Animazione e live action non sono spesso compagni di letto nel cinema, soprattutto perché sono forme d’arte così diverse. Ma l’attuale uscita di Life, Animated, il documentario su un bambino autistico che ha usato i film animati Disney per capire il mondo, ci ricorda che ci sono eccezioni impressionanti. A volte l’azione dal vivo e l’animazione possono unirsi, non per combinare semplicemente i mondi dei cartoni animati e degli umani (Mary Poppins, Space Jam, Chi ha incastrato Roger Rabbit), ma per collaborare verso un obiettivo artistico più grande. Ecco otto film che amiamo in cui i due mezzi di comunicazione si scontrano, e cosa hanno ottenuto facendolo.
Life, Animated
L’animazione è usata in tutto Life, Animated per visualizzare ricordi e reminiscenze dell’infanzia di Owen, il soggetto del film, che non hanno filmati. Ma c’è una sequenza in particolare che spicca: un adattamento animato di una storia chiamata “The Land of the Lost Sidekicks” che Owen ha scritto da bambino, che rivela i suoi sentimenti su se stesso, su Disney e sul mondo. Il regista Roger Ross Williams ha lavorato con lo studio di design francese Mac Guff – in particolare il suo proprietario Philippe Sonrier e gli artisti Mathieu Betard e Olivier Lescot – per dare vita alla storia con semplici, ma vivaci disegni a matita e uso del colore. Ciò che spicca nel prodotto finito non è solo che la sequenza è splendidamente animata, o una scelta creativa molto appropriata per il soggetto del documentario (qualcuno con un amore per l’animazione) – è che usa l’animazione per darci accesso visivo ed empatico alla mente di Owen, permettendoci di vedere un mondo che altrimenti non sarebbe disponibile.
Hedwig and the Angry Inch
Quando Hedwig, una musicista rock genderqueer, inizia a cantare “The Origin of Love” in questo film musical di culto, l’abbinamento con una rappresentazione animata della storia della canzone (basata su una del Simposio di Platone) potrebbe essere liquidato come un video musicale. Ma l’animazione è più di questo. Per prima cosa, la miscela dell’animatrice Emily Hubley di figure simili a Picasso e immagini da libro di fiabe aiuta a portare il mito alla vita in un modo che potrebbe essere stato difficile per alcuni visualizzare altrimenti. Nel frattempo, l’animazione ci permette di tracciare meglio la connessione tra la storia di Platone e quella di Hedwig. L’effetto mostra come mescolare l’animazione con l’azione dal vivo può aggiungere grande profondità tematica.
The Fall
Il sottovalutato film di Tarsem Singh – su uno stuntman in un ospedale che racconta a una giovane ragazza delle storie che vengono visualizzate in sequenze stupefacenti e vibranti – non manca di splendori visivi. Ma un momento particolarmente notevole è quando la ragazza subisce un intervento chirurgico e ha un incubo rappresentato in stop-motion. Animata dai fratelli Lauenstein, è una sequenza oscura e inquietante, che sembra fuori posto visivamente con il resto del film. Ma è proprio per questo che è così efficace: illustra quanto siano potenti le sue paure inconsce, e quanto possa essere astratto il modo in cui i bambini cercano di capire il mondo. In questo modo, l’uso dell’animazione stop-motion illustra queste qualità in un modo che una sequenza live-action non avrebbe mai potuto avere.
Kurt Cobain: Montage of Heck
Quando il regista Brett Morgen ha scoperto una registrazione fatta da Kurt Cobain su una cassetta che descriveva un primo incontro sessuale formativo e un tentativo di suicidio, non sapeva subito come metterlo nel suo film. Alla fine ha deciso per quella che sarebbe diventata una sequenza di animazione monocellulare di quattro minuti che è uno dei punti salienti del documento. I 6.000 fotogrammi e i 60 dipinti ad olio che la compongono sono stati creati in quattro mesi da Hisko Hulsing, un animatore olandese, con un team di più di due dozzine di persone. Il risultato non è solo degno di nota per la sensazione di un cortometraggio autonomo, ma indica anche come l’animazione inventiva può aiutare i documentari a visualizzare materiale per cui non ci sono filmati. Si distingue per onorare e accentuare la narrazione, la mente artistica e la visione del mondo di Cobain con la sua estetica lunatica e oscura.
