WTF é… Performance Art?

Talvez tenha ouvido dizer que James Franco e Lady Gaga são artistas performativos, que as suas carreiras são objectos de arte construídos ao longo de uma vida. Você também pode acreditar que seu tio Bob peidando o alfabeto é arte da performance. E talvez seja! Realmente, depende de você, não há um gráfico rápido e fácil para dizer o que é arte performativa e o que não é. No entanto, há algumas orientações a seguir ao definir a performance, tanto no contexto da história do meio como da sua prática actual. Apesar do que você ouviu, há boas razões para que ser levado para dentro dos Grammys num ovo não seja realmente um ato de performance art.

Se fossemos atribuir à performance art uma única característica definidora, provavelmente seria o fato de que uma peça de performance art deve ser centrada numa ação realizada ou orquestrada por um artista, um gesto artístico baseado no tempo e não permanente que tenha um começo e um fim. A documentação da performance pode viver para sempre, desde fotos e artefatos até a documentação completa em vídeo, mas a performance em si é efêmera. Se você teve a sorte de estar na platéia, então o que você testemunhou foi a verdadeira obra de arte da performance. O resto de nós estamos apenas vendo os restos, por mais icônicos que sejam.

Os historiadores de arte citam frequentemente Futuristas e Dadaístas entre os primeiros praticantes de arte performativa, a arte performativa surgiu como um movimento discreto no final dos anos 50 e início dos anos 60, com os primeiros praticantes incluindo o artista-shaman Joseph Beuys, a artista de Fluxus Yoko Ono e o criador “Happenings” Alan Kaprow. No entanto, só porque estes artistas foram pioneiros na arte performativa, não significa que só tenham criado peças performativas. A arte da performance não é definida pela carreira do artista, mas sim pela peça individual – um pintor pode fazer uma performance e um artista performativo pode fazer uma pintura. As primeiras peças de performance eram eventos muito interdisciplinares, misturando música, adereços de palco escultóricos, instalação imersiva e música. O “18 Happenings in 6 Parts” de Kaprow, de 1959, “envolveu um público se movendo juntos para experimentar elementos como uma banda tocando instrumentos de brinquedo, uma mulher apertando uma laranja, e pintores pintando”, de acordo com o obituário do artista de 2006 pelo crítico de arte do New York Times Holland Cotter.

Outras performances foram mais austeras. Bueys 1974 “I Like America and America Likes Me” viu o artista ficar em um espaço de galeria por três dias, embrulhando-se em feltro e compartilhando o espaço com um coiote selvagem. Uma peça de arte performativa não precisa necessariamente ter um público; apenas tem de acontecer. As performances da artista cubano-americana Ana Mendieta, muitas delas envolvendo depressões em forma de figura humana escavadas em paisagens ao ar livre, agora só existem como fotografias. Ninguém foi testemunha do trabalho, a não ser a câmera e o fotógrafo. No entanto, a fotografia não é o objeto de arte; na verdade, é quase acidental ao ato original.

“É a ação que é a arte, não tanto o resultado físico”, diz o curador de arte performática e co-diretor da exposição Grace Exhibition Space, Erik Hokanson. “Muitas vezes há pouco ou nenhum resultado além do que você se afasta da peça com pensamento ou sentimento.” Outro exemplo disso seriam as primeiras peças do artista alemão Anselm Kiefer, nas quais o artista se fotografou dando ao nazista uma saudação em paisagens da Europa. As fotos são poderosas, mas é o ato que nos faz lembrar a memória ainda nítida da expansão da Alemanha nazista através do continente. Observa o artista performático e curador Peter Dobill num e-mail, “A arte performativa … existe apenas no tempo em que é criada, mas é muitas vezes vista em perpetuidade através da documentação”

A ideia de performance versus documento tem vindo a ganhar relevo, uma vez que a arte performativa se tem afirmado como um meio. Quando uma performance é documentada e o trabalho resultante se torna um ícone histórico da arte, o fotógrafo ou o performer deve receber o crédito? Uma recente exposição do Museu de Arte Moderna fez a pergunta. Mas novamente, as performances não precisam de documentação para serem eficazes. Uma performance de sucesso é “tudo sobre quão bem o artista é capaz de transmitir sua idéia”, diz Hokanson.

Então pergunte-se: a “performance” do ovo de Lady Gaga provoca algum pensamento mais profundo sobre o ato em si? Tocar em um piano em forma alienígena em botas Alexander McQueen cria algum simbolismo abstrato? Será que peidar o alfabeto tem um significado duradouro além de sua efêmera existência? Provavelmente não.

* * *

Algumas Performances Icónicas:

Joseph Beuys “How to Explain Pictures to a Dead Hare” (1965)

Chris Burden’s “Shoot” (1971)

Vito Acconci’s “Seedbed” (1972)

Carolee Schneemann’s “Interior Scroll” (1975)

Marina Abramovic’s “The Artist is Present” (2010) (visto no topo)

* * *

Yet apesar desta lista, construir um cânone de arte performativa é uma tarefa meio irônica. A qualidade efémera do próprio meio derrota o processo normal de construção de uma história de arte – ou seja, colocar objectos numa linha temporal, comparando-os, reexaminando-os décadas ou séculos mais tarde. A verdadeira fruição da arte performativa ocorre apenas uma vez, e apenas para um determinado conjunto de testemunhas. Como é que os críticos e estudiosos podem então olhar para eles em análise? A resposta é com dificuldade. A controvérsia gira em torno da ideia de reencenar performances – pode uma peça original de arte performativa ser recriada, ou deve ser recriada? Marina Abramovic confrontou-se com estas questões na sua retrospectiva do MoMA 2010, para a qual treinou actores e artistas performativos para reencenar as suas próprias performances icónicas. A artista também reencenou peças históricas de performance artística em suas próprias versões com “Seven Easy Pieces” em 2005.

Ainda, à medida que a performance art amadurecer, continuaremos a lutar pela melhor forma de preservá-la. E essa é provavelmente a maior questão enfrentada pela arte performativa como disciplina – como evitar que a areia caia por entre os dedos como críticos, escritores, estudantes, curadores e artistas?