WTF este… Performance Art?

Poate că ați auzit că James Franco și Lady Gaga sunt artiști de performanță, că carierele lor în sine sunt obiecte de artă construite de-a lungul vieții. Este posibil să credeți, de asemenea, că unchiul vostru Bob care trage pârțuri pe alfabet este artă de performanță. Și poate că așa este! Serios, depinde de tine, nu există un grafic simplu și rapid pentru a spune ce este artă de performanță și ce nu este. Cu toate acestea, există câteva linii directoare care trebuie urmate atunci când se definește performance-ul, în contextul istoriei acestui mediu, precum și al practicii sale actuale. În ciuda a ceea ce ați auzit, există motive întemeiate pentru care a fi purtat într-un ou la Grammy nu este cu adevărat un act de artă performativă.

Dacă ar fi să atribuim artei performative o singură caracteristică definitorie, aceasta ar fi, probabil, faptul că o piesă de artă performativă trebuie să fie centrată pe o acțiune desfășurată sau orchestrată de un artist, un gest artistic mai degrabă bazat pe timp decât permanent, care are un început și un sfârșit. Documentarea performance-ului ar putea trăi pentru totdeauna, de la fotografii și artefacte la documentație video completă, dar performance-ul în sine este efemer. Dacă ați fost suficient de norocoși să fiți în public, atunci ceea ce ați văzut a fost adevărata operă de artă performativă. Restul dintre noi vedem doar rămășițele, oricât de iconice ar fi.

Deși istoricii de artă îi citează adesea pe futuriști și dadaiști printre primii practicanți ai artei performative, arta performativă a luat ființă ca mișcare discretă la sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960, printre primii practicanți numărându-se artistul-șaman Joseph Beuys, artista Fluxus Yoko Ono și creatorul „Happenings” Alan Kaprow. Cu toate acestea, doar pentru că acești artiști au fost pionierii artei performative nu înseamnă că au creat doar piese de performance. Arta performativă nu este definită de cariera artistului, ci mai degrabă de piesa individuală – un pictor poate face un performance și un artist de performance poate face o pictură. Primele piese de performance erau evenimente foarte interdisciplinare, care amestecau muzica, recuzita sculpturală, instalația imersivă și muzica. „18 Happenings in 6 Parts” (18 întâmplări în 6 părți), realizată de Kaprow în 1959, „a implicat un public care se mișca împreună pentru a experimenta elemente precum o formație care cânta la instrumente de jucărie, o femeie care stoarce o portocală și pictori care pictează”, potrivit necrologului artistului din 2006 al criticului de artă Holland Cotter de la New York Times.

Alte performance-uri au fost mai austere. În „I Like America and America Likes Me”, realizată de Bueys în 1974, artistul a stat într-un spațiu al unei galerii timp de trei zile, înfășurându-se în pâslă și împărțind spațiul cu un coiot sălbatic. O piesă de artă performativă nici măcar nu trebuie neapărat să aibă un public; trebuie doar să aibă loc. Performanțele artistei cubanezo-americane Ana Mendieta, multe dintre ele implicând depresiuni în formă de figuri umane săpate în peisaje în aer liber, există acum doar sub formă de fotografii. Nimeni nu a fost martor al lucrării, cu excepția aparatului foto și a fotografului. Cu toate acestea, fotografia nu este obiectul de artă; de fapt, este aproape incidentală față de actul original.

„Acțiunea este arta, nu atât de mult rezultatul fizic”, spune curatorul de artă performativă și co-directorul Performance-only Grace Exhibition Space, Erik Hokanson. „De multe ori, există puțin sau deloc alt rezultat în afară de ceea ce gândești sau simți când pleci de la piesă.” Un alt exemplu în acest sens ar fi piesele timpurii ale artistului german Anselm Kiefer, în care artistul s-a fotografiat făcând salutul nazist în peisaje din Europa. Fotografiile sunt puternice, dar actul este cel care ne amintește de amintirea încă vie a expansiunii Germaniei naziste pe continent. Observă artistul de performance și curatorul Peter Dobill într-un e-mail: „Arta de performance … există doar în timpul în care este creată, dar este adesea privită în perpetuitate prin documentare.”

Ideea de performance versus document a devenit evidentă pe măsură ce arta de performance s-a afirmat ca mediu. Atunci când un performance este documentat și lucrarea rezultată devine o icoană istorică a artei, ar trebui ca meritul să revină fotografului sau performerului? O expoziție recentă a Muzeului de Artă Modernă a pus această întrebare. Dar, din nou, performance-urile nu au nevoie de documentare pentru a fi eficiente. O performanță reușită „ține de cât de bine reușește artistul să-și transmită ideea”, spune Hokanson.

Întrebați-vă, așadar: „performanța” cu ouă a lui Lady Gaga vă provoacă vreun gând mai profund despre actul în sine? Oare cântatul la un pian în formă de extraterestru în cizme Alexander McQueen creează vreun simbolism abstract? Oare pârțâitul alfabetului are o semnificație durabilă dincolo de existența sa efemeră? Probabil că nu.

* * *

Câteva interpretări iconice:

Joseph Beuys „How to Explain Pictures to a Dead Hare” (1965)

Chris Burden’s „Shoot” (1971)

Vito Acconci’s „Seedbed” (1972)

.

Carolee Schneemann’s „Interior Scroll” (1975)

Marina Abramovic’s „The Artist is Present” (2010) (văzut în partea de sus)

* * * *

În ciuda acestei liste, construirea unui canon al artei spectacolului este un fel de sarcină ironică. Calitatea efemeră a mediului în sine înfrânge procesul normal de construire a unei istorii a artei – adică așezarea obiectelor într-o cronologie, compararea lor, reexaminarea lor decenii sau secole mai târziu. Adevărata fructificare a artei performative are loc doar o singură dată și doar pentru un anumit set de martori. Cum pot criticii și cercetătorii să se uite apoi la ei în analiză? Răspunsul este cu dificultate. Controversa se învârte în jurul ideii de repunere în scenă a spectacolelor – poate fi recreată o piesă originală de artă performativă sau ar trebui să fie recreată? Marina Abramovic s-a confruntat cu aceste întrebări în retrospectiva sa din 2010 de la MoMA, pentru care a antrenat actori și artiști de performanță pentru a reconstitui propriile sale spectacole iconice. De asemenea, artista a repus în scenă piese istorice de performance art în propriile sale versiuni cu „Seven Easy Pieces” în 2005.

Cu toate acestea, pe măsură ce arta performance-ului se maturizează, vom continua să ne luptăm pentru a afla cum să o conservăm cel mai bine. Și aceasta este probabil cea mai mare problemă cu care se confruntă arta performance-ului ca disciplină – cum facem ca nisipul să nu ne cadă printre degete în calitate de critici, scriitori, studenți, curatori și artiști?

.