Per chiunque voglia formarsi come attore, può essere difficile sapere quale tipo di formazione scegliere. Una delle prime domande da porsi è: che tipo di attore vuoi diventare? Ci sono diverse tecniche di recitazione popolari che puoi imparare, quindi come fai a sapere quali tipi di recitazione sono giusti per te e per le tue ambizioni di carriera?
Tipi di recitazione
Quando prendi la tua decisione sul tipo di attore che vuoi diventare, devi pensare ai tipi di recitazione che vuoi fare – teatro o TV e film? Commedia o dramma? Poi devi valutare le diverse tecniche di recitazione e capire qual è la più adatta alle esigenze del tipo di recitazione che hai scelto. Per aiutarti a prendere una decisione, abbiamo dato un’occhiata ad alcuni dei tipi di recitazione più popolari in modo che tu possa vedere cosa hanno da offrire.
Il sistema
Questo stile di recitazione può essere visto come la radice di quasi tutta la recitazione moderna. Il Sistema, a volte indicato come “recitazione classica”, è stato sviluppato all’inizio del 20° secolo da Konstantin Stanislavski, uno dei più acclamati attori e registi teatrali del suo tempo. Il suo scopo era quello di prendere la conoscenza che gli attori più elitari con cui aveva lavorato avevano acquisito per tentativi ed errori nel corso di una vita in teatro e di scomporla in una metodologia che potesse essere insegnata agli studenti. In questo modo, gli studenti potevano diventare rapidamente interpreti costantemente eccellenti senza dover passare decenni ad imparare il loro mestiere.
Prima di Stanislavski, la formazione degli attori si era concentrata principalmente sull’allenamento vocale e fisico. L’idea rivoluzionaria di Stanislavski era di aiutare gli attori a sviluppare la loro vita interiore in modo che potessero produrre performance più concrete e realistiche. Voleva che gli attori sentissero veramente le emozioni che i loro personaggi stavano provando ogni volta che facevano una performance.
“Ogni persona che è veramente un artista desidera creare dentro di sé un’altra vita, più profonda, più interessante di quella che effettivamente lo circonda.” – Konstantin Stanislavski
Gli studenti del Sistema devono diventare abili nello studio e nella comprensione dei copioni, in modo da avere una chiara idea delle emozioni che i loro personaggi stanno provando in ogni momento. Devono poi essere in grado di evocare coerentemente quelle stesse emozioni in se stessi su richiesta. Il Sistema, quindi, si concentra molto sull’analisi del copione e sulle tecniche per stimolare le emozioni dell’attore.
Anche se il Sistema fu inizialmente creato per il teatro, divenne popolare tra le prime star del cinema perché le performance più sottili e sfumate che produceva erano ideali per la recitazione ravvicinata richiesta dalla telecamera. È ancora usato da alcuni attori moderni di teatro, cinema e TV, anche se è stato per lo più sostituito da equivalenti più moderni, come il Metodo.
Praticanti famosi del Sistema includono Sir Alec Guinness, Orson Welles e Basil Rathbone.
Michael Chekhov
“La vera recitazione ispirata non è mai FARE, è sempre FARE” – Michael Chekhov
Michael Chekhov era un attore e regista russo-americano (e nipote del famoso drammaturgo Anton Chekhov) che ha studiato sotto Stanislavski prima di andare a ideare il proprio approccio alla recitazione. Le tecniche di Cechov si concentravano anche sugli attori che creavano una ricca vita interiore per i loro personaggi, ma si basavano più sull’immaginazione che sull’uso di esperienze reali.
L’approccio di Cechov si basa molto sullo sviluppo del lato fisico di una performance, allontanandosi dallo stile “reale” più sobrio di Stanislavski verso qualcosa di più grande e più dimostrativo. Mentre la tecnica di Cechov è ancora interessata a raggiungere la verità emotiva, si basa sulle esperienze di vita cumulative dell’attore per alimentare la loro immaginazione, piuttosto che ricordare esperienze specifiche per generare ogni specifica emozione.
