Une allégorie subtile et complexe sur les vertus de la peinture
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La première chose à noter à propos de l’image remarquable de Vermeer, L’art de la peinture, est la tapisserie qui est suspendue le long du côté gauche du tableau. Remarquez comment elle a été écartée comme un drapé, et est également retenue par une chaise poussée contre elle.
L’effet du drapé est de révéler la scène devant nous, presque comme un décor de scène lorsque le rideau est soulevé. Le mot pour cette technique est repoussoir : un objet dans un tableau positionné au premier plan et sur un côté, servant à diriger l’attention du spectateur vers le sujet principal de l’œuvre.
Dans ce tableau, l’utilisation du drapé par Vermeer est emphatique : il nous attire avec succès dans l’espace au-delà, soulignant la profondeur de la pièce et nous encourageant à nous sentir comme si nous regardions à l’intérieur.
Et puisque la zone la plus lumineuse du tableau – le mince triangle de mur blanc au fond de la pièce – se trouve directement derrière le rideau, Vermeer a réussi à accentuer la profondeur de l’espace et à conduire doucement notre regard vers le modèle féminin, le point central du tableau.
Au delà du rideau, le tableau est constitué de couches d’activité. Il y a le bord proche de la table avec des nappes colorées qui pendent sur le côté ; puis, plus en avant, il y a l’artiste à son chevalet ; puis il y a le modèle debout à l’autre bout de la table ; et enfin le mur avec son immense carte.
Le but de ces couches est d’augmenter l’impact illusionniste du tableau. En tant que spectateur, nous regardons au-delà du drapé et dans la pièce, à l’intérieur de laquelle une deuxième peinture est réalisée. Cet effet de superposition nous conduit en fait au sujet même de l’œuvre, construit à partir d’un jeu subtil de symboles et d’allusions qui, ensemble, suggèrent une allégorie de la peinture elle-même.
Le point focal du tableau est sans aucun doute le modèle : une jeune femme vêtue de bleu se tient près d’une fenêtre. L’éclat de la technique de Vermeer pour capturer les effets de la lumière est démontré ici, par la façon dont la lueur de la fenêtre se diffuse à partir du coin supérieur gauche du tableau sans réellement montrer la fenêtre elle-même.
Le modèle est chargé de plusieurs objets qui suggèrent qu’elle pose comme une figure allégorique. Elle a une couronne de laurier sur la tête, tient une trompette dans sa main droite et un livre dans sa main gauche. Elle est très probablement habillée sous les traits de Clio, la muse de l’histoire. Les muses étaient les déesses de l’inspiration créatrice. Avec le temps, leur nombre a été établi à neuf et chacune représentait une sphère d’influence sur l’apprentissage et les arts.
Il est possible de reconnaître Clio grâce aux objets qu’elle tient : la couronne de laurier dénote l’honneur et la gloire de l’histoire, la trompette représente la célébrité, et le livre épais, peut-être d’un historien comme Hérodote ou Thucydide, fait allusion à la connaissance du passé. Ces attributs correspondent à la description de Clio telle qu’elle est donnée dans l’ouvrage de Cesare Ripa du XVIe siècle, Iconologia, qui était un texte très influent décrivant comment les artistes devaient représenter les mythes et les allégories à travers des emblèmes et des symboles.
Donc, la scène que nous regardons est celle d’un artiste qui peint le portrait d’un modèle habillé en muse de l’histoire.
Sur la table devant le modèle, il y a un masque, probablement comme symbole d’imitation, et donc un attribut de la Peinture. Si l’on considère les autres objets sur la table – les morceaux de tissu, un folio, un morceau de cuir – il est alors possible de les voir comme des symboles collectifs des arts libéraux. C’est-à-dire les sciences naturelles, les sciences sociales, les arts et les humanités.
L’artiste est assis à son chevalet au milieu du tableau. Il nous tourne le dos, ce qui nous permet d’avoir la même vue que lui. Nous sommes également en mesure d’entrevoir le tableau sur lequel il travaille, et pouvons voir qu’il a commencé son travail avec la couronne de laurier.
En cachant le visage de l’artiste, Vermeer lui a donné une qualité universelle. Notamment, il est représenté portant des vêtements coûteux, un élégant doublet noir décoré de fentes dans le dos et sur les bras. Mon détail préféré est la paire de bas rouges qu’il porte, juste visible sous l’assise de son tabouret.
Que se passe-t-il ici ? A quoi correspondent ces collections d’objets et de symboles ?
Le mélange des références suggère que Vermeer voulait relier les vertus de la peinture au flux de l’histoire. Et Vermeer place l’artiste au cœur de cette évaluation.
Il est important de se rappeler que Vermeer vivait à une époque où la catégorie de la » peinture d’histoire » – qui comprenait des sujets tirés de l’histoire antique grecque et romaine, des scènes mythologiques, bibliques et historiques – était largement considérée comme la forme la plus noble de la peinture.
Vermeer n’était pas lui-même un peintre d’histoire, mais à travers cette peinture, il suggère que les artistes sont d’importants transcripteurs de l’histoire. De plus, l’art peut avoir de multiples facettes, peut être stratifié, peut décrire et faire référence, peut présenter et performer – comme en témoigne le jeu même des symboles au sein de l’œuvre. En bref, l’Art de la peinture est une célébration des talents de l’artiste.
Et ce n’est pas tout…
La pièce
L’idée de l’importance de l’histoire – et de la capacité de l’artiste à la capturer – est soulignée par l’histoire racontée à travers la grande carte qui est accrochée au mur au bout de la pièce.
La carte montre une vue des Pays-Bas. Elle a été réalisée par le cartographe néerlandais Claes Jansz Visscher. Si vous regardez attentivement la carte, vous pouvez voir que notre vue banale des Pays-Bas a été tournée d’un angle de 90 degrés, de sorte que le nord est représenté à droite et le sud à gauche.
Au milieu de la carte, merveilleusement mélangée à la patine des plis et des rides qui s’accumulent naturellement avec le temps, se trouve une ombre distincte qui divise le nord du sud. Cette ombre s’accorde largement avec la division politique du territoire qui s’est produite en 1648 à la suite du traité de Münster, qui a laissé la République néerlandaise au nord et les provinces du sud sous le contrôle des Habsbourg espagnols.
Même le lustre en laiton suspendu au plafond fait référence aux événements historiques récents : la forme ressemble à un aigle bicéphale, le symbole impérial des Habsbourg.
L’intention de Vermeer pour cette peinture peut avoir été une sorte de pièce d’exposition avec laquelle il pouvait impressionner les mécènes en visite. C’est l’un des plus grands tableaux qu’il ait jamais réalisés : avec ses 120 x 100 cm, il n’était devancé que par son Christ dans la maison de Marthe et Marie.
De plus, Vermeer n’a jamais vendu le tableau de son vivant. Même à sa mort, sa veuve a refusé de le remettre aux créanciers, alors qu’elle et ses enfants avaient été laissés avec des dettes considérables.
En tant que peintre, Vermeer n’a eu qu’un succès modéré de son vivant. Il a produit relativement peu de tableaux, la plupart montrant des scènes d’intérieur domestiques comme L’art de peindre. Sa popularité aujourd’hui atteste de l’irréprochabilité de sa technique, de sa capacité à illuminer l’espace de façon si brillante, et en même temps à le remplir de détails minuscules qui stimulent l’imagination du spectateur.
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Christopher P Jones est un écrivain et un artiste. Il blogue sur la culture, l’art et la vie sur son site
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