WTF is… Performance Art?

Vous avez peut-être entendu dire que James Franco et Lady Gaga sont des artistes de performance, que leurs carrières elles-mêmes sont des objets d’art construits au cours d’une vie. Vous pensez peut-être aussi que votre oncle Bob qui pète l’alphabet est une performance artistique. Et c’est peut-être le cas ! En réalité, c’est à vous de décider, il n’existe pas de tableau rapide et facile pour déterminer ce qui est de l’art performance et ce qui ne l’est pas. Néanmoins, il existe quelques lignes directrices à suivre pour définir la performance, dans le contexte de l’histoire de ce médium et de sa pratique actuelle. Malgré ce que vous avez entendu, il y a de bonnes raisons pour lesquelles se faire porter aux Grammys dans un œuf n’est pas vraiment un acte d’art performance.

Si nous devions attribuer à l’art performance une seule caractéristique déterminante, ce serait probablement le fait qu’une pièce d’art performance doit être centrée sur une action réalisée ou orchestrée par un artiste, un geste artistique temporel plutôt que permanent qui a un début et une fin. La documentation de la performance peut être éternelle, qu’il s’agisse de photos, d’artefacts ou de documentation vidéo complète, mais la performance elle-même est éphémère. Si vous avez eu la chance d’être dans le public, alors ce dont vous avez été témoin était la véritable œuvre d’art de la performance. Le reste d’entre nous ne voit que les restes, aussi iconiques soient-ils.

Bien que les historiens de l’art citent souvent les futuristes et les dadaïstes parmi les premiers praticiens de l’art performance, celui-ci est né en tant que mouvement discret à la fin des années 1950 et au début des années 1960, avec des praticiens précoces comme l’artiste-chaman Joseph Beuys, l’artiste Fluxus Yoko Ono et le créateur des « Happenings » Alan Kaprow. Pourtant, ce n’est pas parce que ces artistes ont été les pionniers de l’art performance qu’ils n’ont créé que des œuvres de performance. L’art performance n’est pas défini par la carrière de l’artiste, mais plutôt par la pièce individuelle – un peintre peut faire une performance et un artiste de la performance peut faire une peinture. Les premières performances étaient des événements très interdisciplinaires, mêlant musique, accessoires de scène sculpturaux, installations immersives et musique. Kaprow’s 1959 « 18 Happenings in 6 Parts » « impliquait un public se déplaçant ensemble pour expérimenter des éléments tels qu’un groupe jouant des instruments jouets, une femme pressant une orange, et des peintres peignant », selon la nécrologie de l’artiste en 2006 par le critique d’art du New York Times Holland Cotter.

D’autres performances étaient plus austères. En 1974, l’artiste de Bueys, « I Like America and America Likes Me », est resté dans l’espace d’une galerie pendant trois jours, s’enveloppant dans du feutre et partageant l’espace avec un coyote sauvage. Une œuvre d’art performatif n’a même pas besoin d’avoir un public ; elle doit simplement se produire. Les performances de l’artiste cubano-américaine Ana Mendieta, dont beaucoup impliquent des dépressions en forme de figures humaines creusées dans des paysages extérieurs, n’existent plus que sous forme de photographies. Personne n’a été témoin de l’œuvre, à part l’appareil photo et le photographe. Pourtant, la photographie n’est pas l’objet d’art ; elle est en fait presque accessoire par rapport à l’acte original.

« C’est l’action qui est l’art, pas tellement le résultat physique », déclare Erik Hokanson, conservateur de l’art de la performance et codirecteur du Grace Exhibition Space. « Bien souvent, il n’y a que peu ou pas de résultat autre que ce que l’on pense ou ressent en sortant de l’œuvre. » Un autre exemple serait les premières œuvres de l’artiste allemand Anselm Kiefer, dans lesquelles l’artiste s’est photographié en train de faire le salut nazi dans des paysages d’Europe. Les photos sont puissantes, mais c’est l’acte qui nous rappelle le souvenir encore vivace de l’expansion de l’Allemagne nazie sur le continent. L’artiste de la performance et conservateur Peter Dobill note dans un courriel :  » L’art de la performance… n’existe que dans le temps de sa création, mais il est souvent regardé à perpétuité grâce à la documentation. « 

L’idée de la performance par rapport au document a pris tout son relief à mesure que l’art de la performance s’est affirmé comme un médium. Lorsqu’une performance est documentée et que l’œuvre qui en résulte devient une icône de l’histoire de l’art, faut-il en attribuer le mérite au photographe ou au performeur ? Une récente exposition du Museum of Modern Art a posé la question. Mais là encore, les performances n’ont pas besoin de documentation pour être efficaces. Une performance réussie est « tout ce qui concerne la façon dont l’artiste est capable de transmettre son idée », dit Hokanson.

Demandez-vous donc : la « performance » de l’œuf de Lady Gaga provoque-t-elle des réflexions plus profondes sur l’acte lui-même ? Jouer à un piano en forme d’extraterrestre dans des bottes Alexander McQueen crée-t-il un quelconque symbolisme abstrait ? Péter l’alphabet a-t-il une signification durable au-delà de son existence éphémère ? Probablement pas.

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Certaines performances iconiques :

Joseph Beuys « How to Explain Pictures to a Dead Hare » (1965)

Chris Burden’s « Shoot » (1971)

Vito Acconci’s « Seedbed » (1972)

Carolee Schneemann’s « Interior Scroll » (1975)

Marina Abramovic’s « The Artist is Present » (2010) (vu en haut)

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Mais malgré cette liste, construire un canon de l’art performance est une sorte de tâche ironique. La qualité éphémère du médium lui-même met en échec le processus normal de construction d’une histoire de l’art – c’est-à-dire placer des objets dans une chronologie, les comparer, les réexaminer des décennies ou des siècles plus tard. Le véritable aboutissement de l’art de la performance ne se produit qu’une fois, et seulement pour un certain nombre de témoins. Comment les critiques et les érudits peuvent-ils alors se pencher sur eux en les analysant ? La réponse est difficile. L’idée de remettre en scène des performances suscite la controverse : une œuvre d’art performance originale peut-elle être recréée ou doit-elle l’être ? Marina Abramovic s’est confrontée à ces questions lors de sa rétrospective au MoMA en 2010, pour laquelle elle a formé des acteurs et des artistes de la performance à la reconstitution de ses propres performances emblématiques. L’artiste a également remis en scène des pièces historiques de l’art de la performance dans ses propres versions avec « Seven Easy Pieces » en 2005.

Pour autant, alors que l’art de la performance arrive à maturité, nous continuerons à nous battre sur la meilleure façon de le préserver. Et c’est probablement le plus grand problème auquel est confronté l’art de la performance en tant que discipline – comment empêcher le sable de tomber entre nos doigts en tant que critiques, écrivains, étudiants, conservateurs et artistes ?

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