Pour quiconque souhaite se former au métier d’acteur, il peut être difficile de savoir quel type de formation choisir. L’une des premières questions que vous devez vous poser est la suivante : quel type d’acteur voulez-vous être ? Il existe un certain nombre de techniques d’acteur populaires différentes que vous pouvez apprendre, alors comment savoir quels types d’acteurs sont adaptés à vous et à vos ambitions de carrière ?
Types d’acteurs
Lorsque vous prenez votre décision sur le type d’acteur que vous voulez devenir, vous devez penser aux types d’acteurs que vous voulez faire – théâtre ou télévision et film ? Comédie ou théâtre ? Vous devez ensuite évaluer les différentes techniques de jeu et déterminer celle qui répond le mieux aux exigences du type de jeu que vous avez choisi. Crucialement, vous devez découvrir ce que les directeurs et les directeurs de casting recherchent lorsqu’ils embauchent des acteurs pour les types de rôles qui vous intéressent.
Pour vous aider à prendre une décision, nous avons jeté un coup d’œil à certains des types d’acteurs les plus populaires afin que vous puissiez voir ce qu’ils ont à offrir.
Le système
Ce style d’acteur peut être considéré comme la racine d’à peu près tous les acteurs modernes. Le Système, parfois appelé « jeu classique », a été développé au début du 20ème siècle par Konstantin Stanislavski, l’un des acteurs et directeurs de théâtre les plus acclamés de son époque. Son objectif était d’utiliser les connaissances que les acteurs d’élite avec lesquels il avait travaillé avaient acquises par essais et erreurs au cours de leur vie au théâtre et de les décomposer en une méthodologie pouvant être enseignée aux étudiants. De cette façon, les étudiants pouvaient rapidement devenir d’excellents interprètes de manière constante sans avoir à passer des décennies à apprendre leur métier.
Avant Stanislavski, la formation des acteurs s’était principalement concentrée sur la formation vocale et physique. L’idée révolutionnaire de Stanislavski était d’aider les acteurs à développer leur vie intérieure afin qu’ils puissent produire des performances plus ancrées et plus réalistes. Il voulait que les acteurs ressentent réellement les émotions de leurs personnages à chaque fois qu’ils donnaient une représentation.
« Toute personne qui est vraiment un artiste désire créer à l’intérieur d’elle-même une autre vie, plus profonde, plus intéressante que celle qui l’entoure réellement. » – Konstantin Stanislavski
Les étudiants du système doivent devenir compétents dans l’étude et la compréhension des scénarios, afin d’avoir une idée claire des émotions que ressentent leurs personnages à tout moment. Ils doivent ensuite être capables de faire naître ces mêmes émotions en eux à la demande. Le Système est donc fortement axé sur l’analyse des scénarios et les techniques de stimulation des émotions de l’acteur.
Bien que le Système ait été créé à l’origine pour le théâtre, il est devenu populaire auprès des premières stars du cinéma, car les performances plus subtiles et plus nuancées qu’il produisait étaient idéales pour le jeu rapproché exigé par la caméra. Il est encore utilisé par certains acteurs modernes de la scène, du cinéma et de la télévision, bien qu’il ait été pour la plupart supplanté par des équivalents plus modernes, comme la Méthode.
Les praticiens célèbres du Système comprennent Sir Alec Guinness, Orson Welles et Basil Rathbone.
Michael Tchekhov
« Le véritable jeu inspiré n’est jamais FAIRE, c’est toujours FAIRE » – Michael Tchekhov
Michael Tchekhov était un acteur et réalisateur russo-américain (et neveu du célèbre dramaturge Anton Tchekhov) qui a étudié sous Stanislavski avant de concevoir sa propre approche du jeu. Les techniques de Tchekhov se concentraient également sur les acteurs créant une vie intérieure riche pour leurs personnages, mais s’appuyaient davantage sur l’imagination que sur l’utilisation d’expériences réelles.
