Dans nos trois premières éditions de Celebrate the Catalog de Treble, nous avons examiné les carrières de certains des artistes les plus notables issus des mouvements indie et rock alternatif des années 80 et 90. Pourtant, aussi ambitieux qu’il ait pu être de s’attaquer à tous les albums studio de Sonic Youth, le moment semblait venu de lancer un projet de discographie encore plus audacieux : Les albums sélectionnés de Miles Davis.
Il y a vingt ans, le monde a perdu l’un de ses musiciens les plus incroyables et les plus doués : le trompettiste de jazz, compositeur et chef d’orchestre Miles Davis. Peu d’autres artistes ont eu un impact aussi massif sur le jazz et la musique populaire que Davis, ses près de cinq décennies de spectacle s’ajoutant à un corpus d’œuvres qui vont du célèbre au controversé. De la fin des années 40 jusqu’aux années 70, il a été à l’avant-garde de tous les grands mouvements du jazz, du cool jazz au hard bop, du jazz modal à la fusion. Et au sein de ces mouvements, il s’est inspiré d’un large éventail de styles, qu’il s’agisse des éléments traditionnels espagnols de Sketches of Spain, des sons rock’ n’ roll rauques de A Tribute to Jack Johnson ou du funk méchant de On the Corner.
Écouter Miles Davis, c’est entendre une véritable exploration musicale. Par moments, ses albums sonnent plus composés et mélodiques, tandis qu’à d’autres, ils sont étrangers et désorientants. Davis était le type d’artiste pour qui l’expérimentation était synonyme de liberté et de vision. En ne permettant jamais à un style de dominer, il ne laissait que peu de chances à sa musique de s’étioler. Et en s’essayant à tant de sons et de techniques différents, il a été comparé à Pablo Picasso. Son influence, quant à elle, est incommensurable, ayant eu un impact non seulement sur le jazz, mais aussi sur le rock, l’électronique et le hip-hop. Le fait qu’il n’ait pas eu peur de faire de la musique qui pouvait déplaire à certains, du moins pas immédiatement, témoigne de son audace en tant que compositeur, musicien et chef d’orchestre. Et bien que Davis ait eu sa part de périodes sombres, de l’abus de drogues à la dépression, le corps de musique qu’il laisse derrière lui est immense, et une grande partie d’entre eux absolument essentiels.
S’attaquer à l’ensemble de la discographie studio de Davis serait insondablement interdit ; avec 67 albums studio, juste pour les écouter tous pourrait prendre un mois. C’est pourquoi, pour célébrer le 20e anniversaire de sa mort, j’ai choisi de sélectionner 20 albums de Miles Davis, issus de toutes ses périodes de gloire : les années Prestige, les premiers enregistrements Columbia, les collaborations avec Gil Evans, les enregistrements en quintet du milieu et de la fin des années 60, les années « électriques » et les enregistrements des années 80, un peu moins bien accueillis. Cette discographie sélectionnée de Miles Davis est un voyage musical à nul autre pareil. Voici notre point de vue sur 20 albums de Miles Davis classés, notés, évalués et écoutés de plus près.
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Cookin’ With the Miles Davis Quintet
(1957, Prestige)
Avec près de 70 albums au répertoire de Miles Davis, dont un bon nombre enregistrés et publiés dans les années 50, il est difficile de savoir exactement par où commencer. Il a publié très tôt de courts LP qui pourraient s’avérer des artefacts intéressants en termes de développement en tant qu’artiste, mais la première série d’albums vraiment intéressante de Davis est un quartet enregistré avec son premier quintet, récolté lors de deux sessions d’enregistrement en 1956. Chacun de ces albums porte un nom similaire – Cookin’, Workin’, Relaxin’ et Steamin’ – mais le premier de la série, Cookin’ with the Miles Davis Quintet, est clairement un chef de file de cette série. Composé de quatre morceaux de longueur moyenne, l’album est un solide document sur les compétences du quintet. Comme Davis l’a dit à propos du titre de l’album, le groupe est simplement entré en studio et a cuisiné. Comparé à une grande partie de la discographie de Davis, c’est un disque très simple, sans aucun maillon faible, bien que l’interprétation de « My Funny Valentine » par le groupe soit certainement l’élément le plus brillant de l’album. Et si Davis a fait preuve de plus de retenue dans les années qui ont suivi, ses splendides solos de trompette sont le point central de l’album. Davis s’élèverait plus tard au-dessus et au-delà de cet album, mais c’est sans doute son premier grand album.
