Sculptor Edmonia Lewis Shattered Gender and Race Expectations in 19th-Century America

Sequestrada, espancada e deixada para morrer, Edmonia Lewis, uma talentosa artista com ascendência africana e indígena americana, recusou-se a abandonar os seus sonhos. No inverno de 1862, uma multidão branca a atacou por causa de relatos de que ela havia envenenado dois colegas estudantes do Oberlin College, drogando seu vinho com “Spanish Fly”. Batalhada e lutando para se recuperar de ferimentos graves, ela foi à corte e ganhou uma absolvição.

Embora estes detalhes sejam aparentemente verdadeiros, depois de se tornar uma escultora internacionalmente conhecida, Lewis usou fios de verdade e imaginação para bordar sua história de vida, acrescentando artisticamente à sua reputação como uma pessoa única e escultora que se recusou a ser limitada pelas estreitas expectativas de seus contemporâneos.

Entre as coleções do Smithsonian American Art Museum estão várias obras de Lewis, e seu trabalho mais significativo, A Morte de Cleópatra, saúda os visitantes que sobem ao terceiro andar do museu no Luce Foundation Center. Muitas das obras de Lewis desapareceram do mundo da arte, mas sua imagem de Cleópatra encontrou seu caminho de volta da obscuridade depois de uma estadia de décadas que carregou sua própria estranha história de fama e fortunas perdidas.

Lewis quebrou as expectativas sobre o que artistas femininos e minoritários poderiam realizar. “Era muito o mundo de um homem”, diz a curadora do museu, Karen Lemmey. Lewis, diz ela, “realmente quebrou todos os obstáculos, e ainda há muito pouco conhecido sobre ela… . . É apenas recentemente que o lugar e o ano da sua morte vieram à luz – 1907 Londres”

A artista provou ser particularmente sábia em conquistar apoiadores na imprensa e no mundo da arte, alterando a sua história de vida para se adequar ao seu público. “Tudo o que sabemos sobre ela realmente deve ser tomado com um grão de sal, um grão de sal bem forte, porque em seu próprio tempo, ela foi uma mestre de sua própria biografia”, diz Lemmey. Lewis mudou seu conto autobiográfico para ganhar apoio, mas ela não acolheu reações de piedade ou condescendência.

“Alguns me elogiam porque sou uma menina de cor, e eu não quero esse tipo de elogio”, disse ela. “Eu preferia que você apontasse meus defeitos, pois isso me ensinará algo”.

A vida de Lewis era profundamente incomum. Chamada Wildfire ao nascer, ela aparentemente teve uma mãe parcialmente Chippewa e um pai haitiano. Lewis alegou que sua mãe era de sangue puro Chippewa, mas há discordância sobre este ponto. Essa ascendência a distinguiu e a acrescentou à sua imagem “exótica”. Seu pai trabalhou como criado de um cavalheiro, enquanto sua mãe fazia souvenirs nativo-americanos para venda a turistas.

Depois que ambos os pais morreram quando ela era jovem, Lewis foi criada por tias maternas no norte do estado de Nova York. Ela teve um meio-irmão que viajou para o oeste durante a corrida do ouro e ganhou dinheiro suficiente para financiar sua educação, uma oportunidade rara para uma mulher ou uma minoria no século 19. Ela foi recebida no progressista Oberlin College em 1859, mas seu tempo lá não foi fácil. Mesmo depois de ser ilibada de acusações de envenenamento, Lewis não conseguiu terminar seu último período em Oberlin, após alegações de que tinha roubado tinta, pincéis e uma moldura de imagem. Apesar da demissão das acusações de roubo, a faculdade lhe pediu para sair sem chance de completar seus estudos e receber seu diploma.

A Lewis mudou-se para Boston, novamente com ajuda financeira de seu meio-irmão. Lá, ela conheceu vários abolicionistas, como William Lloyd Garrison, que apoiava seu trabalho.

