Si vous préférez écouter cet article plutôt que de le lire, consultez l’épisode 9 du podcast Charlie’s Music Production Lessons.
Puisque je me lance de plus en plus dans l’écriture de musique de jeux vidéo, et que beaucoup de développeurs de jeux recherchent un son de synthétiseur chiptune old school, j’ai pensé que je devais apprendre la façon authentique de les faire : en utilisant un tracker musical.
Si vous n’avez jamais vu un tracker, il ressemble plus à un code informatique qu’à un séquenceur musical moderne. Au lieu de voir des formes d’onde, vous avez une liste défilante de toutes les notes, comme « A4 » et « C#3 », ainsi que des chiffres représentant leur volume, leurs effets, etc.
Un peu intimidant à première vue.
Je me suis dit que j’allais quand même tenter le coup, alors j’ai téléchargé un tracker gratuit qui fonctionne sur Mac, appelé MilkyTracker. J’ai été très enthousiaste à ce sujet après avoir regardé des tutoriels et vu que ce n’était pas aussi intimidant que je le pensais.
Mais ensuite j’ai essayé de faire une chanson, et ça m’a semblé douloureusement fastidieux. Cela semblait vraiment maladroit lorsque j’ai essayé ma méthode habituelle de composition et d’enregistrement à la volée, comme je le fais dans Ableton Live. J’ai décidé que j’allais probablement abandonner.
Mais après une petite pause, ma perspective a commencé à changer. J’ai réalisé que mon expérience du tracker serait bien meilleure si j’avais les mélodies et les accords étoffés dans ma tête avant de commencer à taper note après note.
Pensez-y comme au pixel art…
Si vous dessiniez pixel par pixel sans idée du dessin final, cela pourrait éventuellement se transformer en quelque chose de cool et d’inattendu, mais ce serait beaucoup plus rapide et probablement plus satisfaisant si vous pouviez imaginer l’image entière avant de commencer.
De plus, votre première tentative de pixel art serait probablement un minuscule avatar ou sprite, pas une énorme version pixel art de la Mona Lisa. C’est une autre chose qui m’a découragé au départ. J’essayais de faire tout de suite l’équivalent musical de la Joconde, alors que j’aurais dû aborder ma première chanson chiptune comme le dessin d’un minuscule tableau.
Je pensais aussi que je devais commencer avec une énorme palette de couleurs musicales en créant des échantillons sonores complexes. Mais encore une fois, en pensant à l’importance des contraintes dans l’art, j’ai réalisé que je devrais juste voir ce que je peux faire avec les sons de base – onde sinusoïdale, onde triangulaire, onde carrée, onde en dents de scie et bruit.
Ma chanson
Alors, pour ma deuxième tentative de création d’une piste chiptune, j’ai attendu qu’une mélodie surgisse dans ma tête. J’ai enregistré une démo simple de moi chantant la mélodie et jouant la ligne de basse au piano (note : mon but était de créer un jingle chiptune pour mon patron de Composer Quest Rob Waite – c’est ce dont il est question dans ces paroles).
À partir de là, j’ai commencé à entrer les notes une par une dans MilkyTracker. D’abord, j’ai créé un son de basse rapide, qui est essentiellement une onde sinusoïdale, mais je l’ai dessiné à la main pour qu’il ait un peu plus de grain.
J’ai pensé que ce son fonctionnerait aussi pour la partie mélodie.
Les tambours sont juste des échantillons de bruit rose, joués à différentes fréquences pour obtenir un son légèrement différent pour le kick, la caisse claire et les hihats.
J’ai réécouté ce que j’avais jusque là, et j’ai commencé à entendre une contre-mélodie, que j’ai ajoutée avec une onde triangulaire.
Pour donner de la vie aux fins de mes phrases, j’ai ajouté une partie solo avec un synthé crunchy. J’ai juste frappé des notes aléatoires dans la clé de sol, puis édité quelques-unes d’entre elles.
Pour le point culminant de la chanson, je voulais remplir la texture avec un pad doux et aigu…
…et un synthé basse grunge.
À ce moment-là, j’étais assez content de ma piste instrumentale chiptune :
Bonus : Vocoding Chiptune Vocals
Puisque j’ai fait cette chanson en ayant l’intention d’en faire un jingle pour mon patron de Composer Quest Rob Waite, j’ai dû en quelque sorte ajouter mes paroles sans que cela ne semble trop collé à cette production chiptune autrement authentique. J’ai décidé que la meilleure façon serait d’utiliser un effet vocodeur dans Ableton live et d’alimenter une onde en dents de scie légèrement lissée de MilkyTracker comme son porteur.
Si vous ne savez pas comment fonctionnent les vocodeurs, vous filtrez essentiellement un son avec le spectre de fréquence d’un autre son. Donc ma voix, complètement filtrée par une onde en dents de scie, sonne comme ceci:
Le seul problème est que les paroles sont encore un peu difficiles à comprendre, surtout avec la musique de fond en cours. J’ai donc baissé l’effet du vocodeur à environ la moitié de sa force, de sorte que mon enregistrement vocal original ressort avec les consonnes là où elles sont nécessaires pour la clarté.
En guise de remarque, j’ai remarqué que lorsque vous utilisez un vocodeur avec des voix, vous voulez un son porteur qui a beaucoup de grain (ce qui signifie une large bande de fréquence), de sorte que toutes les fréquences plus élevées de votre voix portent à travers et rendre les paroles plus compréhensibles. Une onde sinusoïdale ou triangulaire, par exemple, ne fonctionnerait pas aussi bien qu’une onde carrée ou en dents de scie.
Maintenant, les voix fonctionnent beaucoup mieux dans le mixage:
Ressources MilkyTracker
Voici quelques excellentes ressources pour vous aider à apprendre MilkyTracker:
Guide MilkyTracker – vous aide à comprendre l’interface.
Manuel officiel de MilkyTracker
Tutoriel de MilkyTracker – pas le meilleur anglais, mais un tutoriel utile étape par étape.
Simon Wessel’s Video Tutorial – des leçons de MilkyTracker de la taille d’une bouchée (ou devrais-je dire de la taille d’un bit ?).
Brandon Walsh’s Video Tutorial – des vidéos approfondies d’un créateur de chiptune chevronné.