Rating : 8,9 sur 10
Birth of the Cool
(1957, Capitol)
Birth of the Cool, en plus d’être l’album préféré de Lisa Simpson, est remarquable pour être, essentiellement, la naissance du « cool jazz ». Une compilation de morceaux provenant de différentes sessions enregistrées à la fin des années 40 et au début des années 50, Birth of the Cool est un son très différent de Davis par rapport au style hard bop qu’il avait perfectionné sur ses premiers albums Columbia, ou d’ailleurs, ses disques de fusion plus expérimentaux des années 60 et 70. En collaboration avec l’arrangeur Gil Evans, qui s’avérera plus tard un partenaire très précieux sur des œuvres révolutionnaires, Davis dirige un nonet qui équilibre des éléments de big band et de swing avec des sons bop plus décontractés pour créer quelque chose d’indéniablement cool. L’album est stylé et succinct, la plupart des morceaux ne dépassant pas trois minutes, et assez vivant. A la seule exception du morceau vocal ringard « Darn That Dream », il n’y a pas de mauvais morceau dans le lot, mais en même temps, il n’y a pas beaucoup de morceaux qui étonnent de la même manière que « So What » ou « Shhh/Peaceful ». Cela dit, on peut difficilement aimer le jazz sans aimer Birth of the Cool, parce que c’est juste sacrément… cool.
Rating : 8,7 sur 10
Round About Midnight
(1957, Columbia)
Le premier album de Miles Davis pour Columbia est aussi son premier véritable coup d’éclat. Encore plus que sur Relaxin’, Cookin’, Workin’ and Steamin’, le quintet sonne incroyablement dynamique, passant avec agilité de ballades à couper le souffle à des morceaux hard-bop vivaces. L’harmonisation serpentine sur « Ah-Leu-Cha » est aussi vertigineuse que fascinante, et la reprise par le quintette de « Bye Bye Blackbird » de Thelonious Monk est vraiment magnifique. Mais la star du spectacle est l’autre morceau écrit par Monk sur l’album, le titre de la nuit « Round Midnight ». Ballade lunatique à l’atmosphère légèrement sombre, cette chanson est l’une des interprétations les plus mémorables de Davis. En fait, c’est la mélodie larmoyante de la trompette de Davis qui rend cette chanson si essentielle, car son interprétation lente et sensuelle entraîne l’auditeur dans un décor froid et noir. C’est un son qui ne s’épuise jamais. Et la pochette iconique de l’album correspond parfaitement au son de la musique. Miles s’appuie sur son bras, baigné dans une lumière rouge, l’air distant mais puissant. C’est le premier enregistrement de Davis qui donne l’impression d’être un album vraiment complet, et un grand bond en avant dans son développement artistique. N’oubliez pas que le titre de l’album est presque un mode d’emploi, car il sonne mieux au moment où l’horloge sonne 12 heures.
Rating : 9,1 sur 10.
Relaxin’ with the Miles Davis Quintet
(1958, Prestige)
Deuxième d’une série d’albums au titre similaire enregistrés avec le Miles Davis Quintet, Relaxin’ met assez lourdement l’accent sur tout le concept de « relaxin' ». Le dessin d’une femme composée uniquement de triangles est allongé sur la pochette de l’album et, pour capturer l’atmosphère détendue des sessions, l’album est l’un des rares enregistrements de Miles Davis à comporter un véritable badinage en studio. Alors oui, en effet, c’est un enregistrement très décontracté, surtout si on le compare aux autres albums de la série in’. Mais il est également très agréable. Le talent du quintette de Davis, qui comprend également John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers et Philly Joe Jones, est indéniable. Ils forment une unité impressionnante, et bien que les sessions fassent partie d’une séquence d’enregistrement marathon, rien ne semble forcé ou surchargé. Ils sont juste… en train de se détendre. Et alors que dans l’ensemble Davis dépasserait de loin cette sortie avec plus d’une douzaine de ses sorties Columbia, c’est une sortie solide, et pas un mauvais ajout pour quiconque prévoit de commencer une collection de jazz.
