Animation og live action er ikke ofte filmiske selskabsfæller, især fordi de er så forskellige kunstformer. Men den aktuelle udgivelse af Life, Animated, dokumentarfilmen om et autistisk barn, der brugte animerede Disney-film til at forstå verden, er en påmindelse om, at der findes imponerende undtagelser. Nogle gange kan live action og animation mødes, ikke blot for at kombinere tegneserie- og menneskeverdener (Mary Poppins, Space Jam, Who Framed Roger Rabbit), men for at samarbejde om et større kunstnerisk mål. Her er otte film, vi elsker, hvor de to medier kolliderer, og hvad de opnåede ved at gøre det.
Life, Animated
Animation bruges i hele Life, Animated til at visualisere minder og erindringer fra Owen, filmens emne, barndom, som der ikke er optagelser af. Men der er især én sekvens, der skiller sig ud: en animeret bearbejdning af en historie kaldet “The Land of the Lost Sidekicks”, som Owen skrev som barn, og som afslører hans følelser om sig selv, Disney og verden. Instruktør Roger Ross Williams arbejdede sammen med det franske designstudie Mac Guff – nærmere bestemt dets ejer Philippe Sonrier og kunstnerne Mathieu Betard og Olivier Lescot – for at bringe historien til live med enkle, men livlige blyantstegninger og farvebrug. Det, der skiller sig ud ved det færdige produkt, er ikke kun, at sekvensen er smukt animeret, eller et meget passende kreativt valg for dokumentarens emne (en person med en kærlighed til animation) – det er, at den bruger animation til at give os visuel og empatisk adgang til Owens sind og giver os mulighed for at se en verden, som ellers ikke ville være tilgængelig.
Hedwig and the Angry Inch
Når Hedwig, en genderqueer rockmusiker, begynder at synge “The Origin of Love” i denne kultfilmsmusical, kunne parringen med en animeret fremstilling af sangens historie (baseret på en fra Platons Symposion) afvises som musikvideo-agtig. Men animationen er mere end det. For det første er animator Emily Hubleys blanding af Picasso-lignende figurer og eventyrbogsbilleder med til at bringe myten til live på en måde, som måske ellers ville have været svær for nogle at visualisere. Samtidig giver animationen os mulighed for bedre at tegne forbindelsen mellem Platons historie og Hedwigs egen historie. Effekten viser, hvordan man ved at blande animation med live action kan tilføje stor tematisk dybde.
The Fall
Tarsem Singhs undervurderede film – om en stuntmand på et hospital, der fortæller en ung pige historier, som visualiseres i fantastiske, levende sekvenser – mangler ikke visuel pragt. Men et særligt bemærkelsesværdigt øjeblik er, da pigen gennemgår en operation og har et mareridt, der er skildret i stop-motion. Det er en mørk og foruroligende sekvens, som er animeret af Lauenstein-brødrene, og som visuelt set er malplaceret i forhold til resten af filmen. Men det er netop derfor, at den er så effektiv: Den illustrerer, hvor stærk hendes underbevidste frygt er, og hvor abstrakt den måde, børn forsøger at forstå verden på, kan være. På den måde illustrerer brugen af stop-motion-animation disse kvaliteter på en måde, som en live-action-sekvens aldrig kunne have gjort.
Kurt Cobain: Montage of Heck
Da instruktør Brett Morgen opdagede en optagelse, som Kurt Cobain havde lavet på et kassettebånd, og som beskrev et tidligt, prægende seksuelt møde og selvmordsforsøg, vidste han ikke med det samme, hvordan han skulle inddrage den i sin film. Han besluttede sig til sidst for det, der skulle blive en fire minutter lang encellet animationssekvens, som er et af filmens højdepunkter. De 6.000 billeder og 60 oliemalerier, som den består af, blev skabt over fire måneder af den hollandske animator Hisko Hulsing med et hold på mere end to dusin mennesker. Resultatet er ikke kun bemærkelsesværdigt, fordi det føles som en selvstændig kortfilm, men det viser også, hvordan opfindsomme animationer kan hjælpe dokumentarfilm med at visualisere materiale, som der ikke er optagelser til. Den skiller sig ud ved at ære og fremhæve Cobains historiefortælling, kunstneriske sind og verdenssyn med sin stemningsfulde, mørke æstetik.
Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater har aldrig været en konventionel filmskaber, og Waking Life og A Scanner Darkly er måske to af hans mest ukonventionelle film. Det skyldes i høj grad deres surrealistiske og desorienterende æstetik, der lægger animation og live-action sammen. Begge filmenes visuelle udtryk blev skabt ved først at optage filmene normalt med digital video. Derefter blev der anvendt rotoscoping – en metode, hvor live-action-optagelser overtegnes med animation – med et særligt program kaldet Rotoshop. Det, der kendetegner disse Linklater-film, er, hvor effektivt de bruger animation til at supplere filmens verdener og stemninger. De æteriske overvejelser om filosofi og eksistentialisme i Waking Life afspejles fint i de vaklende svingninger i filmens animation. Hvad angår A Scanner Darkly, er Philip K. Dicks paranoide, dystopiske nærfremtidsverden lige så godt indfanget af det velkendte, men mærkelige udseende af den rotoscoping, der er anvendt på Keanu Reeves og hans medspillere. Det er ikke en blanding, der ville fungere i alle film, men det er svært at forestille sig, at nogen af disse film ville være lige så effektive uden den.
Diary of a Teenage Girl
Adapteringen af Phoebe Glockners grafiske roman om teenagekunstneren Minnies seksuelle opvågnen er hele vejen igennem punkteret med hovedpersonen, der interagerer med sin egen kunst. De billeder, som Minnie ser og taler med – alle håndtegnet af den islandske Brookylinite Sara Gunnarsdottir – bruges mere som animationen i Life, Animated: til at give adgang til en persons (eller i dette tilfælde en fiktiv figurs) indre verden. Det, der er særligt godt ved Diary of a Teenage Girl, er, at animationen afspejler Minnies egen kunst og giver os mulighed for at se, hvordan en kunstner som hende ser verden som en evig kilde til inspiration for sit arbejde.
Monty Python and the Holy Grail
Monty Pythons komiske stil har altid været animeret, så brugen af animation i gruppens klassiske parodi på arthuriske legender har altid føltes som et naturligt valg. Illustrationerne mellem fortællingerne om de forskellige uduelige riddere af det runde bord har også et funktionelt formål. De udgør kapitelafbrydelser, samtidig med at de afspejler udseendet af middelalderens illustrationer. Men ved at animere tegningerne leverede Terry Gilliam (som baserede dem på de doodles, som munke tegnede i manuskripter i middelalderen) også en merværdi: humor. Som med mange af hans andre Python-værker glider interludierne problemfrit over i den glade barnlige komik, der findes i resten af fortællingen.
Waltz With Bashir
Ari Folmans dokumentarfilm, der undersøger hans egne tabte erindringer fra Libanonkrigen i 1982, er ikke et emne, man umiddelbart ville sætte i forbindelse med animation. Men filmens opfindsomme stil – mørk og samtidig smuk – er i høj grad med til at fremkalde den drømmeagtige følelse af minder, der langsomt kommer tilbage. Filmens udseende blev opnået ved hjælp af en slags ufrivillig prævisualiseringsproces: interviews og scener blev først optaget på lydscener, der derefter blev omdannet til storyboards og derefter animeret ved hjælp af Adobe Flash samt klassisk og 3D-animation. Den endelige effekt er svær at beskrive uden at have set den, men når man først har set den, er det svært at forestille sig, at Waltz With Bashirs historie kan fortælles på nogen anden måde. Det er i øvrigt det, der forener alle film, der kreativt bruger animation og live action sammen: Det er aldrig som en gimmick eller en løjer, men som en måde at fortælle en bestemt historie på den bedst mulige måde.
Hvilke andre film, der blander animation og live action, er du vild med? Del dine favoritter i kommentarerne!