Skulptören Edmonia Lewis krossade förväntningarna på kön och ras i 1800-talets Amerika

Edmonia Lewis, en begåvad konstnär med både afro- och indianska anor, blev kidnappad, misshandlad och lämnad till döden, men vägrade att överge sina drömmar. Vintern 1862 hade en vit mobb attackerat henne på grund av rapporter om att hon hade förgiftat två studiekamrater vid Oberlin College genom att droga deras vin med ”Spanish Fly”. Misshandlad och kämpande för att återhämta sig från allvarliga skador gick hon till domstol och vann ett frikännande.

Och även om dessa detaljer uppenbarligen är sanna, använde Lewis, efter att ha blivit en internationellt känd skulptör, trådar av både sanning och fantasi för att brodera sin livshistoria, vilket på ett konstfullt sätt bidrog till hennes rykte som en unik person och en skulptör som vägrade att låta sig begränsas av de snäva förväntningar som hennes samtida hade.

I Smithsonian American Art Museums samlingar finns flera av Lewis verk, och hennes viktigaste verk, The Death of Cleopatra, möter besökare som klättrar upp till museets tredje våning i Luce Foundation Center. Många av Lewis verk försvann från konstvärlden, men hennes bild av Kleopatra hittade tillbaka från mörkret efter en decennier lång vistelse som bar på sin egen märkliga historia om berömmelse och förlorade förmögenheter.

Lewis krossade förväntningarna på vad kvinnliga konstnärer och konstnärer tillhörande minoriteter kunde åstadkomma. ”Det var mycket en mansvärld”, säger museets intendent Karen Lemmey. Lewis, säger hon, ”bröt verkligen igenom alla hinder, och det är fortfarande anmärkningsvärt lite känt om henne”. . . Det är först nyligen som platsen och året för hennes död har kommit fram – 1907 i London.”

Konstnären visade sig vara särskilt skicklig när det gällde att vinna anhängare i pressen och i konstvärlden genom att ändra sin livshistoria för att passa sin publik. ”Allt vi vet om henne måste verkligen tas med ett korn av salt, ett ganska rejält korn av salt, eftersom hon på sin egen tid var en mästare på sin egen biografi”, säger Lemmey. Lewis flyttade sin självbiografiska berättelse för att vinna stöd, men hon välkomnade inte reaktioner av medlidande eller nedlåtande.

”En del berömmer mig för att jag är en färgad flicka, och jag vill inte ha den sortens beröm”, sade hon. ”Jag hade hellre sett att ni påpekade mina brister, för det kommer att lära mig något.”

Lewis liv var djupt ovanligt. Hon fick namnet Wildfire vid födseln och hade tydligen en delvis Chippewa-mor och en haitisk far. Lewis hävdade att hennes mor var fullblodig chippewa, men det råder oenighet på denna punkt. Denna härstamning gjorde henne speciell och bidrog till hennes ”exotiska” image. Hennes far arbetade som herrtjänare medan hennes mor tillverkade indianska souvenirer som hon sålde till turister.

När båda föräldrarna dog när hon var ung uppfostrades Lewis av mostrar i norra New York. Hon hade en halvbror som reste västerut under guldrushen och tjänade tillräckligt med pengar för att finansiera hennes utbildning, en sällsynt möjlighet för en kvinna eller en minoritet på 1800-talet. Hon välkomnades till det progressiva Oberlin College 1859, men hennes tid där var inte lätt. Även efter att ha blivit friad från anklagelserna om förgiftning kunde Lewis inte avsluta sin sista termin på Oberlin efter anklagelser om att hon hade stulit färg, penslar och en tavelram. Trots att anklagelserna om stöld avvisades bad college henne att lämna utan möjlighet att slutföra sin utbildning och få sin examen.

Hon flyttade till Boston, återigen med ekonomiskt stöd från sin halvbror. Där träffade hon flera abolitionister, till exempel William Lloyd Garrison, som stödde hennes arbete.

