Animation och live action är inte ofta filmiska kompisar, främst på grund av att de är så olika konstformer. Men den aktuella lanseringen av Life, Animated, dokumentären om ett autistiskt barn som använde animerade Disneyfilmer för att förstå världen, är en påminnelse om att det finns imponerande undantag. Ibland kan live action och animation mötas, inte bara för att kombinera tecknade och mänskliga världar (Mary Poppins, Space Jam, Who Framed Roger Rabbit), utan för att samarbeta mot ett större konstnärligt mål. Här är åtta filmer vi älskar där de två medierna kolliderar, och vad de uppnådde genom att göra det.
Life, Animated
Animation används genom hela Life, Animated för att visualisera minnen och minnen från Owens, filmens subjekts, barndom som inte har något bildmaterial. Men det finns särskilt en sekvens som sticker ut: en animerad anpassning av en berättelse kallad ”The Land of the Lost Sidekicks” som Owen skrev som barn och som avslöjar hans känslor om sig själv, Disney och världen. Regissören Roger Ross Williams samarbetade med den franska designstudion Mac Guff – närmare bestämt dess ägare Philippe Sonrier och konstnärerna Mathieu Betard och Olivier Lescot – för att väcka berättelsen till liv med enkla, men livliga blyertsteckningar och färganvändning. Det som sticker ut med den färdiga produkten är inte bara att sekvensen är vackert animerad, eller ett mycket lämpligt kreativt val för dokumentärens ämne (en person med kärlek till animation) – det är att den använder animation för att ge oss visuell och empatisk tillgång till Owens sinne, vilket gör det möjligt för oss att se en värld som annars inte skulle vara tillgänglig.
Hedwig and the Angry Inch
När Hedwig, en genusqueer rockmusiker, börjar sjunga ”The Origin of Love” i denna kultfilmmusikal, skulle parningen med en animerad representation av sångens berättelse (baserad på en från Platons Symposium) kunna avfärdas som musikvideoliknande. Men animationen är mer än så. För det första bidrar animatören Emily Hubleys blandning av Picasso-liknande figurer och sagoboksbilder till att levandegöra myten på ett sätt som kanske hade varit svårt för vissa att visualisera på annat sätt. Samtidigt gör animationen det möjligt för oss att bättre dra kopplingen mellan Platons berättelse och Hedvigs egen. Effekten visar hur man genom att blanda animation med live action kan lägga till ett stort tematiskt djup.
The Fall
Tarsem Singhs underskattade film – om en stuntman på ett sjukhus som berättar historier för en ung flicka som visualiseras i fantastiska, livfulla sekvenser – saknar inte visuell prakt. Men ett särskilt anmärkningsvärt ögonblick är när flickan genomgår en operation och får en mardröm som skildras i stop-motion. Det är en mörk och störande sekvens som är animerad av bröderna Lauenstein och som visuellt känns malplacerad i förhållande till resten av filmen. Men det är just därför den är så effektiv: den illustrerar hur kraftfulla hennes undermedvetna rädslor är och hur abstrakt det sätt på vilket barn försöker förstå världen kan vara. På så sätt illustrerar användningen av stop-motion-animation dessa kvaliteter på ett sätt som en sekvens med live-action aldrig hade kunnat göra.
Kurt Cobain: Montage of Heck
När regissören Brett Morgen upptäckte en inspelning som Kurt Cobain gjorde på ett kassettband och som beskrev ett formativt tidigt sexuellt möte och ett självmordsförsök, visste han inte genast hur han skulle sätta in det i sin film. Så småningom bestämde han sig för vad som skulle bli en fyra minuter lång animationssekvens med en enda cell som är en av filmens höjdpunkter. De 6 000 bilderna och 60 oljemålningar som den består av skapades under fyra månader av Hisko Hulsing, en nederländsk animatör, med ett team på mer än två dussin personer. Resultatet är inte bara anmärkningsvärt för att det känns som en fristående kortfilm, utan visar också hur uppfinningsrik animering kan hjälpa dokumentärer att visualisera material som det inte finns något material för. Den utmärker sig för att den med sin stämningsfulla, mörka estetik hedrar och framhäver Cobains berättande, konstnärliga sinne och världsåskådning.
Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater har aldrig varit en konventionell filmskapare, och Waking Life och A Scanner Darkly kan vara två av hans mest okonventionella filmer. Det beror till stor del på deras surrealistiska och förvirrande estetik där animation och live-action läggs ihop. Båda filmernas visuella effekter skapades genom att filmerna först spelades in normalt med digital video. Sedan användes rotoscoping – en metod där live-action-material spåras över med animation – med ett särskilt program som heter Rotoshop. Det som utmärker Linklaters filmer är hur effektivt de använder animation för att komplettera filmernas världar och stämningar. De eteriska funderingarna om filosofi och existentialism i Waking Life återspeglas fint i de vingliga svängningarna i filmens animation. När det gäller A Scanner Darkly fångas Philip K. Dicks paranoida, dystopiska näraframtidsvärld lika väl av det välbekanta, men märkliga, utseendet hos den rotoscoping som tillämpas på Keanu Reeves och hans medspelare. Det är inte en blandning som skulle fungera för alla filmer, men det är svårt att föreställa sig att någon av dessa skulle vara lika effektiv utan den.
Diary of a Teenage Girl
Adpteringen av Phoebe Glockners grafiska roman om tonårskonstnären Minnies sexuella uppvaknande är genomgående punkterad med huvudpersonen som interagerar med sin egen konst. Bilderna som Minnie ser och pratar med – alla handtecknade av den isländska Brookyliniten Sara Gunnarsdottir – används mer likt animationen i Life, Animated: för att ge tillgång till en persons (eller i det här fallet en fiktiv karaktärs) inre värld. Det som är särskilt bra med Diary of a Teenage Girl är att animationen speglar Minnies egen konst, vilket gör att vi får se hur en konstnär som hon ser världen som en ständig inspirationskälla för sitt arbete.
Monty Python and the Holy Grail
Monty Pythons komiska stil har alltid varit animerad, så användningen av animation i gruppens klassiska parodi på den arthuriska legenden kändes alltid som en naturlig del av filmen. Illustrationerna mellan berättelserna om de olika odugliga riddarna av det runda bordet har också ett funktionellt syfte. De utgör kapitelavbrott, samtidigt som de speglar utseendet på illustrationer från medeltiden. Men när Terry Gilliam animerade teckningarna (som baserade dem på klotter som munkar ritade i manuskript på medeltiden) tillförde han också ett mervärde: humor. Liksom i många av hans andra Python-arbeten glider mellanspelet sömlöst in i den glada barnsliga komik som återfinns i resten av berättelsen.
Waltz With Bashir
Ari Folmans dokumentärfilm som undersöker hans egna förlorade minnen från Libanonkriget 1982 är inte ett ämne som man omedelbart skulle vilja se som ett animationsobjekt. Men filmens uppfinningsrika stil – mörk men ändå vacker – bidrar i hög grad till att frammana den drömlika känslan av minnen som långsamt kommer tillbaka. Filmens utseende uppnåddes med en slags förvisualiseringsprocess i oordning: intervjuer och scener spelades först in på ljudscener, förvandlades sedan till storyboards och animerades sedan med hjälp av Adobe Flash, samt klassisk och 3D-animering. Den slutgiltiga effekten är svår att beskriva utan att ha sett den, men när du har gjort det är det svårt att föreställa sig att Waltz With Bashirs historia kan berättas på något annat sätt. Det är för övrigt det som förenar alla filmer som på ett kreativt sätt använder animation och live action tillsammans: det är aldrig som en gimmick eller ett skämt, utan som ett sätt att berätta en viss historia på bästa möjliga sätt.
Vilka andra filmer som blandar animation och live action älskar du? Dela med dig av dina favoriter i kommentarerna!