Animaatio ja elävä toiminta eivät useinkaan ole elokuvataiteellisia tovereita, lähinnä siksi, että ne ovat niin erilaisia taidemuotoja. Mutta nyt ilmestyvä Life, Animated -dokumenttielokuva autistisesta lapsesta, joka käytti animoituja Disney-elokuvia ymmärtääkseen maailmaa, muistuttaa, että on olemassa vaikuttavia poikkeuksia. Joskus elävä toiminta ja animaatio voivat yhdistyä, ei vain yhdistääkseen piirros- ja ihmismaailmat (Mary Poppins, Space Jam, Who Framed Roger Rabbit), vaan tehdäkseen yhteistyötä kohti suurempaa taiteellista päämäärää. Tässä on kahdeksan rakastamaamme elokuvaa, joissa nämä kaksi mediaa törmäävät toisiinsa, ja mitä niillä saavutettiin näin.
Life, animoitu
Animaatiota käytetään koko Life, animoitu -elokuvan ajan visualisoimaan elokuvan aiheena olevan Owenin lapsuuden muistoja ja muistoja, joista ei ole kuvamateriaalia. Mutta erityisesti yksi kohtaus erottuu edukseen: animaatio Owenin lapsena kirjoittamasta tarinasta ”Kadonneiden apureiden maa”, joka paljastaa hänen tunteensa itsestään, Disneystä ja maailmasta. Ohjaaja Roger Ross Williams teki yhteistyötä ranskalaisen suunnittelustudio Mac Guffin – erityisesti sen omistajan Philippe Sonrierin ja taiteilijoiden Mathieu Betardin ja Olivier Lescotin – kanssa tarinan herättämiseksi henkiin yksinkertaisilla mutta eloisilla lyijykynäpiirroksilla ja värien käytöllä. Lopputulos ei erotu vain siitä, että jakso on kauniisti animoitu tai että se on erittäin sopiva luova valinta dokumentin aiheelle (animaatiota rakastavalle henkilölle), vaan siitä, että animaation avulla saamme visuaalisen ja empaattisen pääsyn Owenin mieleen ja pääsemme näkemään maailman, jota ei muuten olisi saatavilla.
Hedwig and the Angry Inch
Kun Hedwig, genderqueer-rockmuusikko, alkaa laulaa ”The Origin of Love” -kappaletta tässä kulttielokuvamusikaalissa, parivaljakko, jossa laulun tarina esitetään animaationa (joka perustuu yhteen kappaleeseen Platonin Symposiumista), voitaisiin hylätä musiikkivideon kaltaisena. Animaatio on kuitenkin enemmän kuin sitä. Ensinnäkin animaattori Emily Hubleyn sekoitus Picasson kaltaisia hahmoja ja satukirjamaisia kuvia auttaa herättämään myytin eloon tavalla, jota joidenkin olisi ehkä ollut vaikea visualisoida muuten. Samalla animaation avulla voimme paremmin hahmottaa yhteyden Platonin tarinan ja Hedwigin oman tarinan välillä. Efekti osoittaa, miten animaation ja live actionin sekoittaminen voi lisätä suurta temaattista syvyyttä.
The Fall
Tarsem Singhin aliarvostetussa elokuvassa – joka kertoo sairaalassa työskentelevästä stunttimiehestä, joka kertoo nuorelle tytölle tarinoita, jotka on visualisoitu upeilla, eloisilla sekvensseillä – ei visuaalista loistoa puutu. Erityisen huomionarvoinen hetki on kuitenkin se, kun tyttö joutuu leikkaukseen ja näkee painajaisen, joka on kuvattu stop-motionilla. Lauensteinin veljesten animoima kohtaus on synkkä ja häiritsevä, ja se tuntuu visuaalisesti sopimattomalta muun elokuvan kanssa. Mutta juuri siksi se on niin tehokas: se havainnollistaa, miten voimakkaita hänen alitajuiset pelkonsa ovat ja miten abstrakti tapa, jolla lapset yrittävät ymmärtää maailmaa, voi olla. Tällä tavoin stop-motion-animaation käyttö havainnollistaa näitä ominaisuuksia tavalla, jota live-action-kohtaus ei olisi koskaan voinut tehdä.
Kurt Cobain: Montage of Heck
Kun ohjaaja Brett Morgen löysi Kurt Cobainin kasetille tekemän nauhoituksen, jossa kuvattiin erästä varhaista ja mullistavaa seksuaalisesta kohtaamista ja itsemurhayritystä, hän ei heti tiennyt, miten sijoittaa sen elokuvaansa. Hän päätyi lopulta neliminuuttiseen yksisoluiseen animaatiojaksoon, joka on yksi dokumentin kohokohdista. Jakson 6 000 ruutua ja 60 öljyvärimaalausta valmistuivat neljän kuukauden aikana hollantilaisen animaattorin Hisko Hulsingin ja yli kahden tusinan hengen tiimin voimin. Tulos ei ole merkittävä vain siksi, että se tuntuu itsenäiseltä lyhytelokuvalta, vaan myös siksi, että se osoittaa, miten kekseliäs animaatio voi auttaa dokumentteja visualisoimaan materiaalia, josta ei ole kuvamateriaalia. Se erottuu edukseen kunnioittaessaan ja korostaessaan Cobainin tarinankerrontaa, taiteellista mieltä ja maailmankuvaa tunnelmallisella, synkällä estetiikallaan.
Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater ei ole koskaan ollut konventionaalinen elokuvantekijä, ja Waking Life ja A Scanner Darkly lienevät kaksi hänen epäsovinnaisinta elokuvaansa. Tämä johtuu pitkälti niiden surrealistisesta ja hämmentävästä estetiikasta, jossa animaatio ja live-action yhdistyvät. Molempien elokuvien visuaalinen ilme luotiin kuvaamalla elokuvat ensin normaalisti digitaalisella videolla. Sen jälkeen käytettiin rotoscoping-menetelmää – menetelmää, jossa live-action-materiaalin päälle piirretään animaatiota – Rotoshop-nimisellä erityisohjelmalla. Linklaterin elokuvat eroavat toisistaan siinä, miten tehokkaasti animaatiota käytetään täydentämään elokuvien maailmoja ja tunnelmia. Waking Life -elokuvan eteeriset pohdinnat filosofiasta ja eksistentialismista heijastuvat hienosti elokuvan animaation aaltoilevissa vaihteluissa. A Scanner Darkly -elokuvassa Philip K. Dickin vainoharhainen, dystooppinen lähitulevaisuuden maailma vangitaan yhtä hyvin Keanu Reevesin ja hänen näyttelijätovereidensa tuttuun, mutta outoon rotoscoping-ilmeeseen. Se ei toimi kaikissa elokuvissa, mutta on vaikea kuvitella, että kumpikaan näistä olisi yhtä tehokas ilman sitä.
Teinitytön päiväkirja
Phoebe Glocknerin teinitaiteilija Minnien seksuaalisesta heräämisestä kertovan grafiikkaromaanin adaptaatiossa päähenkilö on koko ajan vuorovaikutuksessa oman taiteensa kanssa. Kuvia, joita Minnie näkee ja joiden kanssa hän keskustelee – kaikki islantilaisen Brookylinite Sara Gunnarsdottirin käsin piirtämiä – käytetään enemmänkin kuin animaatioita elokuvassa Life, Animated: ne tarjoavat pääsyn henkilön (tai tässä tapauksessa fiktiivisen hahmon) sisäiseen maailmaan. Erityisen hienoa Diary of a Teenage Girl -elokuvassa on se, että animaatio heijastaa Minnien omaa taidetta ja antaa meille mahdollisuuden nähdä, miten hänen kaltaisensa taiteilija näkee maailman jatkuvana inspiraation lähteenä töilleen.
Monty Python ja Graalin malja
Monty Pythonin komediallinen tyyli on aina ollut animaatiota, joten animaation käyttö seurueen klassisessa Arthurin legendan parodiassa tuntui aina luontevalta. Pyöreän pöydän eri taitamattomista ritareista kertovien tarinoiden välissä olevilla kuvituksilla on myös toiminnallinen tarkoitus. Ne katkaisevat luvut ja jäljittelevät samalla keskiaikaisten kuvitusten ulkoasua. Mutta animoidessaan piirrokset Terry Gilliam (joka perusti ne munkkien keskiaikaisiin käsikirjoituksiin piirtämiin doodleihin) tarjosi myös lisäarvoa: huumoria. Kuten monessa muussakin hänen Python-työssään, välikohtaukset liukuvat saumattomasti riemukkaaseen lapsikomiikkaan, jota löytyy muusta tarinasta.
Waltz With Bashir
Ari Folmanin dokumenttielokuva, jossa hän tutkii omia kadonneita muistikuviaan vuoden 1982 Libanonin sodasta, ei ole aihe, jonka voisi heti liittää animaatioon. Mutta elokuvan kekseliäs tyyli – synkkä mutta kaunis – herättää pitkälle unenomaisen tunteen muistojen hitaasti palaamisesta. Elokuvan ulkoasu saavutettiin eräänlaisella järjestyksen ulkopuolisella esivisualisointiprosessilla: haastattelut ja kohtaukset kuvattiin ensin äänilavoilla, sitten ne muutettiin storyboardeiksi ja animoitiin Adobe Flashilla sekä klassisella ja 3D-animaatiolla. Lopputulosta on vaikea kuvailla näkemättä sitä, mutta nähtyään sen on vaikea kuvitella Waltz With Bashirin tarinaa kerrottavan millään muulla tavalla. Tämä on muuten se, mikä yhdistää kaikkia elokuvia, joissa animaatiota ja live actionia käytetään luovasti yhdessä: se ei ole koskaan kikkailu tai pilailu, vaan tapa kertoa tietty tarina parhaalla mahdollisella tavalla.
Mitä muita animaatiota ja live actionia yhdisteleviä elokuvia sinä rakastat? Jaa suosikkisi kommenteissa!