I motsats till vita manliga skulptörer kunde hon inte grunda sitt arbete på studier av anatomi. Sådana kurser var traditionellt sett begränsade till vita män: några få vita kvinnor betalade dock för att få en bakgrund i ämnet. Lewis hade inte råd med kurserna, så hon ägnade sig åt sitt hantverk utan den utbildning som hennes jämnåriga hade. Skulptören Edward Brackett fungerade som hennes mentor och hjälpte henne att inrätta en egen ateljé.

Hennes första framgång som konstnär kom från försäljningen av medaljonger som hon gjorde av lera och gips. Dessa skulpterade porträtt innehöll bilder av kända abolitionister, däribland Garrison, John Brown och Wendell Phillips, en förespråkare för infödda amerikaner. Men hennes första riktiga ekonomiska framgång kom 1864, när hon skapade en byst av inbördeskrigets överste Robert Shaw, en vit officer som hade lett 54th Massachusetts infantry bestående av afroamerikanska soldater. Shaw hade dödats i det andra slaget vid Fort Wagner, och föraktfulla konfedererade trupper dumpade kropparna av Shaw och hans trupper i en massgrav. Kopior av bysten sålde tillräckligt bra för att finansiera Lewis flytt till Europa.

Från Boston reste hon till London, Paris och Florens innan hon 1866 bestämde sig för att bo och arbeta i Rom. Den amerikanska skulptörskollegan Harriet Hosmer tog Lewis under sin vinge och försökte hjälpa henne att lyckas. Skulptörer på den tiden betalade traditionellt romerska stenhantverkare för att tillverka sina verk i marmor, och detta ledde till vissa frågor om huruvida de verkliga konstnärerna var de ursprungliga skulptörerna eller stenhantverkarna. Lewis, som ofta saknade pengar för att anlita hjälp, mejslade de flesta av sina egna figurer.

Medans hon var i Rom skapade hon The Death of Cleopatra, hennes största och mest kraftfulla verk. Hon lade ner mer än fyra år av sitt liv på denna skulptur. Ibland saknade hon pengar för att slutföra det monolitiska verket, så hon återvände till USA, där hon sålde mindre bitar för att tjäna in de nödvändiga pengarna. År 1876 skeppade hon den nästan 3 000 pund tunga skulpturen till Philadelphia så att verket kunde beaktas av den kommitté som valde ut verk till hundraårsutställningen, och hon åkte dit också. Hon fruktade att domarna skulle förkasta hennes verk, men till hennes stora lättnad beordrade kommittén att den skulle placeras i galleri K i Memorial Hall, som tydligen var reserverat för amerikanska konstnärer. I guideböcker om verket stod det att det var till salu.

”En del människor blev helt hänförda av det. De tyckte att det var en mästerlig marmorskulptur”, säger Lemmey. Andra höll inte med och kritiserade dess grafiska och störande bild av det ögonblick då Kleopatra tog livet av sig. En konstnär, William J. Clark Jr. skrev 1878 att ”dödens effekter framställs med sådan skicklighet att de är absolut motbjudande – och det är en fråga om inte en staty med de hemska egenskaperna hos den här statyn överskrider gränserna för den legitima konsten”. Ögonblicket då aspens gift gjorde sitt jobb var för grafiskt för vissa att se.

Lewis visade den legendariska drottningen av det gamla Egypten på sin tron. Den livlösa kroppen med huvudet lutande bakåt och armarna utspridda visar en levande realism som inte var typisk för det sena 1800-talet. Lewis visade den mäktiga Kleopatra som ”gjorde anspråk på sin biografi genom att begå självmord på sin tron”, säger Lemmey. Hon tror att Lewis porträtterade Kleopatra som ”beseglar sitt öde och har det sista ordet om hur hon ska skrivas in i historien”, en idé som kan ha tilltalat Lewis.