Considerato da alcuni un approccio meno sottile alla recitazione rispetto al Sistema e ad altri metodi moderni, le tecniche di Cechov erano ancora molto popolari nella metà del 20° secolo, utilizzate da attori come Marilyn Monroe, Yul Brynner e Clint Eastwood. Ora è più comunemente usato dagli attori di teatro che sullo schermo, poiché il suo stile più dimostrativo si adatta a certi tipi di recitazione teatrale.
Il Metodo
Deciso da Lee Strasberg, il Metodo era inizialmente basato sul Sistema di Stanislavski, offrendo un’espansione più avanzata e moderna delle tecniche di Stanislavski. Poiché la TV e il cinema stavano diventando sempre più i media principali per gli attori professionisti, era essenziale un approccio alla recitazione che funzionasse particolarmente bene per le esigenze di questi media. La duratura popolarità del Metodo è in gran parte dovuta alla sua versatilità, che permette agli attori di produrre performance eccezionali sia in teatro che al cinema.
Come il Sistema, il Metodo pone molta enfasi sullo sviluppo della capacità dell’attore di sentire realmente le emozioni che deve rappresentare. Raffinando e costruendo sulle idee di Stanislavski, Strasberg fu in grado di trovare tecniche avanzate che gli attori potevano usare per produrre in modo affidabile emozioni reali con una profondità e una sfumatura ineguagliate da altre tecniche di recitazione.
Strasberg ideò molte tecniche innovative, come la memoria affettiva, la memoria sensoriale e la sostituzione, in modo che qualsiasi attore, con sufficiente allenamento e sforzo, potesse imparare a produrre performance di alto livello. Il Metodo insegna anche pratiche chiave come il parlare fuori e il momento privato, che aiutano gli attori a portare efficacemente le loro abilità in un contesto di performance professionale. Questo è particolarmente importante per gli attori professionisti in quanto significa che possono consegnare la merce sul palco o davanti ad una telecamera, non solo in un’aula!
“Il lavoro per l’attore sta essenzialmente in due aree: la capacità di creare costantemente la realtà e la capacità di esprimere quella realtà.” – Lee Strasberg
Il metodo di recitazione continua ad essere insegnato e usato dagli attori di tutto il mondo, compresi alcuni dei nomi più noti dell’industria, come Robert De Niro, Meryl Streep e Leonardo DiCaprio.
Stella Adler
Un’altra studentessa del Sistema Stanislavski, Stella Adler fu anche coinvolta nel Group Theatre di Lee Strasberg dove imparò il Metodo e fece proprie molte delle sue idee fondamentali. Tuttavia, come Cechov, Adler preferiva concentrarsi sull’uso dell’immaginazione, piuttosto che su esperienze reali, ritenendo che questo fosse sufficiente a produrre performance realistiche.
L’insegnamento di Adler richiede agli studenti di dedicare molto tempo a sviluppare il lato fisico e vocale della loro performance, producendo attori che sono spesso molto abili nel creare un linguaggio del corpo realistico e performance vocali forti. Come per il Metodo, ha anche insegnato ai suoi studenti a sviluppare il legame tra i loro sensi e le loro emozioni, comprendendo che sensi come l’olfatto e l’udito hanno una forte e istintiva connessione con le nostre emozioni.
“Recitare è in tutto tranne che nelle parole.” – Stella Adler
Tra gli aderenti alla scuola di recitazione di Stella Adler ci sono Marlon Brando, Salma Hayek e Warren Beatty.
Tecnica Meisner
Un allievo di Lee Strasberg, Sanford Meisner, ha prodotto la sua propria variazione del Metodo. La Tecnica Meisner ha un’enfasi molto forte sull’improvvisazione e lavora su una base di focalizzazione della vostra attenzione sulla persona con cui state recitando. L’idea è che, prestando attenzione al comportamento reale del tuo partner di recitazione, puoi reagire sinceramente a lui. Questo significa che, in un certo senso, non stai recitando, ma semplicemente reagendo onestamente al tuo coprotagonista.
