Em nossas três primeiras edições do catálogo de Treble’s Celebrate the Catalog, examinamos as carreiras de alguns dos mais notáveis artistas que surgiram dos movimentos de rock indie e alternativo dos anos 80 e 90. No entanto, por mais ambicioso que tenha sido abordar todos os álbuns de estúdio da Sonic Youth, pareceu-nos o momento certo para iniciar um projecto discográfico ainda mais audacioso: Os álbuns seleccionados de Miles Davis.
Twenty years ago, the world lost one of its most incredible and gifted musicians: jazz trumpeter, composer and bandleader Miles Davis. Poucos outros artistas fizeram um impacto tão grande no jazz e na música popular como Davis, suas quase cinco décadas de atuação somadas a um conjunto de trabalhos que passam de celebrados a controversos. Desde o final dos anos 40 até aos anos 70, ele esteve na vanguarda de todos os grandes movimentos do jazz, do jazz cool ao hard bop, do jazz modal ao fusion. E dentro destes movimentos, ele inspirou-se numa grande variedade de estilos, sejam os elementos tradicionais espanhóis dos Sketches of Spain aos sons raucous rock’ n’ roll de A Tribute to Jack Johnson e ao funk desagradável de On the Corner.
Ouvir Miles Davis é ouvir a verdadeira exploração na música. Às vezes seus álbuns soavam mais compostos e melódicos, enquanto em outros, eram alienígenas e desorientadores. Davis era o tipo de artista para quem a experimentação significava liberdade e visão. Ao nunca permitir que nenhum estilo dominasse, ele deixou poucas oportunidades para que qualquer de suas músicas envelhecesse. E por ter tentado tantos sons e técnicas diferentes, ele foi comparado a Pablo Picasso. A sua influência, entretanto, é imensurável, tendo causado impacto não só no jazz, mas também no rock, na electrónica e no hip-hop. O fato de ele não ter medo de fazer música que algumas pessoas podem não gostar, pelo menos não imediatamente, certamente fala à sua ousadia como compositor, músico e líder de banda. E enquanto Davis teve sua parte de períodos sombrios, do abuso de drogas à depressão, o corpo de música que ele deixa para trás é imenso, e um grande pedaço dela é absolutamente essencial.
Compor toda a discografia de estúdio de Davis seria insondavelmente proibido; com 67 álbuns de estúdio, apenas para ouvir todos eles poderia levar um mês. Assim, numa ligeira reviravolta no modus operandi Celebrate the Catalog, optei por seleccionar 20 álbuns de Davis, em homenagem aos 20 anos que se seguiram à sua morte, com gravações de todas as suas épocas notáveis: os anos Prestige, as suas primeiras gravações Columbia, colaborações com Gil Evans, as suas gravações em quinteto de meados dos anos 60, os anos “eléctricos” e as suas gravações um pouco menos bem recebidas dos anos 80. Esta discografia seleccionada de Miles Davis é uma viagem musical diferente de qualquer outra. Aqui está o nosso take on 20 álbuns de Miles Davis classificados, avaliados, avaliados e com uma audição mais próxima.
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Cookin’ With the Miles Davis Quintet
(1957, Prestige)
Com quase 70 álbuns no repertório de Miles Davis, um bom número daqueles gravados e lançados nos anos 50, é difícil saber exatamente por onde começar. Ele lançou muitos LPs curtos no início que podem ser artefatos interessantes em termos de seu desenvolvimento como artista, mas a primeira série verdadeiramente interessante de álbuns de Davis é um quarteto gravado com o seu primeiro quinteto, fruto de duas sessões de gravação em 1956. Cada um destes álbuns tem um nome semelhante – Cookin’, Workin’, Relaxin’ e Steamin’- ainda que o primeiro da série, Cookin’ with the Miles Davis Quintet é um claro precursor desta série. Composto por quatro peças moderadamente longas, o álbum é um forte documento das habilidades do quinteto. Como Davis disse sobre o título do álbum, a banda simplesmente entrou no estúdio e cozinhou. Comparado com grande parte da discografia de Davis, é um disco muito simples, e sem elos fracos, embora a interpretação do grupo de “My Funny Valentine” seja certamente a estrela brilhante do álbum. E onde Davis praticou mais comedimento nos últimos anos, seus esplêndidos solos de trompete são o principal ponto focal do álbum. Davis iria mais tarde subir acima e além deste álbum, mas é sem dúvida o seu primeiro grande álbum.