När utställningen i Philadelphia avslutades började denna Kleopatra ett eget liv och en odyssé som avlägsnade skulpturen från konstvärlden i mer än ett sekel. Hon dök upp på Chicago Interstate Industrial Expo, och utan någon köpare i sikte inom konstvärlden reste hon in i det vardagliga. Liksom legendariska vandrare före henne mötte hon många prövningar och en lång episod av förväxling av identiteter när hon fick flera roller. Hennes första uppdrag var att fungera som mittpunkt i en saloon i Chicago. Sedan köpte en kapplöpningshästägare och spelare vid namn ”Blind John” Condon henne för att placera henne på kapplöpningsbanans grav till en älskad häst som var uppkallad efter den forntida ledaren. Likt en ökänd fånge som hölls upp för att förlöjligas satt skulpturen rakt framför publiken på Harlem Race Track i Forest Park, en förort till Chicago. Där höll Kleopatra hov medan verkets omgivning förvandlades.

Under årens lopp blev kapplöpningsbanan en golfbana, en ammunitionsanläggning för flottan och slutligen en postcentral. I alla sorters väder förföll den kungliga egyptiskan när hon inte fungerade som något mer än ett hinder för vilken aktivitet som helst som skedde runtomkring. Välmenande amatörer försökte förbättra hennes utseende. Pojkscouter lade på ett nytt lager färg för att täcka graffiti som skadade dess marmorform. På 1980-talet överlämnades hon till Forest Park Historical Society, och konsthistorikern Marilyn Richardson spelade en ledande roll i arbetet med att rädda henne.

I början av 1990-talet donerade det historiska sällskapet skulpturen till Smithsonian, och en konservator från Chicago anlitades för att återställa skulpturen till dess ursprungliga form med utgångspunkt i ett enda överlevande fotografi. Även om museet inte har några planer på ytterligare restaurering hoppas Lemmey att digitala fotoprojekt på institutioner runt om i världen en dag kan gräva fram fler bilder av skulpturens ursprungliga skick.

Såväl som skulpturens historia är komplicerad och något oklar, förblir konstnären själv lite av ett mysterium. Lewis, som är känd som en av de första svarta professionella skulptörerna, lämnade efter sig några verk, men många av hennes skulpturer har försvunnit. Hon hade tillverkat en mängd porträttbyster som hedrade kända amerikaner, såsom Abraham Lincoln, Ulysses S. Grant och Henry Wordsworth Longfellow.

Under sitt första år i Rom tillverkade hon Old Arrow Maker, som föreställer en del av berättelsen i Longfellows ”The Song of Hiawatha” – en dikt som inspirerat flera av hennes verk. Vita konstnärer karakteriserade vanligtvis indianer som våldsamma och ociviliserade, men Lewis visade mer respekt för deras civilisation. Denna skulptur finns också på Smithsonian American Art Museum.

Hennes första stora verk, Forever Free (Morning of Liberty), färdigställdes ett år efter hennes ankomst till Rom. Den visar en svart man som står och en svart kvinna som knäböjer i frigörelseögonblicket. Ett annat verk, Hagar, förkroppsligar den gammaltestamentliga egyptiska slaven Hagar efter att ha kastats ut från Abrahams och Sarahs hem. Eftersom Sara inte hade kunnat få barn hade hon insisterat på att Abraham skulle befrukta hennes slav, så att Hagars barn kunde bli Sarahs. Men efter att Hagar hade fött Ismael födde Sara sin egen son Isak och kastade ut Hagar och Ismael. Denna skildring av Hagar drar paralleller till afrikaner som hållits som slavar i århundraden i USA. Hagar ingår i Smithsonian American Art Museums samling.

Och även om många av hennes verk inte överlevde, finns några av Lewis verk nu på Howard University Gallery of Art, Detroit Institute of Arts, Metropolitan Museum of Art och Baltimore Museum of Art. Lewis blev nyligen föremål för en Google Doodle som visar hur hon arbetar med The Death of Cleopatra. Dessutom presenterade New York Times henne den 25 juli 2018 i sin serie ”Overlooked No More” med dödsannonser skrivna om kvinnor och minoriteter vars liv hade ignorerats av tidningarna på grund av de kulturella fördomar som vördade vita män.