“Non essere un attore. Sii un essere umano che lavora su ciò che esiste in circostanze immaginarie”. – Sanford Meisner
L’unico lato negativo di questo approccio è che significa che si fa molto affidamento sui propri co-protagonisti per poter dare una buona performance. A differenza del Metodo o del Sistema, dove la tua ispirazione viene da dentro, la Tecnica Meisner richiede che tu prenda la tua ispirazione da altri attori. Questo può portare a performance molto naturalistiche e veritiere quando due o più attori molto abili lavorano insieme, ma può anche portare a risultati meno affidabili di altri approcci quando si lavora con co-protagonisti meno abili.
Perché la Tecnica Meisner si basa così tanto sull’improvvisazione per creare una buona performance, è forse più adatta al teatro dove c’è spesso più tempo per un lungo processo di prove.
Famosi studenti della Tecnica Meisner includono Grace Kelly, Gregory Peck e Peter Falk.
Giochi di Teatro
“Tutti possono improvvisare. Chiunque lo desideri può giocare a teatro e imparare a diventare degno di un palcoscenico”. – Viola Spolin
Messa a punto dall’attrice e regista americana Viola Spolin, i “Giochi del Teatro” sono una serie di giochi di improvvisazione progettati per aiutare gli attori a sviluppare le loro capacità di improvvisazione da utilizzare principalmente nella recitazione teatrale. Spolin ha insegnato ad attori a partire da sei anni con il suo approccio, che enfatizza il divertimento, la creatività e l’adattabilità.
I giochi coinvolgono concetti come parlare in gibberish, agire come vari animali e incorporare le emozioni suggerite dagli spettatori in una performance. Forse non sorprende che questo approccio sia molto popolare per gli attori che desiderano sviluppare le loro capacità di recitazione comica.
Costruendo le idee di Spolin, suo figlio, Paul Sills, è stato uno dei fondatori del leggendario gruppo comico improvvisato The Second City che ha prodotto talenti notevoli come Bill Murray, Tina Fey e John Candy.
Estetica pratica
Creazione del celebre drammaturgo David Mamet e dell’attore William H. Macy, l’estetica pratica prende ispirazione dal lavoro di Stanislavski, Meisner e dalle idee dell’antico filosofo stoico Epitteto.
Questo approccio scompone il processo di recitazione per qualsiasi scena nel trovare risposte a quattro domande fondamentali:
- “Letterale” – cosa, nei termini più elementari, sta succedendo nella scena?
- “Volere” – cosa vuole il personaggio che gli altri personaggi con cui interagisce dicano o facciano?
- “Azione essenziale” – quale azione chiave il personaggio sta cercando di raggiungere nella scena?
- “Come se” – a quale situazione della propria vita l’attore può riferirsi per trovare la risposta emotiva appropriata?
L’estetica pratica può essere vista come un approccio alla recitazione più esteriorizzato delle tecniche derivate dal sistema. Sebbene l’approccio “Come se” sia usato anche nel Metodo di recitazione, l’estetica pratica è altrimenti molto più focalizzata sui desideri e le azioni dei personaggi, piuttosto che tentare di creare una vita interiore realistica per il personaggio.
Adepti dell’estetica pratica sono William H. Mac (non a caso!) e Rose Byrne tra gli altri.
Impara a diventare un attore professionista in un solo anno
Il metodo di recitazione è uno dei tipi di recitazione più popolari ed è stato usato dall’80% degli attori vincitori di Oscar di questo secolo. Imparando il Metodo, puoi diventare un attore d’élite, capace di fornire risultati su richiesta ogni volta. Questo è esattamente ciò che registi, agenti e direttori del casting cercano in un attore professionista, ed è per questo che il metodo di recitazione è così popolare nell’industria.
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