Un’allegoria sottile e complessa sulle virtù della pittura
La prima cosa da notare della notevole immagine di Vermeer, L’arte della pittura, è l’arazzo che è appeso lungo il lato sinistro del dipinto. Notate come è stato tirato da parte come un drappo, ed è anche tenuto indietro da una sedia spinta contro di esso.
L’effetto del drappo è quello di rivelare la scena di fronte a noi, quasi come un palcoscenico mentre il sipario viene sollevato. La parola per questa tecnica è repoussoir: un oggetto in un dipinto posizionato in primo piano e su un lato, che serve a dirigere l’attenzione dello spettatore verso il soggetto principale dell’opera.
In questo dipinto, l’uso del drappo da parte di Vermeer è enfatico: ci attira con successo nello spazio al di là di esso, sottolineando la profondità della stanza e incoraggiandoci a sentirci come se stessimo sbirciando dentro.
E poiché la zona più luminosa del dipinto – il sottile triangolo di muro bianco in fondo alla stanza – si trova direttamente dietro la tenda, Vermeer è riuscito ad accentuare la profondità dello spazio e a condurre delicatamente il nostro sguardo verso la modella, il centro del dipinto.
Al di là della tenda, il dipinto è composto da strati di attività. C’è il bordo vicino del tavolo con i panni colorati appesi di lato; poi, più avanti, c’è l’artista al suo cavalletto; poi c’è la modella in piedi all’estremità del tavolo; e infine il muro con la sua enorme mappa.
Lo scopo di questi strati è di aumentare l’impatto illusionistico del dipinto. Come spettatore, stiamo guardando oltre il drappo e nella stanza, all’interno della quale si sta realizzando un secondo dipinto. Questo effetto di stratificazione ci porta in realtà al soggetto stesso dell’opera, costruito da un sottile gioco di simboli e allusioni che, insieme, suggeriscono un’allegoria della pittura stessa.
Il punto focale del dipinto è senza dubbio la modella: una giovane donna vestita di blu in piedi accanto a una finestra. La brillantezza della tecnica di Vermeer nel catturare gli effetti della luce è dimostrata qui, dal modo in cui il bagliore della finestra si diffonde dall’angolo in alto a sinistra del dipinto senza mostrare effettivamente la finestra stessa.
La modella è carica di diversi oggetti che suggeriscono che sta posando come una figura allegorica. Ha una corona di alloro sulla testa, tiene una tromba nella mano destra e un libro nella sinistra. Molto probabilmente è vestita nelle vesti di Clio, la musa della storia. Le muse erano le dee dell’ispirazione creativa. Con il tempo, il loro numero fu stabilito in nove e ognuna rappresentava una sfera di influenza sull’apprendimento e le arti.
È possibile riconoscere Clio a causa degli oggetti che tiene in mano: la corona di alloro denota l’onore e la gloria della storia, la tromba sta per la fama, e lo spesso libro, forse di uno storico come Erodoto o Tucidide, allude alla conoscenza del passato. Questi attributi corrispondono alla descrizione di Clio data nel libro di Cesare Ripa del XVI secolo, Iconologia, che era un testo molto influente che descriveva come gli artisti dovevano rappresentare miti e allegorie attraverso emblemi e simboli.
Quindi, la scena che stiamo guardando è quella di un artista che dipinge il ritratto di una modella vestita come la musa della storia.
Sul tavolo di fronte alla modella, c’è una maschera, probabilmente come simbolo di imitazione, e quindi un attributo della Pittura. Se visti insieme agli altri oggetti sul tavolo – i pezzi di stoffa, un folio, un pezzo di cuoio – allora è possibile vederli come simboli collettivi delle Arti Liberali. Cioè le scienze naturali, le scienze sociali, le arti e le scienze umane.
L’artista è seduto al suo cavalletto in mezzo al quadro. Ci dà le spalle, quindi vediamo la sua stessa vista. Siamo anche in grado di intravedere il quadro a cui sta lavorando, e possiamo vedere che ha iniziato il suo lavoro con la corona d’alloro.
Nascondendo il volto dell’artista, Vermeer gli ha dato una qualità universale. In particolare, è mostrato con un abbigliamento costoso, un elegante doppiopetto nero decorato con fessure sulla schiena e sulle braccia. Il mio dettaglio preferito è il paio di calze rosse che indossa, appena visibili sotto la seduta del suo sgabello.
Cosa sta succedendo qui? A cosa equivalgono queste collezioni di oggetti e simboli?
La mescolanza di riferimenti suggerisce che Vermeer intendeva collegare le virtù della pittura al flusso della storia. E Vermeer pone l’artista al centro di questa valutazione.
È importante ricordare che Vermeer è vissuto in un’epoca in cui la categoria della ‘pittura storica’ – che comprendeva soggetti tratti dalla storia antica greca e romana, scene mitologiche, bibliche e storiche – era ampiamente considerata la forma più nobile di pittura.
Vermeer non era egli stesso un pittore di storia, ma attraverso questo dipinto sta suggerendo che gli artisti sono importanti trascrittori della storia. Inoltre, l’arte può essere sfaccettata, può essere stratificata, può descrivere e fare riferimento, può presentare ed eseguire – come evidenziato nel gioco stesso dei simboli all’interno dell’opera. In breve, l’Arte della Pittura è una celebrazione del talento dell’artista.
E c’è di più…
La stanza
L’idea dell’importanza della storia – e della capacità dell’artista di catturarla – è sottolineata dalla storia raccontata attraverso la grande mappa che è appesa alla parete in fondo alla stanza.
La mappa mostra una vista dei Paesi Bassi. È stata fatta dal cartografo olandese Claes Jansz Visscher. Se si guarda attentamente la mappa, si può vedere che la nostra banale vista dei Paesi Bassi è stata girata di 90 gradi, in modo che il nord è mostrato sulla destra e il sud sulla sinistra.
Più in basso al centro della mappa, meravigliosamente mescolato con la patina di pieghe e pieghe che si raccolgono naturalmente nel tempo, è un’ombra distinta che divide il nord dal sud. Quest’ombra si accorda ampiamente con la divisione politica del territorio avvenuta nel 1648 in seguito al trattato di Münster, che lasciò la Repubblica olandese a nord e le province meridionali sotto il controllo degli Asburgo spagnoli.
Anche il lampadario di ottone che pende dal soffitto fa riferimento ai recenti eventi storici: la forma ricorda un’aquila a due teste, il simbolo imperiale degli Asburgo.
L’intenzione di Vermeer per il dipinto potrebbe essere stata quella di una sorta di pezzo da esposizione con cui impressionare i patroni in visita. Era uno dei più grandi dipinti che avesse mai realizzato: con i suoi 120 x 100 cm, era secondo solo al suo Cristo in casa di Marta e Maria per dimensioni.
Inoltre, Vermeer non vendette mai il dipinto durante la sua vita. Anche quando morì, la sua vedova si rifiutò di consegnarlo ai creditori, anche se lei e i suoi figli erano stati lasciati con notevoli debiti.
Come pittore, Vermeer ebbe solo un moderato successo durante la sua vita. Ha prodotto relativamente pochi dipinti, la maggior parte dei quali mostrano scene di interni domestici come L’arte della pittura. La sua popolarità oggi attesta l’impeccabilità della sua tecnica, la sua capacità di illuminare lo spazio in modo così brillante, e allo stesso tempo di riempirlo di piccoli dettagli che stimolano l’immaginazione dello spettatore.
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Christopher P Jones è uno scrittore e artista. Scrive sul blog di cultura, arte e vita sul suo sito web
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