Rating : 8,4 sur 10
Porgy and Bess
(1958, Columbia)
À la fin des années 50 et au début des années 60, Miles Davis a enregistré une série d’albums avec le célèbre arrangeur et chef d’orchestre Gil Evans, qui avait déjà travaillé avec Davis sur les sessions qui ont constitué Birth of the Cool, et la chose la plus intéressante à leur sujet, en dehors de la production luxuriante et massive, est à quel point ces collaborations se sont avérées diverses. Ils ont abordé des styles brésiliens et espagnols ainsi que des showtunes, qui ont fourni la matière première de Porgy and Bess. Version jazz réimaginée de l’opéra classique de George Gershwin, Porgy and Bess témoigne à la fois de la force des chansons originales et de l’incroyable performance des musiciens. Destiné à être écouté comme un tout, Porgy and Bess fonctionne néanmoins mieux lorsqu’il est écouté du début à la fin, le flux et le drame de l’album étant si soigneusement et si brillamment exécutés que, même sans les paroles, l’album reste fortement émotionnel et évocateur. Mais, comme pour la plupart des enregistrements classiques de jazz de Davis, il y a certainement quelques morceaux marquants, dont les principaux sont « Prayer (Oh Doctor Jesus) », « I Loves You, Porgy » et, bien sûr, « Summertime ». Porgy and Bess est un enregistrement très riche et détaillé et il faut parfois quelques écoutes pour s’en imprégner complètement, mais ce n’est en aucun cas un obstacle pour l’apprécier. C’est l’une des sorties les plus accessibles de Davis, en plus d’être un point culminant précoce.
Rating : 9,0 sur 10
Kind of Blue
(1959, Columbia)
Kind of Blue est facilement l’album le plus difficile à écrire dans la discographie de Davis, simplement parce que c’est le genre de disque qui est probablement déjà dans les bibliothèques de tous ceux qui lisent cette fonctionnalité, une institution vantée non seulement dans le jazz, mais dans l’histoire de la musique populaire. Il s’agit de l’album le plus vendu de Davis, certifié quadruple platine en 2008, et classé 12e sur la liste des 500 meilleurs albums de tous les temps par Rolling Stone. Il s’agit donc d’une affaire importante. Et il y a une bonne raison à cela. Tout d’abord, le choix de Davis de poursuivre l’improvisation « modale », basée sur une série de gammes plutôt que sur des progressions d’accords, a permis aux musiciens d’explorer des voies plus aventureuses, voire mélodiques. Cette méthode, bien que Davis ne l’ait pas utilisée pour la première fois, a établi une nouvelle norme élevée pour le genre, influençant massivement une grande partie de ce qui a suivi. Et puis, il y a les musiciens, qui donnent tous des performances époustouflantes, du pianiste Bill Evans au saxophoniste Julian « Cannonball » Adderly, en passant par le grand John Coltrane, dont le solo dans « So What » est une œuvre d’une majesté impressionnante en soi. Et ce qui est unique chez Davis en tant que chef d’orchestre, c’est qu’il n’est jamais une présence dominante ; il laisse ses musiciens respirer, mais lorsqu’il prend ses propres solos, ils sont toujours puissants et élégants, ce qui se vérifie tout au long de Kind of Blue. Plus important encore, Kind of Blue contient cinq morceaux parfaits, chacun d’entre eux étant à la fois exécuté de manière experte et extrêmement beau. C’est un album parfait, ce qu’aucun musicien ne peut réaliser (et encore moins plusieurs fois), et le genre d’enregistrement qui peut ouvrir les yeux de quelqu’un à un tout nouveau monde de la musique. Comme Q-Tip l’a dit une fois dans une interview, « C’est comme la Bible – vous en avez juste une dans votre maison. »
Rating : 10 sur 10
Sketches of Spain
(1960, Columbia)
Pour bien saisir l’importance des travaux de collaboration de Davis avec Gil Evans, il faut comprendre ce qu’est le « troisième courant ». Essentiellement, le terme « third stream » signifie un type de musique qui existe quelque part entre le jazz et le classique, et dans une certaine mesure, c’est la direction que les deux ont prise pour une partie de leur période prolifique de travail ensemble. En particulier, Sketches of Spain marque leur travail le plus magnifiquement ambitieux pour combiner les tropes familières du jazz avec l’élégance dramatique et les arrangements orchestraux de la musique classique. Sur Sketches of Spain, Davis et Evans se sont inspirés de la tradition folklorique espagnole pour créer un grand album triomphant qui relève davantage du jazz sur le plan esthétique que pratique. L’improvisation est minimale sur Sketches, sa nature minutieuse et compositionnelle en fait une sélection unique dans le catalogue de Davis. C’est, d’une part, un disque discret, qui apaise plus que beaucoup d’albums de Davis jusqu’à présent. Et pourtant, c’est aussi un album hautement dramatique, avec des éclats ponctués qui l’empêchent d’être poliment agréable au point de passer au second plan. Les arrangements nuancés d’Evans, sans parler de la taille de l’orchestre, font de Sketches of Spain le genre d’album qui, tout en créant une atmosphère, demande une certaine attention de la part de l’auditeur. Chaque détail semble vous attirer de plus près, car chaque mouvement subtil révèle quelque chose de nouveau et de captivant. Bien que Sketches of Spain n’ait pas tout à fait la réputation de Kind of Blue pour ce qui est d’initier de nombreuses personnes au jazz ou de changer la façon dont elles l’entendent, il est presque aussi bien considéré et constitue tout autant un trésor artistique.
