I våra tre första utgåvor av Treble’s Celebrate the Catalog undersökte vi karriärerna för några av de mest anmärkningsvärda artisterna som uppstod ur indie- och alternativrockrörelserna på 80- och 90-talen. Men hur ambitiöst det än hade varit att ta itu med alla Sonic Youths studioalbum, kändes tiden mogen för att starta ett ännu mer djärvt diskografiprojekt: För tjugo år sedan förlorade världen en av sina mest otroliga och begåvade musiker: jazztrumpetaren, kompositören och bandledaren Miles Davis. Få andra artister gjorde ett så massivt avtryck på jazzen och populärmusiken som Davis gjorde, och hans nästan fem decennier av framträdanden ger upphov till ett verk som sträcker sig från hyllat till kontroversiellt. Från slutet av 40-talet och fram till 70-talet stod han i spetsen för varje större rörelse inom jazzen, från cool jazz till hard bop, modal jazz till fusion. Och inom dessa rörelser hämtade han inspiration från en mängd olika stilar, vare sig det gäller de traditionella spanska elementen i Sketches of Spain, de rabiata rock’n’roll-ljuden i A Tribute to Jack Johnson eller den otäcka funken i On the Corner.
Att lyssna på Miles Davis är att lyssna på en sann utforskning av musiken. Ibland lät hans album mer komponerade och melodiska, medan de ibland var främmande och förvirrande. Davis var den typ av artist för vilken experimenterande betydde frihet och visioner. Genom att aldrig låta någon stil dominera lämnade han små möjligheter för någon av hans musik att bli uttjatad. Och genom att ha försökt sig på så många olika ljud och tekniker har han liknats vid Pablo Picasso. Hans inflytande är dock oöverskådligt, eftersom han inte bara har påverkat jazzen utan även rock, elektronik och hiphop. Det faktum att han inte var rädd för att göra musik som vissa människor kanske inte skulle gilla, åtminstone inte omedelbart, talar verkligen för hans djärvhet som kompositör, musiker och bandledare. Och även om Davis hade sin del av mörka perioder, från drogmissbruk till depression, är den musik han lämnar efter sig enorm, och en stor del av den är absolut nödvändig.
Att ta sig an Davis hela studiodiskografi skulle vara ofattbart förbjuden; med 67 studioalbum skulle det kunna ta en månad att bara lyssna på dem alla. Så, i en liten twist på Celebrate the Catalog modus operandi, har jag valt att välja ut 20 av Davis album, för att hedra de 20 år som gått sedan hans bortgång, med inspelningar från alla hans anmärkningsvärda epoker: Prestige-åren, hans tidiga Columbia-inspelningar, samarbetet med Gil Evans, hans kvintettinspelningar från mitten och slutet av 60-talet, de ”elektriska” åren och hans något mindre väl mottagna 80-talsinspelningar. Denna utvalda Miles Davis-diskografi är en musikalisk resa som inte liknar någon annan. Här är vår syn på 20 Miles Davis-album som rangordnats, betygsatts, utvärderats och fått en närmare genomlyssning.
Köp dessa album hos Turntable Lab
Cookin’ With the Miles Davis Quintet
(1957, Prestige)
Med nästan 70 album i Miles Davis repertoar, varav ett stort antal spelades in och släpptes på 50-talet, är det svårt att veta exakt var man ska börja. Han släppte många korta LP-skivor tidigt som kan visa sig vara intressanta artefakter när det gäller hans utveckling som artist, men Davis första riktigt intressanta serie album är en kvartett som spelades in med hans första kvintett, som är uttagen från två inspelningssessioner 1956. Var och en av dessa skivor bär ett liknande namn – Cookin’, Workin’, Relaxin’ och Steamin’ – men den första i serien, Cookin’ with the Miles Davis Quintet är en klar föregångare i denna serie. Albumet består av fyra måttligt långa stycken och är ett starkt dokument av kvintettens färdigheter. Som Davis sa om albumets titel, gick bandet bara in i studion och lagade mat. Jämfört med en stor del av Davis diskografi är det en mycket okomplicerad skiva utan några svaga länkar, även om gruppens tolkning av ”My Funny Valentine” verkligen är skivans lysande stjärna. Och där Davis praktiserade mer återhållsamhet under senare år är hans fantastiska trumpetsolon en huvudfokuspunkt på skivan. Davis skulle senare höja sig över det här albumet, men det är utan tvekan hans första stora album.