L’approche de Tchekhov s’appuie fortement sur le développement du côté physique d’une performance, s’éloignant du style « réel » plus retenu de Stanislavski vers quelque chose de plus grand et de plus démonstratif. Bien que la technique de Tchekhov soit toujours soucieuse d’atteindre la vérité émotionnelle, elle s’appuie sur les expériences de vie cumulées de l’acteur pour alimenter son imagination, plutôt que de se rappeler des expériences spécifiques pour générer chaque émotion spécifique.
Considérées par certains comme une approche moins subtile du jeu d’acteur que le Système et d’autres méthodes modernes, les techniques de Tchekhov étaient encore très populaires au milieu du 20e siècle, utilisées par des acteurs tels que Marilyn Monroe, Yul Brynner et Clint Eastwood. Elle est aujourd’hui plus couramment utilisée par les acteurs de scène qu’à l’écran car son style plus démonstratif convient à certains types de jeu théâtral.
La Méthode
Devinée par Lee Strasberg, la Méthode était initialement basée sur le Système de Stanislavski, offrant une expansion plus avancée et moderne des techniques de Stanislavski. La télévision et le cinéma devenant de plus en plus les principaux médias pour les acteurs professionnels, il était essentiel d’adopter une approche du jeu d’acteur qui réponde particulièrement bien aux exigences de ces médias. La popularité durable de la Méthode est en grande partie due à sa polyvalence, permettant aux acteurs de produire des performances exceptionnelles tant au théâtre qu’au cinéma.
Comme le Système, la Méthode met beaucoup l’accent sur le développement de la capacité d’un acteur à ressentir réellement les émotions qu’il doit représenter. En affinant et en s’appuyant sur les idées de Stanislavski, Strasberg a été en mesure de proposer des techniques avancées que les acteurs pouvaient utiliser pour produire de manière fiable des émotions réelles avec une profondeur et une nuance inégalées par les autres techniques de jeu.
Strasberg a conçu de nombreuses techniques innovantes, telles que la mémoire affective, la mémoire sensorielle et la substitution afin que tout acteur, avec un entraînement et des efforts suffisants, puisse apprendre à produire des performances de niveau élite. La Méthode enseigne également des pratiques clés telles que la prise de parole et le moment privé, qui aident les acteurs à transposer efficacement leurs compétences dans un contexte de performance professionnelle. Ceci est particulièrement important pour les acteurs professionnels, car cela signifie qu’ils peuvent livrer la marchandise sur scène ou devant une caméra, et pas seulement dans une salle de classe !
« Le travail de l’acteur réside essentiellement dans deux domaines : la capacité à créer constamment la réalité et la capacité à exprimer cette réalité. » – Lee Strasberg
La Méthode d’acteur continue d’être enseignée et utilisée par des acteurs du monde entier, y compris certains des noms les plus connus de l’industrie, tels que Robert De Niro, Meryl Streep et Leonardo DiCaprio.
Stella Adler
Autre élève du Système de Stanislavski, Stella Adler a également été impliquée dans le Group Theatre de Lee Strasberg, où elle a appris la Méthode et a repris nombre de ses idées fondamentales. Cependant, comme Tchekhov, Adler préférait se concentrer sur l’utilisation de l’imagination, plutôt que des expériences réelles, estimant que cela suffisait à produire des performances réalistes.
L’enseignement d’Adler exige que les étudiants passent beaucoup de temps à développer le côté physique et vocal de leur performance, produisant des acteurs qui sont souvent très compétents pour créer un langage corporel réaliste et des performances vocales fortes. Comme pour la Méthode, elle a également enseigné à ses élèves à développer le lien entre leurs sens et leurs émotions, comprenant que des sens comme l’odorat et l’ouïe ont un lien fort et instinctif avec nos émotions.
« Le jeu d’acteur est dans tout sauf dans les mots. » – Stella Adler
Les adhérents bien connus de l’école de théâtre de Stella Adler comprennent Marlon Brando, Salma Hayek et Warren Beatty.
Technique Meisner
Un élève de Lee Strasberg, Sanford Meisner, a produit sa propre variation de la Méthode. La technique Meisner met très fortement l’accent sur l’improvisation et fonctionne sur la base d’une concentration ferme de votre attention sur la personne avec laquelle vous jouez. L’idée est qu’en prêtant une attention particulière au comportement réel de votre partenaire, vous pouvez réagir de manière sincère. Cela signifie que, dans un sens, vous ne jouez pas, mais réagissez simplement honnêtement à votre co-star.