Waking Life/A Scanner Darkly
Richard Linklater non è mai stato un regista convenzionale, e Waking Life e A Scanner Darkly sono forse due dei suoi film più anticonvenzionali. Questo è in gran parte dovuto alla loro estetica surreale e disorientante che stratifica animazione e live-action insieme. Le immagini di entrambi i film sono state create prima girando i film normalmente con video digitali. Poi è stato usato il rotoscoping – un metodo in cui il filmato live-action è ricalcato con l’animazione – con un programma speciale chiamato Rotoshop. Ciò che distingue questi film di Linklater è l’uso efficace dell’animazione per completare i mondi e gli stati d’animo dei film. Le riflessioni eteree sulla filosofia e l’esistenzialismo in Waking Life si riflettono piacevolmente nelle fluttuazioni traballanti dell’animazione del film. Per quanto riguarda A Scanner Darkly, il paranoico e distopico mondo del prossimo futuro di Philip K. Dick è ugualmente ben catturato dall’aspetto familiare, ma strano, del rotoscoping applicato a Keanu Reeves e alle sue co-star. Non è un mix che funzionerebbe per tutti i film, ma è difficile immaginare che uno di questi sia altrettanto efficace senza di esso.
Diario di una ragazza adolescente
L’adattamento della graphic novel di Phoebe Glockner sul risveglio sessuale dell’artista adolescente Minnie è punteggiato per tutto il tempo dall’interazione della protagonista con la sua stessa arte. Le immagini che Minnie vede e con cui parla – tutte disegnate a mano dalla Brookylinite islandese Sara Gunnarsdottir – sono usate più come l’animazione in Life, Animated: per fornire l’accesso al mondo interno di una persona (o personaggio di fantasia, in questo caso). Ciò che è particolarmente bello in Diary of a Teenage Girl è che l’animazione riflette l’arte stessa di Minnie, facendo quel passo in più che ci permette di vedere come un’artista come lei vede il mondo come fonte perpetua di ispirazione per il suo lavoro.
Monty Python e il Sacro Graal
Lo stile comico dei Monty Python è sempre stato animato, quindi l’uso dell’animazione nella classica parodia della leggenda arturiana della troupe è sempre stata una scelta naturale. Le illustrazioni tra i racconti dei vari cavalieri inetti della Tavola Rotonda hanno anche uno scopo funzionale. Forniscono interruzioni di capitolo, mentre rispecchiano l’aspetto delle illustrazioni dell’epoca medievale. Ma nell’animare i disegni, Terry Gilliam (che li ha basati sugli scarabocchi che i monaci disegnavano nei manoscritti nel Medioevo) ha anche fornito un valore aggiunto: l’umorismo. Come in molti altri suoi lavori dei Python, gli interludi scivolano senza soluzione di continuità nella gioiosa commedia infantile che si trova nel resto del racconto.
Waltz With Bashir
Il documentario di Ari Folman che indaga sui suoi ricordi perduti della guerra del Libano del 1982 non è un soggetto che si potrebbe immediatamente classificare come animazione. Ma lo stile inventivo – scuro ma bello – del film va molto lontano nell’evocare la sensazione onirica dei ricordi che lentamente ritornano. L’aspetto del film è stato ottenuto con una sorta di processo di pre-visualizzazione fuori dall’ordine: interviste e scene sono state girate prima su palchi sonori, poi trasformate in storyboard, quindi animate usando Adobe Flash, oltre all’animazione classica e 3D. L’effetto finale è difficile da descrivere senza vederlo, ma dopo averlo visto, è difficile immaginare che la storia di Waltz With Bashir venga raccontata in un altro modo. Questo, tra l’altro, è ciò che unisce tutti i film che usano creativamente l’animazione e l’azione dal vivo insieme: non è mai un espediente o uno scherzo, ma un modo per raccontare una storia particolare nel miglior modo possibile.
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