Quando os escultores brancos, ela não conseguia fundamentar seu trabalho no estudo da anatomia. Tais aulas eram tradicionalmente limitadas aos homens brancos: no entanto, algumas mulheres brancas pagavam para ter uma formação na matéria. Lewis não podia pagar as aulas, então ela se dedicava ao seu ofício sem o treinamento que seus pares possuíam. O escultor Edward Brackett foi o seu mentor e ajudou-a a montar o seu próprio estúdio.

O seu primeiro sucesso como artista veio da venda de medalhões que ela fez de barro e gesso. Estes retratos esculpidos apresentavam imagens de abolicionistas famosos, incluindo Garrison, John Brown e Wendell Phillips, um defensor dos Nativo-Americanos. Mas seu primeiro verdadeiro sucesso financeiro veio em 1864, quando ela criou um busto do coronel da Guerra Civil Robert Shaw, um oficial branco que tinha comandado a 54ª infantaria de Massachusetts composta por soldados afro-americanos. Shaw tinha sido morto na segunda batalha do Forte Wagner, e tropas confederadas desprezíveis despejaram os corpos de Shaw e das suas tropas numa vala comum. Cópias do busto venderam o suficiente para financiar a mudança de Lewis para a Europa.

De Boston, ela viajou para Londres, Paris e Florença antes de decidir viver e trabalhar em Roma em 1866. A colega escultora americana Harriet Hosmer tomou Lewis sob sua asa e tentou ajudá-la a ter sucesso. Escultores daquela época tradicionalmente pagavam aos artesãos de pedra romanos para produzir seus trabalhos em mármore, e isso levou a algumas perguntas sobre se os verdadeiros artistas eram os escultores originais ou os artesãos de pedra. Lewis, que muitas vezes não tinha dinheiro para contratar ajuda, esculpiu a maioria de suas próprias figuras.

Apesar de estar em Roma, ela criou A Morte de Cleópatra, sua maior e mais poderosa obra. Ela investiu mais de quatro anos da sua vida nesta escultura. Às vezes, ela ficou sem dinheiro para completar o trabalho monolítico, então ela voltou aos Estados Unidos, onde vendeu peças menores para ganhar o dinheiro necessário. Em 1876, ela enviou a escultura de quase 3.000 libras para Filadélfia, para que a peça pudesse ser considerada pelo comitê de seleção das obras para a Exposição do Centenário, e ela também foi para lá. Ela temia que os juízes rejeitassem seu trabalho, mas, para seu grande alívio, o painel ordenou sua colocação na Galeria K do Memorial Hall, aparentemente reservada para artistas americanos. Citações de guias da obra observaram que estava à venda.

“Algumas pessoas ficaram impressionadas com ela. Eles pensaram que era uma escultura de mármore magistral”, diz Lemmey. Outros discordaram, criticando a sua imagem gráfica e perturbadora do momento em que Cleópatra se matou. Um artista, William J. Clark Jr. escreveu em 1878 que “os efeitos da morte são representados com tal habilidade que são absolutamente repelentes – e é uma questão se uma estátua das características sinistras desta não ultrapassa os limites da arte legítima”. O momento em que o veneno da áspide fez o seu trabalho foi demasiado gráfico para alguns verem.

Lewis mostrou a lendária rainha do antigo Egito em seu trono. O corpo sem vida, com a cabeça inclinada para trás e os braços abertos, retrata um realismo vívido e incaracterístico do final do século XIX. Lewis mostrou a habilidosa Cleópatra “reivindicando sua biografia ao cometer suicídio em seu trono”, diz Lemmey. Ela acredita que Lewis retratou Cleópatra “selando seu destino e tendo a última palavra sobre como ela será registrada na história”, uma idéia que pode ter apelado para Lewis.