Rating: 8.9 em 10
Birth of the Cool
(1957, Capitol)
Birth of the Cool, além de ser o álbum favorito de Lisa Simpson, é notável por ser, essencialmente, o nascimento do ‘cool jazz’. Uma compilação de faixas de diferentes sessões gravadas no final dos anos 40 e início dos anos 50, Birth of the Cool é um som muito diferente do de Davis do que o estilo hard bop que ele aperfeiçoaria em seus primeiros álbuns da Columbia, ou, por falar nisso, seus discos de fusão mais experimentais dos anos 60 e 70. Trabalhando com o arranjador Gil Evans, que mais tarde provaria ser um parceiro altamente valioso em trabalhos inéditos de anos posteriores, Davis encabeça um nonet que equilibra elementos de big band e swing com mais sons bop descontraídos para criar algo inegavelmente legal. É elegante, e sucinto, com a maioria das faixas que não ultrapassam três minutos, e bastante animado nisso. Com a única exceção da peça vocal pirosa “Darn That Dream”, não há uma faixa vagabunda no grupo, mas ao mesmo tempo, não há muitas faixas que realmente atordoam da mesma forma que algo como “So What” ou “Shhh/Peaceful” fazem. Dito isto, dificilmente se pode amar o jazz sem gostar de Birth of the Cool, porque é tão… cool.
Rating: 8.7 de 10
Round About Midnight
(1957, Columbia)
O primeiro álbum do Miles Davis para a Columbia é também o seu primeiro verdadeiro atordoador. Ainda mais que em Relaxin’, Cookin’, Workin’ e Steamin’, o quinteto soa incrivelmente dinâmico, fazendo uma transição ágil entre baladas de tirar o fôlego e peças de hard-bop vivazes. A harmonização serpentina em “Ah-Leu-Cha” é tão vertiginosa quanto hipnotizante, e o quinteto assume “Bye Bye Blackbird” de Thelonious Monk é verdadeiramente deslumbrante. Mas a estrela do show é a outra faixa de Monk no álbum, “Round Midnight”. Uma balada mal-humorada com uma atmosfera tão sombria, a canção é uma das performances mais memoráveis de Davis. Na verdade, é a melodia chorosa do trompete de Davis que torna esta canção tão essencial, já que sua performance lenta e sensual puxa o ouvinte para um ambiente frio e noir. É um som que absolutamente nunca gasta as suas boas-vindas. E a capa icônica do álbum combina perfeitamente com o som da música. Miles inclina-se no seu braço, banhado em luz vermelha, parecendo distante, mas poderoso. É a primeira gravação de Davis que parece um álbum verdadeiramente completo, e um grande salto em frente em termos do seu desenvolvimento artístico. Basta lembrar que o título do álbum é quase um conjunto de instruções, pois soa melhor na hora em que o relógio bate 12,
Rating: 9.1 de 10.
Relaxin’ com o Quinteto Miles Davis
(1958, Prestige)
O segundo de uma série de álbuns gravados com o Quinteto Miles Davis, Relaxin’ coloca uma ênfase bastante forte em todo o conceito de “relaxar”. Um desenho de uma mulher composta inteiramente de triângulos reclina na capa do álbum e, para capturar a sensação solta e descontraída das sessões, o álbum é uma das raras gravações de Davis a apresentar uma verdadeira brincadeira in-studio. Portanto, sim, de fato, esta é uma gravação muito descontraída, especialmente quando comparada aos outros álbuns da série in’. Mas também é muito agradável. O talento do quinteto de Davis, que também inclui John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers e Philly Joe Jones, é inegável. Eles são uma unidade impressionante, e embora as sessões tenham feito parte de uma maratona de gravações, nada se sente forçado ou sobrecarregado de trabalho. Eles estão apenas… a relaxar. E enquanto em geral Davis ultrapassaria de longe este lançamento com mais de uma dúzia de seus lançamentos na Columbia, este é um lançamento sólido, e não é uma má adição para quem planeja começar uma coleção de jazz.