Rating: 8,9 av 10
Birth of the Cool
(1957, Capitol)
Birth of the Cool är, förutom att vara Lisa Simpsons favoritskiva, känd för att vara, i huvudsak, födelsen av ”cool jazz”. Birth of the Cool är en sammanställning av spår från olika sessioner som spelades in i slutet av 40-talet och början av 50-talet och är ett mycket annorlunda sound från Davis än den hard bop-stil som han hade fulländat på sina tidiga Columbia-plattor, eller för den delen sina mer experimentella fusionsplattor från 60- och 70-talen. I samarbete med arrangören Gil Evans, som senare skulle visa sig vara en mycket värdefull partner på senare års banbrytande verk, leder Davis en nonett som balanserar big band- och swingelement med mer avslappnade bop-ljud för att skapa något onekligen coolt. Det är stilfullt och kortfattat, med de flesta spår som inte är längre än tre minuter, och ganska livligt därtill. Med det enda undantaget av det töntiga vokalstycket ”Darn That Dream” finns det inte ett dåligt spår i gruppen, men samtidigt finns det inte många spår som verkligen slår till på samma sätt som något som ”So What” eller ”Shhh/Peaceful” gör. Med det sagt kan man knappast älska jazz utan att gilla Birth of the Cool, för den är helt enkelt så jävla… cool.
Rating: 8,7 av 10
Round About Midnight
(1957, Columbia)
Miles Davis första album för Columbia är också hans första riktiga stunner. Ännu mer än på Relaxin’, Cookin’, Workin’ and Steamin’ låter kvintetten otroligt dynamisk och övergår smidigt mellan hisnande ballader och livliga hardbopstycken. Den slingrande harmoniseringen på ”Ah-Leu-Cha” är lika svindlande som fascinerande, och kvintettens tolkning av Thelonious Monks ”Bye Bye Blackbird” är verkligen underbar. Men showens stjärna är det andra Monk-skrivna spåret på albumet, nattliga titelspåret ”Round Midnight”. Låten är en stämningsfull ballad med en bara lite mörk atmosfär och är ett av Davis mest minnesvärda framträdanden. Faktum är att det är Davis gråtande trumpetmelodi som gör den här låten till en sådan käftsmäll, eftersom hans långsamma, sensuella framförande drar in lyssnaren i en kylig noir-miljö. Det är ett sound som absolut aldrig sliter ut sitt välkomnande. Och det ikoniska skivomslaget matchar musikens ljud perfekt. Miles stödjer sig på sin arm, badar i rött ljus och ser avlägsen men kraftfull ut. Det är den första inspelning av Davis som känns som ett verkligt komplett album, och ett stort steg framåt i hans konstnärliga utveckling. Kom bara ihåg att albumets titel nästan är en uppsättning instruktioner, eftersom det låter bäst runt tiden då klockan slår 12.
Rating:
Relaxin’ with the Miles Davis Quintet
(1958, Prestige)
Relaxin’ är det andra albumet i en serie av album med liknande titlar som spelades in med Miles Davis Quintet, och Relaxin’ lägger stor vikt vid hela konceptet ”relaxin'”. En teckning av en kvinna som består helt och hållet av trianglar vilar på skivans omslag och för att fånga den lösa, avslappnade känslan av sessionerna är skivan en av de sällsynta Davis-inspelningar där man faktiskt pratar i studion. Så ja, det här är verkligen en mycket avslappnad inspelning, särskilt när den jämförs med de andra albumen i in’-serien. Men den är också mycket njutbar. Talangen hos Davis kvintett, där även John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers och Philly Joe Jones ingår, är obestridlig. De är en imponerande enhet, och även om sessionerna var en del av en maratonsekvens av inspelningar känns ingenting påtvingat eller överarbetat. De bara… slappnar av. Och även om Davis överlag skulle överträffa den här utgåvan med mer än ett dussin av sina Columbiautgåvor, är det här en solid utgåva, och inget dåligt tillägg för alla som planerar att starta en jazzsamling.
