それに対して、キャリー&ローウェルは、ポピュラー音楽ではめったに見られない規模の薄皮をはがしたような感情のむき出しさです。 スティーヴンスには隠れる場所がなく、歴史上の人物の背後に立つことも、神話と策略に覆われた個人的な真実もない。 スティーヴンスはこのことをよく理解していた。母親との関係についてアルバムをリリースするとしたら、それは彼の荒廃と喪失を率直に語るものにしかなりえないだろう。
リリースまでのプロモーション資料やインタビューは、事実関係を中心に行われた。スティーヴンスが1歳のときに母親が彼と彼の兄弟を残し、彼がまだ幼かったときに数回の夏を過ごして再び現れ、彼女は何十年もアルコール中毒、鬱、統合失調症と戦っていたということである。
2012年の彼女の死は、彼に大きな影響を与えました。彼自身の言葉を借りれば、彼は「私の心、私の記憶、私の思い出の中で、彼女についてできる限り集めようとしていたが、何もない」のです。「
スティーブンスはこの悲しみを作品に注ぎ込み、その結果、終わりのない疑問と不安な答え、そして最終的には、その時の自分よりも理解しやすいものに混乱を和解させようとする試みが生まれました。
キャリー & ローウェルは痛みの文書、死への変えがたい移行によって起こる苦しみと、生じた損失によって容易に埋められない空間に関する年代記である。 それはまた、スティーヴンスだけでなく、潜在的にリスナーにとっても、カタルシスと癒しに必要な装置となりうるもので、リリースから半世紀を経て、ある種の貴重なツールとなりました。
スティーブンスは、聴衆とコミュニケーションできる誠実さの必要性、つまり、その透明性において妥協してはならないことを理解しているのである。 実際、『キャリー』&ローウェルは、その神聖さゆえに、いっそう美しい。 この11曲の中でスティーブンスは、悲しみとほろ苦い幸せの組み合わせ、母親とのつかの間の子供時代の思い出、そして曲全体を決定づける一連の考えを呼び起こすその他の小さな逸話を表現している。
Should Have Known Better（おそらくアルバム最高の曲）では、彼は母親が生きている間に吐き出された複雑な感情に決して真に向き合うことができなかった自分を戒め、彼の感情を邪魔する「黒い覆い」として表現している。 しかし、最後の2分で、彼はその覆いを取り去り、生きることの新しさに驚きを見出すことができる。つまり、兄の娘の無垢さを大切にする神聖さや、生まれたばかりの子供の美しさが、周囲の人々にいかに光をもたらすか、ということだ。 それは、主題があまりに包括的で、スティーヴンスの孤独な姿を包む音楽が容易に脇役になりうるからでもある。
もちろん、音楽はこれらの感情がどのように表現されるかに不可欠です。
Blue Bucket of Goldの最後の1分でループする雰囲気は、音楽がほとんど賛美歌のリフレインを愛情を持って包む腕であるかのように、抱きしめるように包み込みます。 ジョン・マイ・ビロウド（John My Beloved）のサウンドトラックは、ゆったりとしたパーカッションと、かろうじて形成されたピアノのモチーフで構成されています。 この曲は、スティーブンスが “I love you more than the world can contain in its lonely and ramshackle head “というゴージャスなフレーズをゆっくりとワルツで歌いながら、ヴォーカルに影を落とす。 この曲が終わりに近づくと、音楽はわずかに盛り上がり、クライマックスを予感させるが、それは決してやってこない。
Sequentially, Carrie & Lowell plays some tricks that only after many listenens明白になるいくつかのトリック。 この曲の3分の2は比較的まばらで、シンプルなギターリフとボーカルが、信仰に生き、愛した人生の痛み（「こんなことになるなんて、私は何をしたんだろう」）を和らげようと苦闘しています。 最後の3分の1は、ギターとボーカルが傷ついた諦観の中で落ち、代わりにアンビエントノイズが溢れ出し、まるで喪失の跡に残された空虚さを露呈するかのように広がります。 前述したEugeneの後に続きますが、この曲から少し離れると、アルバムはDrawn to the Bloodが去った後のFourth of Julyに続きます。 Fourth of Julyを導入するアンビエンスの洗礼は、Drawn to the Bloodを締めくくるものとほとんど同じで、まるで同じものであるかのようです。 この文脈では、ユージーンは単なるフラッシュバックとみなすことができ、おそらく思い出に戻ることで痛みをそらそうとしたのでしょう。
まるでスティーブンスが、傷を癒すには完全に開かなければならないという考えを表現しているかのようで、『Fourth of July』は他のどの曲よりも深いところに入り込んでいるのです。 スティーブンスのヴォーカルは、まるで耳元で囁くように前面に出ており、音楽はその下でほとんどミュートされています。
スティーブンスの歌詞は本質的に寓話的な感じですが、彼が “Make the most of your life, while it is rife, while it is light “と叫ぶところでピークに達します。 この言葉が今ここにいるスティーヴンスから発せられたものなのか、それともかつてキャリーが発したものなのかはわからない。 この助言はあらゆる論理を超越し、このレコード全体の文脈を構成する緊急性をもって、目と鼻の先に突き刺さる。 しかし、『Carrie & Lowell』の真の強さは、作者の許しと償いへの意欲にある。 アルバムの冒頭を飾る「尊厳ある死」は、これから進むべき道への証言のようなものである。 “私は母を許します、あなたの声が聞こえます、あなたの近くにいたいと思っています”。 2527>
むしろ、スティーブンスは、ほとんど容赦なく、科学的な方法で自分の痛みを調査し、自分の記憶に虫眼鏡を当て、その証拠を評価して、自分から逃れてきた答えに到達することによって、記録している。 スティーヴンスにとって、『キャリー & ローウェル』の制作は、願わくば完結をもたらすのに十分なものであっただろう。 自分の置かれた状況を、レコードを形成する美しい音に変換できたということは、彼が、ミレニアル時代に音楽を作るアーティストにとって、ほとんど不可能な偉業を成し遂げたということだ。 この作品は、決して音楽的に革新的なものではなく、また、彼の初期のアルバムの多くがそうであるように、複雑で入り組んだものでもない
そのため、私は一聴して簡単に理解することができた。
そのため、最初に聴いたときは、簡単に理解できましたが、その後、聴くたびに、この作品に対する私の評価はさらに高まり、独自の方法で、完全に革新的なレコードとして浮かび上がってきました。 キャリー&ローウェルのようなレコードはそうそうあるものではないし、人々の足を一斉に止めるようなものでもない。 今後10年間で、この作品がどれだけ重要性を増していくのか、興味深いところです。