Rating : 9,4 sur 10
Quiet Nights
(1963, Columbia)
Dernier des albums de Davis avec l’arrangeur et chef d’orchestre Gil Evans, Quiet Nights est largement considéré comme le pire de leurs œuvres de collaboration, et un noble échec en général. Cela ne signifie pas, cependant, que c’est un mauvais album. En fait, il est assez joli, mais il est incroyablement court et semble inachevé. Il y a une bonne raison à cela : en trois sessions d’enregistrement sur une période de quatre mois, Evans et Davis n’ont rassemblé qu’environ 20 minutes de matériel utilisable, et afin de payer les frais de studio importants, le producteur Teo Macero a ajouté une piste supplémentaire provenant d’une session totalement distincte et a remis le produit à Columbia pour montrer que leur investissement n’avait pas été vain. Davis n’a pas approuvé la décision de sortir un projet inachevé et n’a pas retravaillé avec Macero avant quelques années. Compte tenu de toutes ces informations, il est facile de comprendre pourquoi l’album occupe une place délicate dans le catalogue de Davis et pourquoi il est considéré comme une déception. Cela dit, l’album est plutôt agréable et, malgré ses défauts, il contient une poignée d’excellents morceaux, notamment la reprise par Davis de « Corcovado » d’Antonio Carlos Jobim (d’où le titre de l’album). La décision de s’approprier des sonorités brésiliennes comme la bossa nova était probablement une tendance des maisons de disques, étant donné sa popularité à l’époque, et il est compréhensible que Davis n’ait pas été aussi enthousiaste à ce sujet. Mais dans ses meilleurs moments, il l’a fait sortir du lot. Et dans les pires moments, c’est simplement agréable. Ce n’est en aucun cas un désastre, juste une occasion manquée.
Rating : 8,0 sur 10
E.S.P.
(1965, Columbia)
Miles Davis a apporté des contributions remarquables au jazz dans les années 50 avec son premier quintet classique, mais son second a offert une nouvelle porte d’entrée à l’exploration et à l’expérimentation. En 1965, le premier album de Davis avec ce second groupe (composé de Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter et d’un jeune Tony Williams de 19 ans) fait le pont entre sa production hard bop du début des années 60 et la direction plus avant-gardiste qu’il prendra plus tard dans la décennie. Cependant, E.S.P., étant la première sortie avec ce quintet, n’est qu’un avant-goût de ce qui est à venir. Cela dit, c’est un album solide. On y trouve aussi bien des morceaux plus avant-gardistes comme « Eighty-One », qui mêle mélodisme et complexité rythmique pointue et ponctuée, que des morceaux plus décontractés et cool comme « Mood ». Les choses deviendraient certainement beaucoup plus bizarres à partir de là, mais E.S.P., dont le nom pourrait provenir de l’étrange capacité de Davis à saisir un morceau de musique sans avoir à répéter, est un beau chapitre de sa discographie.
Rating : 8,9 sur 10
Miles Smiles
(1967, Columbia)
En 1963, Davis et Teo Macero se sont un peu brouillés après le fiasco de Quiet Nights, Macero étant allé à l’encontre des souhaits de Davis et ayant donné à Columbia les masters d’un album inachevé pour le sortir tel quel. Bien que l’album soit à moitié décent, il ne correspondait pas à ce que Davis voulait et, rétrospectivement, laissait beaucoup de place à l’amélioration ou, à tout le moins, à l’étoffement. En 1967, cependant, Davis et Macero ont rétabli leur relation professionnelle et travaillent à nouveau ensemble sur Miles Smiles. L’album poursuit le chemin vibrant tracé sur E.S.P. mais avec un effet légèrement plus réussi. La dynamique entre les musiciens du quintet est impressionnante, et il y a une énergie indéniable dans les sessions qui est contagieuse, bien qu’elle s’éloigne certainement de certains des morceaux plus mélodiques du début de la carrière de Davis. Deux ou trois titres se distinguent particulièrement. Tout d’abord, le morceau d’ouverture « Orbits », écrit par Wayne Shorter, emmène l’auditeur sur l’équivalent auditif d’un tour de montagnes russes, le quintette se lançant dans l’un des morceaux les plus revigorants de son mandat. Et l’autre grand moment, à mes yeux, est « Footprints », une autre composition de Shorter et le morceau le plus long de l’album. Il faut une bonne minute avant que le quintette ne commence à construire le groove qui porte la chanson, mais une fois qu’ils l’ont touché, il n’y a pas de retour en arrière. C’est incroyable.
Rating : 9,0 sur 10
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