Rating: I slutet av 50-talet och början av 60-talet spelade Miles Davis in en rad album tillsammans med den berömde arrangören och dirigenten Gil Evans, som tidigare arbetat med Davis på sessionerna som utgjorde Birth of the Cool, och det mest intressanta med dem, förutom den frodiga och massiva produktionen, är hur olika dessa samarbeten visade sig vara. De omfattade såväl brasilianska och spanska stilar som showtunes, som utgjorde källmaterialet till Porgy and Bess. Porgy and Bess är en omarbetad jazzversion av George Gershwins klassiska opera och är både ett bevis på styrkan i originallåtarna och på musikernas otroliga prestationer. Porgy and Bess är avsedd att höras som en helhet, men fungerar ändå bäst när den hörs från början till slut. Flödet och dramat på albumet är så noggrant och briljant utfört att albumet, även utan ord, förblir starkt känslomässigt och suggestivt. Men, som med de flesta av Davis klassiska jazzinspelningar, finns det verkligen några stora höjdpunkter, främst ”Prayer (Oh Doctor Jesus)”, ”I Loves You, Porgy” och, naturligtvis, ”Summertime”. Porgy and Bess är en mycket rik och detaljerad inspelning och det kan ta några lyssningar för att helt absorbera allt, men detta är på intet sätt ett hinder för att njuta av den. Det är en av Davis mest lättillgängliga utgåvor, förutom att vara en tidig höjdpunkt.
Rating:
Kind of Blue
(1959, Columbia)
Kind of Blue är utan tvekan det svåraste albumet att skriva om i Davis diskografi, helt enkelt för att det är den typ av skiva som troligen redan finns i biblioteken hos alla som läser det här inslaget, en berömd institution inte bara inom jazzen utan även inom populärmusikens historia. Det är Davis mest sålda album, som 2008 certifierades med fyrdubbelt platina och rankades som nummer 12 på Rolling Stones lista över de 500 bästa albumen genom tiderna. Så det är en stor sak. Och det finns en bra anledning till det. Till att börja med frigjorde Davis val att satsa på ”modal” improvisation, som bygger på en serie skalor snarare än ackordprogressioner, musikerna för att utforska mer äventyrliga, och för den delen melodiska, vägar. Denna metod, även om det inte var första gången Davis använde den, satte en ny hög standard för genren och påverkade i hög grad mycket av det som kom efteråt. Och så har vi musikerna, som alla gör fantastiska prestationer, från pianisten Bill Evans till saxofonisten Julian ”Cannonball” Adderly och den store John Coltrane, vars solo i ”So What” är ett verk av imponerande majestät i sig självt. En del av det unika med Davis som kapellmästare är att han aldrig är en övermäktig närvaro; han ger sina musiker utrymme att andas, men när han tar sina egna solon är de alltid kraftfulla och eleganta, vilket gäller genom hela Kind of Blue. Viktigast av allt är att Kind of Blue innehåller fem perfekta stycken, varav vart och ett är samtidigt skickligt utfört och extremt vackert. Det är ett perfekt album, vilket inte är något som vilken musiker som helst kan uppnå (än mindre flera gånger), och den typ av inspelning som kan öppna någons ögon för en helt ny värld av musik. Som Q-Tip en gång sa i en intervju: ”Det är som Bibeln – du har bara en i ditt hus.”
Rating: För att fullt ut förstå betydelsen av Davis samarbete med Gil Evans måste man förstå vad ”third stream” är. I huvudsak betecknar termen ”third stream” en typ av musik som existerar någonstans mellan jazz och klassisk musik, och i viss mån är detta den riktning som de två tog under en del av sin produktiva period av arbete tillsammans. Särskilt Sketches of Spain är deras mest vackert ambitiösa verk där de kombinerar välkända jazzteman med den klassiska musikens dramatiska elegans och orkesterarrangemang. På Sketches of Spain hämtade Davis och Evans inspiration från den spanska folktraditionen för att skapa ett stort och triumferande album som är mer jazz i estetik än i praktik. Improvisationen är minimal på Sketches, och dess försiktiga, kompositionella karaktär gör det till något av ett unikt urval i Davis katalog. Det är å ena sidan en dämpad skiva, en skiva som lugnar mer än många av Davis album hittills. Ändå är det också ett mycket dramatiskt album, med punktvisa utbrott som gör att det aldrig blir så artigt trevligt att det försvinner i bakgrunden. De nyanserade arrangemangen från Evans, för att inte tala om orkesterns storlek, gör i slutändan Sketches of Spain till ett album som, även om det är bra för stämningen, kräver en viss uppmärksamhet från lyssnaren. Varje detalj verkar dra in dig närmare, eftersom varje subtil rörelse avslöjar något nytt och fängslande. Även om Sketches of Spain inte har samma rykte som Kind of Blue när det gäller att introducera många till jazzen eller förändra hur de hör den, är den nästan lika väl ansedd och en lika stor konstnärlig skatt.