Rating: 8.4 de 10
Porgy e Bess
(1958, Columbia)
No final dos anos 50 e início dos 60, Miles Davis gravou uma série de álbuns com o notável arranjador e maestro Gil Evans, que anteriormente trabalhou com Davis nas sessões que compunham Birth of the Cool, e o mais interessante sobre eles, além da produção exuberante e massiva, é o quão diversas estas colaborações provaram ser. Elas cobriram estilos brasileiros e espanhóis, assim como showtunes, que forneceram o material de origem para Porgy e Bess. Uma versão reimaginada de jazz da ópera clássica de George Gershwin, Porgy e Bess é tanto uma prova da força das músicas originais quanto das incríveis performances dos músicos. Destinados a ser ouvidos como um todo, Porgy e Bess, no entanto, funciona melhor quando ouvidos do início ao fim, o fluxo e o drama do álbum tão cuidadosa e brilhantemente executados que, mesmo com as palavras removidas, o álbum permanece fortemente emotivo e evocativo. Mas, como na maioria das gravações clássicas de jazz de Davis, há certamente alguns grandes destaques, entre eles “Prayer (Oh Doctor Jesus)”, “I Loves You, Porgy” e, é claro, “Summertime”. Porgy e Bess é uma gravação muito rica e detalhada e pode levar alguns poucos ouvintes para absorver tudo, mas isso não é de forma alguma um obstáculo para apreciá-la. É um dos lançamentos mais acessíveis de Davis, além de ser um destaque antecipado.
Rating: 9.0 de 10
Kind of Blue
(1959, Columbia)
Kind of Blue é facilmente o álbum mais difícil de escrever na discografia de Davis, simplesmente porque é o tipo de disco que provavelmente já está nas bibliotecas de qualquer pessoa que leia este recurso, uma instituição cobiçada não só no jazz, mas na história da música popular. É o álbum mais vendido de Davis, tendo sido certificado com platina quádrupla em 2008, e classificado em número 12 na lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos da Rolling Stone. Portanto, é um grande negócio. E há uma boa razão para isso. Para começar, a escolha de Davis de buscar uma improvisação “modal”, baseada em uma série de escalas em vez de progressões de acordes, liberou os músicos para buscar avenidas mais aventureiras e, por sinal, melódicas, através das quais explorar. Este método, embora não seja a primeira vez que Davis o usa, estabeleceu um novo padrão elevado para o gênero, influenciando maciçamente muito do que veio depois. E depois, há o elenco de músicos, todos eles dando performances nocturnas, do pianista Bill Evans ao saxofonista Julian “Cannonball” Adderly, até o grande John Coltrane, cujo solo em “So What” é uma obra de imponente majestade para si mesmo. E parte do que é único em Davis como líder de banda é que ele nunca é uma presença prepotente; ele dá espaço aos seus músicos para respirar, mas quando ele faz os seus próprios solos, eles são sempre poderosos e elegantes, o que se mantém verdadeiro em Kind of Blue. Mais importante ainda, Kind of Blue contém cinco peças perfeitas, cada uma das quais é simultaneamente executada com perícia e extremamente bela. É um álbum perfeito, que não é algo que qualquer músico possa alcançar (quanto mais inúmeras vezes), e o tipo de gravação que pode abrir os olhos de alguém para todo um novo mundo de música. Como a Q-Tip disse uma vez em uma entrevista, “É como a Bíblia – você só tem uma em sua casa”
Rating: 10 de 10
Sketches de Espanha
(1960, Columbia)
>Para compreender a importância dos trabalhos colaborativos de Davis com Gil Evans, é preciso entender o que é a “terceira corrente”. Essencialmente, o termo “terceira corrente” significa um tipo de música que existe algures entre o jazz e o clássico, e até certo ponto, foi esta a direcção que os dois tomaram para parte do seu prolífico período de trabalho em conjunto. Em particular, Sketches of Spain marca o seu mais belo e ambicioso trabalho para combinar tropas de jazz familiares com a elegância dramática e os arranjos orquestrais da música clássica. Em Sketches of Spain, Davis e Evans inspiraram-se na tradição popular espanhola para criar um grande e triunfante álbum que é mais jazz em estética do que prática. A improvisação é mínima no Sketches, a sua natureza cuidadosa e composicional faz dele uma selecção única no catálogo de Davis. É, por um lado, um disco subjugado, que acalma mais do que muitos dos álbuns de Davis até este momento. E, no entanto, é também um álbum altamente dramático, com rajadas pontuais que o impedem de ser tão educadamente agradável a ponto de se desvanecer no fundo. Os arranjos matizados de Evans, para não falar do tamanho da orquestra, fazem de Sketches of Spain o tipo de álbum que, embora ótimo para o ambiente, pede uma certa atenção do ouvinte. Cada detalhe parece aproximá-lo, já que cada movimento sutil revela algo novo e cativante. Embora Sketches of Spain não tenha a reputação que Kind of Blue tem em termos de introduzir muitos no jazz ou mudar a forma como o ouvem, é quase tão bem considerado e igualmente um tesouro artístico.
