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Uma alegoria subtil e complexa sobre as virtudes da pintura
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A primeira coisa a notar sobre a notável imagem de Vermeer, A Arte da Pintura, é a tapeçaria que paira ao longo do lado esquerdo da pintura. Repare como ela foi desenhada de lado como um drapeado, e também é retida por uma cadeira empurrada contra ela.
O efeito do drapeado é revelar a cena à nossa frente, quase como um conjunto de palco enquanto a cortina está a ser levantada. A palavra para esta técnica é repoussoir: um objeto em uma pintura posicionado em primeiro plano e de um lado, servindo para direcionar a atenção do espectador para o tema principal da obra.
Nesta pintura, o uso do drapeado por Vermeer é enfático: ele nos puxa com sucesso para o espaço além dele, enfatizando a profundidade da sala e incentivando-nos a sentir como se estivéssemos espreitando.
E como a área mais brilhante da pintura – o fino triângulo de parede branca no fundo da sala – se senta diretamente atrás da cortina, Vermeer conseguiu acentuar a profundidade do espaço e suavemente conduzir nosso olhar para o modelo feminino, o foco central da pintura.
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Além da cortina, a pintura é composta por camadas de atividade. Há a borda próxima da mesa com panos coloridos pendurados de lado; depois, mais adiante, há o artista no seu cavalete; depois há o modelo de pé na extremidade mais distante da mesa; e finalmente a parede com o seu enorme mapa.
O propósito destas camadas é aumentar o impacto ilusionista da pintura. Como espectador, estamos a olhar para além da cortina e para dentro da sala, dentro da qual está a ser feita uma segunda pintura. Este efeito de camadas leva-nos de facto ao próprio tema da obra, construído a partir de uma subtil interacção de símbolos e alusões que, juntos, sugerem uma alegoria da própria pintura.
O ponto focal da pintura é sem dúvida o modelo: uma jovem mulher de azul, de pé ao lado de uma janela. O brilho da técnica de Vermeer em capturar os efeitos da luz é demonstrado aqui, pela forma como o brilho da janela se difunde do canto superior esquerdo da pintura sem realmente mostrar a própria janela.
O modelo está carregado de vários itens que sugerem que ela está se fazendo passar por uma figura alegórica. Ela tem uma coroa de louros na cabeça, segura uma trombeta na mão direita e um livro na esquerda. O mais provável é que ela esteja vestida com o disfarce de Clio, a musa da história. As musas eram as deusas da inspiração criativa. Com o tempo, seu número foi estabelecido como nove e cada uma representava uma esfera de influência sobre a aprendizagem e as artes.
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É possível reconhecer Clio por causa dos objetos que ela segura: a coroa de louro denota a honra e a glória da história, a trombeta representa a fama, e o livro grosso, possivelmente de um historiador como Heródoto ou Tucídides, alude ao conhecimento do passado. Estes atributos coincidem com a descrição de Clio tal como dada no livro de Cesare Ripa do século XVI, Iconologia, que foi um texto altamente influente que descreveu como os artistas devem representar mitos e alegorias através de emblemas e símbolos.
Então, a cena que estamos olhando é de um artista pintando um retrato de um modelo vestido como a musa da história.
Na mesa em frente ao modelo, há uma máscara, provavelmente como um símbolo de imitação, e portanto um atributo da Pintura. Quando visto junto com os outros itens da mesa – os pedaços de tecido, um fólio, um pedaço de couro – então é possível vê-los como símbolos coletivos das Artes Liberais. Ou seja, as ciências naturais, ciências sociais, artes e humanidades.
O artista senta-se no seu cavalete, no meio da pintura. Ele está de costas para nós, por isso vemos a mesma vista que ele vê. Nós também podemos vislumbrar a pintura em que ele está trabalhando, e podemos ver que ele começou seu trabalho com a coroa de louros.
Ao esconder o rosto do artista, Vermeer lhe deu uma qualidade universal. Notavelmente, ele é mostrado usando roupas caras, um elegante doublet preto decorado com fendas nas costas e nos braços. O meu detalhe preferido é o par de meias vermelhas que ele está a usar, apenas visível debaixo do assento do seu banco.
O que se passa aqui? A mistura de referências sugere que Vermeer quis ligar as virtudes da pintura ao fluxo da história. E Vermeer coloca o artista no centro desta avaliação.
É importante lembrar que Vermeer viveu numa época em que a categoria de ‘pintura de história’ – que incluía temas da história grega e romana antiga, cenas mitológicas, bíblicas e históricas – era amplamente considerada a forma mais nobre de pintura.
Vermeer não era um pintor de história em si, mas através desta pintura ele está sugerindo que os artistas são importantes transcriptores da história. Além disso, a arte pode ser multifacetada, pode ser estratificada, pode descrever e fazer referência, pode apresentar e executar – como evidenciado no próprio jogo de símbolos dentro da obra. Em suma, a Arte da Pintura é uma celebração dos talentos do artista.
E há mais…
A sala
A ideia da importância da história – e da capacidade do artista em capturá-la – é sublinhada pela história contada através do grande mapa que pende na parede no final da sala.
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O mapa mostra uma vista da Holanda. Foi feito pelo cartógrafo holandês Claes Jansz Visscher. Se você olhar atentamente para o mapa, você pode ver que a nossa vista comum da Holanda foi virada num ângulo de 90 graus, de modo que o norte é mostrado do lado direito e o sul do lado esquerdo.
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Baixo o meio do mapa, maravilhosamente misturado com a pátina de vincos e dobras que se reúnem naturalmente ao longo do tempo, é uma sombra distinta que divide o norte do sul. Esta sombra está amplamente de acordo com a divisão política do território que ocorreu em 1648 após o Tratado de Münster, que deixou a República Holandesa para as províncias do norte e do sul sob o controle dos Habsburgos espanhóis.
O lustre de latão pendurado no teto faz referência aos recentes acontecimentos históricos: a forma assemelha-se a uma águia de duas cabeças, o símbolo imperial dos Habsburgos.
A intenção de Vermeer para a pintura pode ter sido como uma espécie de peça de exposição com a qual ele poderia impressionar os patronos visitantes. Foi uma das maiores pinturas que ele já fez: com 120 x 100 cm, ficou atrás apenas do seu Cristo na Casa de Marta e Maria em tamanho.
Mais ainda, Vermeer nunca vendeu o quadro durante a sua vida. Mesmo quando ele morreu, sua viúva recusou-se a entregá-lo aos credores, apesar de ela e seus filhos terem ficado com dívidas consideráveis.
Como pintor, Vermeer teve um sucesso apenas moderado em sua vida. Ele produziu relativamente poucas pinturas, a maioria delas mostrando cenas de interiores domésticos, como A Arte da Pintura. Sua popularidade hoje atesta a impecabilidade de sua técnica, sua capacidade de iluminar o espaço de forma tão brilhante e, ao mesmo tempo, de preenchê-lo com pequenos detalhes que estimulam a imaginação do espectador.
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Christopher P Jones é um escritor e artista. Ele blogs sobre cultura, arte e vida em seu website