Rating: Quiet Nights är det sista av Davis album med arrangören och dirigenten Gil Evans. Quiet Nights anses i stort sett vara det sämsta av deras samarbeten, och ett ädelt misslyckande i allmänhet. Det betyder dock inte att det är ett dåligt album. Faktum är att det är ganska vackert, men det är otroligt kort och känns oavslutat. Det finns en bra anledning till detta: under tre inspelningssessioner under loppet av fyra månader fick Evans och Davis bara ihop ungefär 20 minuter användbart material, och för att betala de stora studiokostnaderna lade producenten Teo Macero till ett extra spår från en helt separat session och överlämnade produkten till Columbia för att visa att deras investering inte var förgäves. Davis godkände inte beslutet att släppa ett oavslutat projekt och arbetade inte med Macero igen på ytterligare några år. Med tanke på all denna information är det lätt att förstå varför albumet intar en besvärlig plats i Davis katalog, och för den delen varför det ses som en besvikelse. Med det sagt är det ganska njutbart, och trots sina brister har det en handfull bra spår, framför allt Davis tolkning av Antonio Carlos Jobims ”Corcovado” (varifrån albumet har fått sin titel). Beslutet att ta sig an brasilianska ljud som bossa nova var förmodligen en trendjakt från skivbolagen, med tanke på dess popularitet vid den tiden, och det är förståeligt att Davis kanske inte var lika entusiastisk över det. Men i sina starkaste stunder slår han det hela i botten. Och i sina sämsta stunder är den bara trevlig. Detta är på inget sätt en katastrof, bara en missad möjlighet.
Rating:
E.S.P.
(1965, Columbia)
Miles Davis gjorde några anmärkningsvärda bidrag till jazzen på 50-talet med sin första klassiska kvintett, men hans andra gav en ny port till utforskande och experimenterande. Davis första album med denna andra grupp (med Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter och en 19-årig Tony Williams) från 1965 överbryggar det tidiga 60-talets hard bop-produktion med den mer avantgardistiska inriktning som han skulle ta senare under decenniet. E.S.P., som är den första utgivningen med denna kvintett, är dock bara en försmak av vad som komma skall. Med det sagt är det ett gediget album. Den sträcker sig från mer avantgardistiska stycken som ”Eighty-One”, som blandar melodicism med skarp, punktvis rytmisk komplexitet, och mer avslappnade coola stycken som ”Mood”. Saker och ting skulle säkert bli mycket konstigare från och med nu, men E.S.P., som möjligen har fått sitt namn efter Davis kusliga förmåga att plocka upp ett musikstycke utan att behöva öva, är ett fint kapitel i hans diskografi.
Rating:
Miles Smiles
(1967, Columbia)
1963 blev Davis och Teo Macero lite osams efter fiaskot Quiet Nights. Macero hade gått emot Davis önskemål och gett Columbia masters till ett ofullbordat album för att släppa det i befintligt skick. Även om albumet faktiskt var halvbra, var det inte vad Davis ville ha, och i efterhand fanns det gott om utrymme för förbättringar, eller åtminstone för att ge det lite mer innehåll. År 1967 hade dock Davis och Macero lappat ihop sin professionella relation och arbetade tillsammans igen på Miles Smiles. Albumet fortsätter den vibrerande väg som lades ut på E.S.P. men med något mer lyckad effekt. Dynamiken mellan kvintettens musiker är fantastisk och det finns en obestridlig energi i sessionerna som är smittsam, även om det verkligen är ett steg bort från en del av det mer meloditunga materialet från tidigare i Davis karriär. Ett par nummer sticker särskilt ut. För det första tar öppningsspåret ”Orbits”, som är skrivet av Wayne Shorter, lyssnaren med på den ljudmässiga motsvarigheten till en åktur i berg- och dalbana, där kvintetten inleder ett av de mest uppfriskande spåren under sin karriär. Den andra stora höjdpunkten i mina öron är ”Footprints”, en annan komposition av Shorter och det längsta spåret på albumet. Det tar en dryg minut eller så innan kvintetten börjar bygga upp det groove som bär upp låten, men när de väl har kommit igång finns det ingen återvändo. Det är otroligt.
Rating: 9.0 av 10
Nästa: Sorcerer genom Aura