Rating: 9.4 de 10
Quiet Nights
(1963, Columbia)
>O último dos álbuns de Davis com o arranjador e maestro Gil Evans, Quiet Nights é largamente considerado o pior dos seus trabalhos colaborativos, e um nobre fracasso em geral. Isso não significa, no entanto, que seja um mau álbum. Na verdade, é bastante bonito, mas é incrivelmente curto, e parece inacabado. Há uma boa razão para isso: em três sessões de gravação ao longo de quatro meses, Evans e Davis só arredondaram cerca de 20 minutos de material utilizável, e para pagar os custos do grande estúdio, o produtor Teo Macero acrescentou uma faixa extra de uma sessão totalmente separada e entregou o produto à Columbia para mostrar que seu investimento não foi em vão. Davis não aprovou a decisão de lançar um projeto inacabado e não voltou a trabalhar com Macero por mais alguns anos. Dadas todas essas informações, é fácil ver por que o álbum ocupa um lugar estranho no catálogo de Davis, e por isso, é visto como uma decepção. Dito isto, é bastante agradável, e apesar das suas falhas, tem um punhado de grandes faixas, especialmente a tomada de Davis sobre o “Corcovado” de Antonio Carlos Jobim (do qual o álbum recebe o seu título). A decisão de assumir os sons brasileiros como a bossa nova foi provavelmente uma perseguição de tendência da gravadora, dada sua popularidade na época, e é compreensível que Davis não tenha sido tão entusiasmado com isso. Mas em seus momentos mais fortes, ele o derruba do parque. E, no seu pior, é apenas agradável. Isto não é de forma alguma um desastre, apenas uma oportunidade perdida.
Rating: 8.0 em 10
E.S.P.
(1965, Columbia)
Miles Davis fez contribuições notáveis para o jazz nos anos 50 com o seu primeiro quinteto clássico, mas o seu segundo forneceu uma nova porta de entrada para a exploração e experimentação. Em 1965, o primeiro álbum de Davis com este segundo grupo (com Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter e um Tony Williams de 19 anos) faz a ponte entre a sua saída hard bop do início dos anos 60 e a direcção mais avant garde que ele tomaria no final da década. No entanto, E.S.P., sendo a primeira saída com este quinteto, é apenas uma amostra do que está por vir. Dito isto, é um álbum sólido. Ele executa a gama de peças mais vanguardistas como “Eighty-One”, que mistura melodicismo com uma complexidade rítmica pontiaguda e pontual, e peças mais descontraídas e legais como “Mood”. As coisas certamente ficariam muito mais estranhas daqui para a frente, mas E.S.P., nomeado possivelmente pela habilidade incomum de Davis de pegar uma peça de música sem ter que praticar, é um belo capítulo em sua discografia.
Rating: 8.9 de 10
Miles Smiles
(1967, Columbia)
Em 1963, Davis e Teo Macero tiveram uma pequena queda após o fiasco dos Quiet Nights, Macero tendo ido contra a vontade de Davis e dado aos mestres da Columbia um álbum inacabado para lançar o “as-is”. Embora o álbum tenha ficado meio decente, não era o que Davis queria, e em retrospectiva deixou muito espaço para melhorias, ou pelo menos algum fleshing out. Em 1967, no entanto, Davis e Macero tinham remendado a sua relação profissional e trabalhado juntos novamente no Miles Smiles. O álbum continua o caminho vibrante traçado no E.S.P., mas com um efeito ligeiramente mais bem sucedido. A dinâmica entre os músicos do quinteto é impressionante, e há uma energia inegável nas sessões que é contagiante, embora certamente esteja a um passo de distância de algum material mais melodioso do início da carreira de Davis. Alguns números se destacam em particular. Primeiro, a abertura da pista “Orbits”, escrita por Wayne Shorter, leva o ouvinte ao equivalente a um passeio de montanha-russa, com o quinteto se lançando em uma das pistas mais revigorantes de sua carreira. E o outro grande destaque, para os meus ouvidos, é “Footprints”, outra composição mais curta e a faixa mais longa do álbum. Leva um bom minuto ou mais antes que o quinteto comece a construir o groove que carrega a música, mas uma vez tocada, não há como voltar atrás. É incrível.
Rating: 9.0 em 10
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