppet. Nie jest przesadą powiedzieć, że Wan jest Wesem Cravenem XXI wieku, ponieważ stoi za wieloma horrorami, w tym „The Conjuring”, który wciąż się rozwija i odnotowuje ogromne zyski kasowe. Od przerażających zakonnic po złowrogie lalki, James Wan dokładnie wie, co sprawia, że boimy się zarówno wtedy, gdy światła są włączone, jak i wtedy, gdy są wyłączone. -JR

Bądź na bieżąco z najnowszymi wiadomościami filmowymi i telewizyjnymi! Zapisz się do naszych biuletynów e-mailowych tutaj.