« Ne soyez pas un acteur. Soyez un être humain qui travaille à partir de ce qui existe dans des circonstances imaginaires. » – Sanford Meisner
Le seul inconvénient de cette approche est qu’elle signifie que vous dépendez fortement de vos co-stars pour pouvoir donner une bonne performance. Contrairement à la méthode ou au système, où l’inspiration vient de l’intérieur, la technique Meisner exige que vous vous inspiriez des autres acteurs. Cela peut conduire à des performances très naturalistes et véridiques lorsque deux ou plusieurs acteurs très compétents travaillent ensemble, mais peut aussi conduire à des résultats moins fiables que d’autres approches lorsqu’on travaille avec des co-stars moins adroits.
Parce que la technique Meisner repose tellement sur l’improvisation pour créer une bonne performance, elle est peut-être plus adaptée au théâtre où il y a souvent plus de temps pour un long processus de répétition.
Les étudiants célèbres de la technique Meisner comprennent Grace Kelly, Gregory Peck et Peter Falk.
Jeux de théâtre
« Tout le monde peut improviser. Toute personne qui le souhaite peut jouer au théâtre et apprendre à devenir digne de la scène. » – Viola Spolin
Développés par l’actrice et réalisatrice américaine Viola Spolin, les « Theater Games » sont une série de jeux d’improvisation destinés à aider les acteurs à développer leurs compétences en improvisation pour les utiliser principalement dans le jeu théâtral. Spolin a enseigné à des acteurs aussi jeunes que six ans son approche, qui met l’accent sur le plaisir, la créativité et l’adaptabilité.
Les jeux impliquent des concepts tels que parler en charabia, agir comme divers animaux et incorporer les émotions suggérées par les spectateurs dans une performance. Peut-être sans surprise, cette approche est très populaire auprès des acteurs qui souhaitent développer leurs compétences en matière de performance comique.
S’appuyant sur les idées de Spolin, son fils, Paul Sills, a été l’un des fondateurs du légendaire groupe de comédie d’improvisation The Second City qui a produit des talents notables tels que Bill Murray, Tina Fey et John Candy.
Esthétique pratique
Création du célèbre dramaturge David Mamet et de l’acteur William H. Macy, l’esthétique pratique s’inspire des travaux de Stanislavski, de Meisner et des idées de l’ancien philosophe stoïcien Épictète.
Cette approche décompose le processus de jeu de n’importe quelle scène en trouvant des réponses à quatre questions fondamentales :
- « Littéral » – que se passe-t-il, dans les termes les plus élémentaires, dans la scène ?
- « Vouloir » – qu’est-ce que le personnage veut que le ou les autres personnages avec lesquels il interagit disent ou fassent ?
- « Essential action » – quelle action clé le personnage essaie-t-il d’accomplir dans la scène ?
- « As if » – à quelle situation de la vie personnelle de l’acteur peut-il relier la situation, pour l’aider à trouver la réponse émotionnelle appropriée ?
L’esthétique pratique peut être considérée comme une approche plus externalisée du jeu d’acteur que les techniques dérivées du Système. Bien que l’approche « Comme si » soit également utilisée dans le jeu de la méthode, l’esthétique pratique est autrement beaucoup plus axée sur les désirs et les actions des personnages, plutôt que de tenter de créer une vie intérieure réaliste pour le personnage.
Les adeptes de l’esthétique pratique sont William H. Mac (sans surprise !) et Rose Byrne entre autres.
Apprendre à devenir un acteur professionnel en une seule année
La méthode d’acteur est l’un des types de jeu les plus populaires et a été utilisée par 80% des acteurs oscarisés de ce siècle. En apprenant la Méthode, vous pouvez devenir un acteur d’élite, capable de fournir des résultats sur demande à chaque fois. C’est exactement ce que les réalisateurs, les agents et les directeurs de casting recherchent chez un acteur professionnel, ce qui explique pourquoi le jeu de la méthode est si populaire dans l’industrie.
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