Depois que a exposição de Filadélfia terminou, esta Cleópatra começou uma vida própria e uma odisséia que removeu a escultura do mundo da arte por mais de um século. Ela apareceu na Chicago Interstate Industrial Expo, e sem nenhum comprador à vista dentro do mundo da arte, ela viajou para o reino do mundano. Como lendários viajantes antes dela, ela enfrentou muitas provações e um episódio prolongado de identidade equivocada ao ser lançada em múltiplos papéis. Sua primeira missão foi servir como peça central de um saloon de Chicago. Depois, um dono de cavalos de corrida e jogador chamado “Blind John” Condon comprou-a para ser colocada na cova de um cavalo bem amado, com o nome do antigo líder. Como um prisioneiro notório, a escultura sentou-se em frente à multidão no Harlem Race Track em Forest Park, um subúrbio de Chicago. Lá, Cleópatra manteve a quadra enquanto o trabalho se transformava.

O decorrer dos anos, o hipódromo tornou-se um campo de golfe, um local de munições da Marinha e, finalmente, um centro de correio em massa. Em todos os tipos de tempo, a egípcia régia apodreceu, servindo como pouco mais do que um obstáculo para qualquer atividade que ocorresse ao seu redor. Amadores bem-intencionados tentaram melhorar a sua aparência. Os escuteiros aplicaram uma camada fresca de tinta para cobrir os pichações que manchavam a sua forma de mármore. Nos anos 80, ela foi entregue à Sociedade Histórica do Forest Park, e a historiadora de arte Marilyn Richardson desempenhou um papel importante no esforço de resgatá-la.

No início dos anos 90, a sociedade histórica doou a escultura para o Smithsonian, e um conservador de Chicago foi contratado para devolvê-la à sua forma original com base em uma única fotografia sobrevivente. Embora o museu não tenha planos para mais restauração, Lemmey espera que projetos fotográficos digitais em instituições ao redor do mundo algum dia possam desenterrar mais imagens do estado original da escultura.

Apenas como a história da escultura é complicada e um pouco obscura, a própria artista permanece um pouco misteriosa. Conhecida como uma das primeiras escultoras profissionais negras, Lewis deixou algumas obras, mas muitas de suas esculturas desapareceram. Ela tinha produzido uma variedade de bustos de retratos que homenageavam americanos famosos, como Abraham Lincoln, Ulysses S. Grant e Henry Wordsworth Longfellow.

Durante o seu primeiro ano em Roma, ela produziu Old Arrow Maker, que representa uma parte da história de Longfellow “The Song of Hiawatha” – um poema que inspirou várias de suas obras. Artistas brancos tipicamente caracterizaram os nativos americanos como violentos e incivilizados, mas Lewis mostrou mais respeito pela sua civilização. Esta escultura também reside no Smithsonian American Art Museum.

Her first major work, Forever Free (Morning of Liberty), foi concluída um ano após a sua chegada a Roma. Ela mostra um homem negro de pé e uma mulher negra ajoelhada no momento da emancipação. Outra obra, Agar, encarna a escrava egípcia Agar, do Antigo Testamento, depois de ter sido expulsa da casa de Abraão e Sara. Como Sara não tinha conseguido ter filhos, ela insistiu que Abraão impregnasse sua escrava, para que o filho de Agar pudesse se tornar de Sara. Entretanto, depois que Agar deu à luz Ismael, Sara deu à luz seu próprio filho Isaque, e ela expulsou Agar e Ismael. Este retrato de Agar desenha paralelos com os africanos mantidos como escravos durante séculos nos Estados Unidos. Hagar é uma parte da coleção do Smithsonian American Art Museum.

Embora muitas de suas obras não tenham sobrevivido, algumas das peças de Lewis agora podem ser encontradas na Howard University Gallery of Art, Detroit Institute of Arts, o Metropolitan Museum of Art, e o Baltimore Museum of Art. Lewis tornou-se recentemente tema de um Google Doodle que a retrata trabalhando em A Morte de Cleópatra. Além disso, o New York Times a apresentou em 25 de julho de 2018 em sua série “Overlooked No More” (Não Mais Ignorada) de obituários escritos sobre mulheres e minorias cujas vidas haviam sido ignoradas pelos jornais por causa do preconceito cultural que reverenciava os homens brancos.